John's Classic Rock

Anonima Sound Ltd: Red tape machine (1972)

2012-01-28T00:01:00.000+01:00

Scarsamente rappresentativi del panorama prog, gli "Anonima Sound Ltd." vengono più che altro ricordati come trio beat in cui esordì come chitarrista il compianto Ivan Graziani.

Nata ad Urbino nel 1964 per opera dello stesso Graziani, di Velio Gualazzi (padre dell'oggi popolare Raphael) e di Walter Monacchi, la band si riforma almeno due volte prima di esordire su Long Playing, non mancando nel frattempo di centrare almeno un grosso successo a 45 giri: "Fuori piove/Parla tu" (con Graziani alla chitarra e alla voce) che vendette ben 175.000 copie pur essendosi piazzata ultima alla tappa di Teramo del Cantagiro 1968.
Altrettanto bene andò anche il 45 giri dell’anno successivo "Josephine" che vide tra l’altro la collaborazione del tastierista Roberto Carlotto, intanto era alle prese col suo album solista sotto lo pseudonimo di Hunka Munka.

Nel 1970 gruppo passa alla Numero Uno di Lucio Battisti e da alle stampe il solo 45 giri “Ombre vive” per poi sciogliersi dopo la partenza di Graziani per militare, abbandonando anche la nuova discografica alla quale rimarrà in forze il solo Graziani.
Tornato dalla leva un anno dopo, il chitarrista teramano però non raggiungerà più i vecchi compagni di viaggio rendendo evidente che volesse intraprendere ben altra strada che non quella di passare la vita nelle balere dell’Umbria.
Per nulla scorato, Velio Gualazzi, unico superstite del gruppo, chiama accanto a se il nuovo chitarrista Massimo Meloni, il bassista Piero Cecchini e la band e continua l'attività con un nuovo singolo "Io prendo amore/Cerchi" per la piccola etichetta Arcobaleno.
Nel 1972 poi, arriva la svolta radicale.

Probabilmente stanchi della monotonia del beat, la band estende la sua line-up a sette elementi e vira decisamente ad una musica più articolata ed internazionale. Per inciso si aggiungono: Richard Ingersoll voce e flauti (e anche autore della copertina), Lamberto Clementi Chitarra, Peter Dobson chitarra, Claudine Reiner voce.

Purtroppo però, la scelta si rivela innovativa molto più per l'immagine del gruppo che non per il mercato che mal recepisce il suo primo album "Red tape machine", costituito sostanzialmente da una sequenza di otto dignitosi brani cantati in Inglese supervisionati da Velio Gualazzi curati dal tecnico del suono A.Trevisani e con l'appoggio esterno di Ivan Graziani che da una mano agli ex compagni di viaggio intervenendo in due brani come bassista.

La musica è "deja vu" e nelle canzoni ci si trova un po’ di tutto: tracce di Crosby Stills Nash & Young ("Window On The City"), Jefferson Airplane ("Freedom"), James Taylor ("The last deboutante") e, se vogliamo, anche di Ike & Tina Turner nella conclusiva "The Roofer".
Disco poco innovativo quindi, che nulla aggiunge a quanto già proposto all'estero tre anni prima dalla generazione di Woodstock e già considerato obsoleto persino nell'Italia del 1972 che tra l'altro aveva sul mercato opere di ben'altro spessore.

Certo, occorre considerare che nel 1972 non tutti potevano accedere comodamente al mercato inglese e che quindi molti gruppi potevano impunemente "bleffare" fingendosi americani o britannici, ma è altrettanto vero che la nuova coscienza critica giovanile aveva mezzi sufficienti per riconoscere simili adulterazioni e tenersene alla larga.

Comunque, tra le cose migliori del disco ci sono la title-track "Red Tape machine" con gradevoli interventi di flauto traverso e la più complessa "Metro".
Apprezzabile anche il lavoro di chitarra in "Triangle" oscurato però dalla somiglianza melodica con la Battistiana "Pensieri e Parole" e dalla pronuncia inglese per lo meno opinabile.

"Red tape machine" non vende pressoché nulla, rigettando il gruppo nell' anonimato e costringendolo allo scioglimento in poco meno di sei mesi.
In sintesi: un album di buon livello tecnico ma di fattura compositiva piuttosto modesta, il cui ricordo viene tramandato ai posteri solo per il suo discreto valore collezionistico e per aver ospitato uno dei più grandi chitarristi italiani.
Come abbiamo accennato prima, oggi 2012, Velio Gualazzi è ancora in attività assistendo il figlio Raphael che sta riscuotendo sempre più consensi in Italia e all'estero.

COLLEZIONISMI: Stampato in pochissime copie, "Red tape machine" (ARC 000111) è sicuramente tra i quindici dischi più rari del prog italiano. Normalmente quotato intorno ai 1.800 euro tra il 2005 e il 2011, è stato venduto il 25.01.2012 per 1.750 euro in condizioni EX-/VG++.

Automat: Automat (1978)

2012-01-24T12:00:00.002+01:00

Fino alla seconda metà degli anni ’70, l'idea di produrre un disco italiano di sola musica elettronica non aveva molti adepti.

E’ vero che in epoca progressiva artisti come Battiato, Hunka Munka, Roberto Cacciapaglia, Gianni Leone e Giuseppe Banfi fecero ampio uso di sintetizzatori, ma è altrettanto vero che sino al dicembre del 1977 i dischi per soli suoni sintetici mancavano all'appello e di motivazioni per tanta timidezza ce n’erano sicuramente ben più di una.

Un primo limite supponiamo fosse quello economico, dato che il costo degli apparecchi allora circolanti (la linea degli ARP, il VCS3 e soprattutto il Moog), era inizialmente piuttosto elevato e solo pochi musicisti potevano sostenerne la spesa.
Non secondariamente, il ruolo del synth durante l’epopea progressiva non fu quasi mai da protagonista assoluto, ma da comprimario in organici più ampi o per connotare certi passaggi là dove gli strumenti convenzionali non potevano arrivare (es: l’inciso di “Impressioni di Settembre”).

Inoltre, mettendo per un attimo da parte i limiti tecnici degli strumenti e delle tecnologie di registrazione multipista, la ragione più plausibile di quest’uso “funzionale” del sintetizzatore, fu anche e sostanzialmente imputabile alla scarsa ricettività del mercato.
Certamente negli anni precedenti il ’77 la “Kosmische musik” aveva fatto breccia anche da noi attraverso la distribuzione della PDU, un gruppo come i Kraftwerk aveva conquistato le platee nostrane prima con Autobahn (1974) e poi con Radioactivity (1975), tuttavia finché non arrivò dall’estero uno stimolo più che concreto che potesse sdoganare anche in Italia il suono sintetico verso l’airplay, a nessun produttore sarebbe mai venuto in mente di investirvi una lira.

Nel 1976 però, qualcosa cambiò nel momento in cui il disco di un ventottenne francese di nome Jean Michel Jarre sbancò i botteghini del pianeta, dando inizio secondo “The telegraph” alla rivoluzione dei sintetizzatori negli anni 70.

Il disco si chiamava “Oxigene” e constava di sei brani eseguiti interamente da un solo performer e da strumenti elettrici: ARP 2600, EMS Synthi AKS, VCS 3, RMI, Farfisa, Eminent, Mellotron e un Korg Minipops-7.

Le parti n°6 e soprattutto la n°4 furono hits planetarie e sicuramente il loro indotto gigantesco contribuì a sciogliere ogni riserva anche presso le discografiche italiane. Ci si metta anche il trionfale riscontro di Trans Europe Express (1977) dei Kraftwerk e se vogliamo anche di “Spiral” di Vangelis e anche il nostro mercato era pronto per qualcosa di autoctono.

A dire il vero, come al solito l’Italia non si gettò da subito nella mischia, ma perlomeno nel 1978
la nostra Emi Italiana ebbe finalmente il coraggio di pubblicare un album integralmente elettronico e soprattutto tecnicamente attendibile, visto che i suoi protagonisti erano un progettista di sintetizzatori, un tastierista già noto al pubblico e un musicista classico.

Il disco in questione si chiamava “Automat” e nacque grazie alle ricerche dell'ing. Mario Maggi che nel 1977 aveva creato l’ MCS 70: il primo synth monofonico completamente programmabile della storia.
Dotato di una tastiera a 4 ottave con un doppio filtro, tre oscillatori e due inviluppi l'MCS 70 era in grado di sintetizzare non solo sinusoidi ma forme d’onda particolarmente complesse, generando alfine suoni così originali da suscitare persino l’invidia di Tom Oberheim in persona.

Per dimostrane le possibilità, Maggi chiamò allora accanto a se i tastieristi Romano Musumarra (Bottega dell’Arte) e Claudio Gizzi ai quali diede il compito di orchestrare alcuni suoi patterns, producendo così un master completo che poi la EMI pubblicò grazie alle spinte dello stesso Musumarra, già in forze alla stessa discografica.

Il primo lato del disco venne orchestrato da Gizzi e il secondo da Musumarra la cui “Droid” ottenne un certo riscontro persino in Brasile.

Credo non sia opportuno dedicarsi ora alla disamina musicale del lavoro che fu sostanzialmente una demo dell’MCS 70 e il cui sound rimandava molto a quello di Jarre.
Certo è checonsiderata l’epoca, le sue sonorità erano davvero straordinarie, specialmente nei bassi che mai sino ad allora avevano ottenuto una corposità così piena e definita.
Sfortunatamente, il boom di Oxigène oscurò il lavoro di “Automat” e in più, l’avvento del nuovo synth “Prophet 5” pose fine al progetto MCS-70 di cui alla fine venne prodotto un solo esemplare che sarebbe poi stato acquistato Patrizio Fariselli degli Area (lo si può ascoltare nell’album “Tic & Tac” del 1980).

Presso gli addetti ai lavori comunque, il progetto “Automat” non passò affatto inosservato incoraggiando tutto un esercito di programmatori ad elevare le tecnologie musicali sino al punto in cui sono arrivate oggi.
Ascoltandolo, occorre naturalmente proiettarsi con la mente all'alba delle automazioni in campo musicale, ma lo sforzo vale sicuramente la pena. Grazie naturalmente all'ing. Mario Maggi.

COLLEZIONISMI: Automat non è raro o costoso. Malgrado il suo valore storico, se ne registrano transazioni appena assestate sui 40 euro sia per le edizioni straniere, sia per quella italiana.

Banco: ... Di terra (1978)

2012-01-16T13:23:00.008+01:00

A due anni di distanza dallo strumentale “Garofano Rosso”, il Banco del Mutuo Soccorso (il cui nomenel frattempo è stato abbreviato in “Banco”) si ripresenta nel 1978 con un nuovo lavoro che per certi versi continua la linea del suo omologo, esplorando però sonorità sempre più complesse mutuate dal jazz, dal rock e soprattutto dalla musica classica.
Per realizzarlo, la band dei Nocenzi si avvale questa volta del tastierista Alessandro Esseno e dell'orchestra sinfonica dell'Unione Musicisti di Roma, condotta per l’occasione dal M° Antonio Scarlato del Conservatorio Santa Cecilia e dagli stessi Nocenzi.

Registrato per la discografica Ricordi nel secondo bimestre del 1978 presso gli studi Trafalgar di Roma sotto l’esperta supervisione del tecnico del suono Gaetano Ria, “...Di Terra” comprende 7 brani strumentali di media durata (6:30 min circa) la cui sequenza dei titoli è estratta da una poesia di Francesco di Giacomo che fornisce così il suo contributo all’album:

Nel cielo e nelle altre cose mute / Terramadre, / non senza dolore /
Io vivo. / Nè più di un albero non meno di una stella / nei suoni e nei silenzi / ... di terra.

A questo punto, è ovvio che non ci si potrebbe sottrarre da un paragone con l’altro album strumentale senza Di Giacomo, ma se “Garofano Rosso” fu una colonna sonora - dunque subordinata alle immagini di un film - “... Di Terra” è invece completamente scevro da qualsiasi soprastruttura e quindi possiamo azzardare che in quest'occasione la band fosse pienamente consapevole dei risultati a cui voleva arrivare.

E in effetti, sin dalle prime note della leading track “Nel cielo e nelle altre cose mute” il Banco apre una finestra tanto solenne quanto inedita sulla sua veste classica con particolare riferimento al romanticismo del primo novecento.

E’ un inizio spiazzante al punto che non sembra neppure di trovarsi al cospetto di un’opera della band romana, ma subito arrivano “Terramadre” e “Non senza dolore” a spezzare una lancia in favore dei fans della prima ora: due brani in stile progressive venati di classica di rock e di jazz in cui spiccano trombe di limpido sapore Davisiano, aromi etnici, maestosità quasi cinematografiche e citazioni Crimsoniane che sembrano duellare con l’orchestra.

Una serie continua di rimandi quindi, in cui il Banco sembra quasi voler mettere alla prova gli ascoltatori che da un lato, è vero, devono accettare questo suo lato un po’ “cattedratico”, ma dall’altro possono davvero apprezzare in pieno l’assoluta talentuosità dei loro musicisti che qui danno prova di una capacità compositiva, esecutiva e organizzativa davvero senza precedenti.
E se a qualcuno fossero venuti dei dubbi sull’organicità dell’album ecco spiegarsi di colpo la detonante “Io Vivo” che rimette in ordine ogni citazione precedente amalgamandola in nove minuti di straordinaria coerenza: perfetta per chiudere idealmente la prima sezione del disco.

“Nè più di un albero...” col suo incedere iniziale di tastiere, poi ricamate dal flauto dell’ospite Alan King, ci riporta invece ad atmosfere underground del tempo che fu e a questo punto, l’ascoltatore può concedersi una pausa di respiro.
Una pausa breve però.

“Nei suoni e nei silenzi” infatti, riprende quelle inversioni di rotta tipiche di quest'opera e incomincia ad infiammare nuovamente il sistema nervoso spezzando la tranquillità con dissonanze, tensioni e premesse a quel finale di straordinaria potenza che è poi la title track che chiuderà l’album.

Sulle ultime note di pianoforte l’ascolto è dunque terminato.
O almeno sembra.

E dico "sembra" perchè... fateci caso. Scommetto che una volta arrivato il silenzio del trailoff, non vi sembrerà vero che il disco sia finito: è stata talmente tanta l’energia promanata dai solchi che certamente qualcuno rimarrà in attesa di un altro brano, di altre emozioni, quasi come se “Di Terra” non avesse ancora esaurito il suo potenziale.
Come se quel tornado di sentimenti evocati in poche decine di minuti non dovesse finire mai e restasse ancora nell'aria richiamando un secondo disco. Un doppio album.
Invece il dosaggio è stato perfetto.

Fuori dagli studi della Trafalgar, le BR rapivano Aldo Moro, i neofascisti uccidevano Fausto e Iaio e la mafia Peppino Impastato. Mina dava il suo ultimo concerto alla Bussola e Curcio veniva condannato a 15 anni di carcere.
Secondo voi servivano parole in un clima del genere? No.

Bastavano un pomodoro tra gli anelli di Saturno e un concerto “di terra”:
Drammatico, consapevole, magnifico.

COLLEZIONISMI: Disco comune, non supera di norma i 40 euro in condizioni Mint.

DEGUSTAZIONE: Da ascoltarsi in cuffia e in posizione comoda con un vino bianco Doc servito ben fresco. Es: un Nas-Cetta novello delle Langhe.
Accompagnare con due canapès al burro non salato e uova d'aringa. Uno per lato, ma sempre dopo i primi otto minuti.

BANCO DELMUTUO SOCCORSO - Discografia 1972 - 1978:
1972: BANCO DELMUTUO SOCCORSO
1972: DARWIN
1973: IO SONO NATO LIBERO
1975: BANCO (english)
1976: GAROFANO ROSSO
1976: COME IN UN'ULTIMA CENA
1978: DI TERRA

Il miglior brano del Prog italiano anni 70 Ha vinto: Impressioni di Settembre

2012-01-12T00:21:00.001+01:00

Non deve essere stato facile per nessuno astrarre solo cinque brani da un totale di circa due migliaia, eppure, il sondaggio sul miglior brano del prog italiano anni 70 ha avuto un riscontro davvero eccezionale.

La mole dei votanti è stata vasta, articolata e mista, 175 i brani scelti e alla fine ne è uscito un quadro molto interessante in cui tutte le sfaccettature di una musica così complessa hanno trovato un loro senso.

Diciamo subito che ha stravinto un monolite come “Impressioni di Settembre” della Premiata Forneria Marconi con lo 6,14% delle preferenze, e questo potrebbe risultare un dato sin banale trattandosi di uno dei brani più rappresentativi del nostro prog in Italia e all’estero.
Eppure, esattamente come accadde 40 anni fa nei circuiti della controcultura, per un solo brano “classico” che conquistava il cuore delle masse, ce n’erano almeno altrettanti che si facevano largo a scala locale o sotterranea.

E così, se dal secondo al quarto posto, arrivano i brani più progressivi del Banco (“Canto Nomade” II° col 4,45% e “Il giardino del mago” IV° con il 3,82%) e della Premiata (“La carrozza di Hans” al III° posto - 3,91%), tra la quinta e la sesta posizione svettano almeno due gioielli del prog italiano più radicale come “Introduzione/Primo Incontro” del Balletto di Bronzo (V° col 3,29%) e la suite "Zarathustra" del Museo Rosenbach (VII° col 2,84%).

Dal canto loro, Le Orme piazzano appena tre brani nella top 30, ma tutti di enorme qualità: “Sguardo verso il cielo” in sesta posizione, “Sospesi nell'incredibile” in undicesima e “La porta chiusa” in ventisettesima. Segno evidente che i lettori di Classic Rock sanno distinguere il prog dalla socialdemocrazia musicale, accantonando i vari "collages" e "giochi di bimba".

Meno coraggio invece è stato dimostrato con gli Area di cui sono stati prediletti due classici come “Luglio agosto settembre nero” e la “Mela di Odessa”, relegando il lato più aggressivo della band appena al 34° posto con “Consapevolezza”.
Stesso discorso per gli Osanna laddove “Canzona” e “L’Uomo” sono state preferite alle più ruvide “Oro Caldo” e "Animale senza respiro".

Chiudono infine il discorso dell’”alternanza” almeno 5 gruppi minori (Alphataurus, Quella Vecchia Locanda, Pholas Dactylus, Locanda delle Fate, Biglietto per l’Inferno) un tempo considerati davvero marginali, ma fortunatamente recuperati da un lungo lavoro d’archivio di cui anche Classic Rock è stato protagonista.

Ecco dunque la Top 50 completa, estesa a 58 titoli a causa della lunga serie di ex equo che hanno condiviso il 34° posto. Per inciso, tutti quei piazzati a pari merito sono citati in ordine alfabetico.
I rimanenti 117 brani, condividono una percentuale totale di circa il 33,18%.

Come sempre, un grazie di cuore a tutti coloro che hanno partecipato a questo sondaggio e... a risentirci al prossimo.
JJ John

Il miglior brano del Prog italiano anni 70 - Top 50

1	Impressioni di settembre - PFM	6,14 %
2	Canto nomade per un prigioniero politico - Banco	4,45
3	La carrozza di Hans - PFM	3,91
4	Il giardino del Mago - Banco	3,82
5	Introduzione / Primo Incontro - Balletto di Bronzo	3,29
6	Sguardo verso il cielo - Le Orme	3,20
7	Zarathustra - Museo Rosenbach	2,94
8	R.I.P. - Banco del Mutuo Soccorso	2,85
9	Canzona - Osanna	2,49
10	Luglio agosto settembre nero - Area	2,13
11	Sospesi nell'incredibile - Le Orme	2,05
12	Arbeit macht frei - Area	1,78
13	Appena un po' - PFM	1,69
14	La mente vola - Alphataurus	1,29
15	La città sottile - Banco	1,25
16	750.000 anni fa l'amore - Banco	1,20
17	La mela di Odessa - Area	1,11
18	Vorrei incontrarti - Alan Sorrenti	1,07
19	Realtà - Quella vecchia locanda	0,98
20	L'evoluzione - Banco	0,93
	L'uomo - Osanna	0,93
22	A volte un istante di quiete - Locanda delle fate	0,89
23	A land to live a land to die - New Trolls	0,85
	Concerto delle menti - Pholas Dactylus	0,85
	Pollution - Battiato	0,85
26	Confessione - Biglietto per l'Inferno	0,80
27	La porta chiusa - Le Orme	0,76
28	Oro caldo - Osanna	0,75
29	La realtà non esiste - Claudio Rocchi	0,74
30	Per un amico - PFM	0,73
31	La prima goccia bagna il viso - New Trolls	0,71
32	Adagio (Concerto Grosso) - New Trolls	0,62
	Sequenze e frequenze - Battiato	0,62
34	Alpha Ralpha Boulevard - I Numi	0,58
	Anonimo - Lucio Battisti	0,58
	Bambini Innocenti - Officina Meccanica	0,58
	C'è troppa guerra - New Trolls	0,58
	Consapevolezza - Area	0,58
	E' triste il vento - Madrugada	0,58
	e mi viene da pensare - banco mutuo soccorso	0,58
	Il trionfo dell'egoismo… - Paese dei balocchi	0,58
	John - Yuri Camisasca	0,58
	L'amico della porta accanto - Ibis	0,58
	L'amico suicida - Biglietto per l'Inferno	0,58
	Le labbra del tempo - Area	0,58
	Le utime parole di Brandimante - Stelle di Schifano	0,58
	Man pt.1 & pt.2 - planetarium	0,58
	Non sei vissuto mai - Osanna	0,58
	Paura del niente - De de lind	0,58
	Rising - Spirale	0,53
	Song - Living music	0,58
	Stalingrado - Stormy Six	0,58
	Storia mai scritta - Enzo Capuano	0,58
	Unione - Odissea	0,58
	Visioni dell'aldilà - The Trip	0,58
56	L'ultima ora - Trip	0,56
57	Aria - Alan Sorrenti	0,53
	Vendesi saggezza - Locanda delle fate	0,53

Procession: Fiaba (1974)

2011-12-20T14:33:00.002+01:00

Dopo un esordio coraggioso, ma poeticamente debole, i Procession attraversano un periodo di stasi dovuto principalmente al fallimento della loro discografica "Help", di cui furono gli ultimi protagonisti a 33 giri.

In più, a causa delle modeste vendite del primo lavoro e i soliti problemi dovuti alla chiamata di leva, il gruppo subisce anche un rimpasto che lascerà intatti solo i 2/5 della band originale.
Se ne vanno prima il chitarrista Marcello Capra e il bassista Angelo Girardi partiti a militare, e poi il batterista Giancarlo Capello per lasciar spazio a Maurizio Gianotti (sax e flauto) e Paolo D'Angelo (basso). A questi, si aggiunge anche il batterista Francesco Froggio Francica, ex Raccomandata con Ricevuta di Ritorno, riportando la band all'originale assetto a cinque.

Rimasti fedeli al produttore Pino Tuccimei, i rinnovati Procession approdano alla Fonit-Cetra che li convoca per incidere il loro secondo album negli studi di Via Bertola a Torino.
Dopo quasi due mesi tra prove e registrazioni, esce così nel 1974 "Fiaba": sei brani di circa sei minuti l'uno composti prevalentemente da Roby Munciguerra che da un lato ricordano molto le atmosfere di "Frontiera", ma dall'altro non le ammantano con problematiche superiori alle capacità narrative di Marina Comin, anche in questo caso autrice di tutti i testi.

Di fatto, la dimensione fiabesca che avvolge il disco, non solo calza meglio alla sognante poetica dei testi, ma anche al sound del gruppo che risulta molto più morbido e organico.
La stessa copertina non richiama più i duri simboli di un dramma storico (la valigia dell'emigrato in "Frontiera") ma fantasiosi simboli araldici e, all'interno, un pittoresco castello in cui stanno simbolicamente confluendo sia musicisti di estrazione classica ,sia giovani musicisti Pop.

A suggellare il nuovo corso della loro carriera, i Procession chiamano a se anche tre ospiti di grande prestigio.
L'ex cantante-percussionista dei Circus 2000 Silvana Aliotta e il tastierista dei Delirium Ettore Vigo, apportano il loro contributo nel brano "C'era una volta", mentre il tastierista Franco Fernandez comparirà invece in "Un mondo sprecato" e "Fiaba".

Considerato unanimemente il lavoro migliore del gruppo torinese, "Fiaba" si apre con un'intensa galoppata di percussioni sulla quale intervengono gradualmente tutti gli strumenti definendo in poche misure il groove generale del disco: un piacevole Prog molto più acustico che elettrico, con grandi concessioni al Jazz-Fusion, specie nell'uso dei fiati.

La parti più rock sono affidate alla chitarra elettrica di Roby Munciguerra che, specie nel primo brano "Uomini di vento" fornisce un ottimo biglietto da visita delle sue capacità, mentre il lato più morbido è rappresentato dal flauto di Maurizio Gianotti che contrappunta delicatamente il tessuto armonico con tanto di raddoppio sulle note.
Estremamente efficaci anche gli interventi del sax che, specialmente nell'attacco di "C'era una volta", raggiungono un raro livello di efficacia e di bellezza pur pagando un debito forse eccessivo al turnista dei Pink Floyd Dick Parry. Anche in questo caso però, ci pensa il raddoppio sul finale a personalizzare dignitosamente l'assolo.

Sempre nello stesso brano (che possiamo considerare il più rappresentativo dell'album), è davvero troppo accostabile alla Claire Torry di "The great gig in the sky" il pur ottimo contributo di Silvana Aliotta (foto a sx) che, in quello stesso periodo, aveva appena pubblicato il suo primo ottimo singolo "Madre".

Vero e proprio marchio di fabbrica dei Procession è infine la splendida voce di Gianfranco Gaza, il cui registro alto e potente, svetta per esempio in "Notturno" grazie a un bel duetto col mellotron che evidenzia anche l'accurata ricerca di particolari sonorità di cui è intriso tutto il long playing.

Chiudono il tutto "Il volo della paura" (la cui introduzione ricorda la prima "Era di Acquario") e un finale molto morbido che si commiata dall'ascoltatore nella più coerente delle maniere possibili.

In sostanza, davvero un bel lavoro che però, malgrado i grossi sforzi promozionali dal vivo (in cui alla batteria compariva invece Roberto Balocco degli ex-Capsicum Red) non riuscì a decollare commercialmente, provocando lo scioglimento dei Procession che si riformeranno grazie al solo Munciguerra ben 32 anni dopo.

Gianfranco Gaza entrerà negli Arti e Mestieri nel 1975, Marcello Capra collaborerà con Tito Schipa Jr nell'opera Orfeo 2000 e Giannotti si rifarà vivo nel 1979 con l'album "No Speed" dei torinesi "Combo Jazz".
Comunque, a parte quei miglioramenti che avrebbero potuto portare la band a un terzo lavoro, era evidente che le sonorità semiacustiche e il linguaggio aulico di Fiaba non corrispondesse più alle necessità di un mondo giovanile alle porte di una crisi esistenziale.

COLLEZIONISMI: Fiaba è un disco molto raro che è stato proposto a circa 400 euro sino al 2007.
Dopodichè, le sue apparizioni sul mercato si sono diradate sempre di più al punto di riapparire nel 2011 alla cifra di 1.500 euro, prezzo a cui viene tuttora proposto in condizioni Mint sia in rete che nelle conventions.

PFM: Impressioni di settembre / La carrozza di Hans (1971)

2011-12-17T11:12:00.010+01:00

Siamo nell’ottobre del 1971 e mentre i Pink Floyd registrano a Pompei l’unico concerto della storia del rock a porte chiuse, nei negozi di tutta Italia fa capolino un 45 giri destinato ad entrare nella storia.

A suonarlo è la Premiata Forneria Marconi, un quintetto di musicisti già noti al grande pubblico per le loro attività pregresse (dall’essere stati il popolare gruppo dei Quelli ad aver accompagnato Battisti) e ai giovani per aver vinto a pari merito con Osanna e Mia Martini il Festival di Avanguardia e Nuove tendenze di Viareggio (27/5/71 – 2/6/1971) proprio con uno dei due pezzi del singolo in questione: “La carrozza di Hans”, il primo brano originale scritto dalla Premiata nell’aprile del 1971.

Il disco catalogato ZN 50126, esce per la casa discografica di Battisti, la Numero Uno. Viene distribuito da un gigante come la RCA italiana e si presenta con una copertina di Cesare Monti (fratello di Pietruccio dei Dik Dik) che calza perfettamente sia con lo stile del gruppo, sia col nascente immaginario undeground. In altre parole: un capolavoro di conflittualità sin dalla sola veste grafica.

Ciò che però fu realmente destinato ad entrare nella leggenda, furono i 4 minuti e 23 secondi di “Impressioni di Settembre” che non solo contribuirono a spalancare definitiamente le porte al progressive italiano già ben rappresentato da Trip, New Trolls, Nuova Idea, Garybaldi e Orme, ma stravolse completamente i classici stilemi della forma-canzone sia grazie al suo assetto mutuato dai più blasonati gruppi inglesi, sia grazie all’uso di nuove tecnologie quali il suono del Moog che in questo caso faceva le veci del cantante nell’epico inciso centrale.

L’intuizione del brano venne da Franco Mussida che, seduto sul divano in casa dei suoi genitori, intuì casualmente una melodia base (quella che corrisponde cioè alla parte cantata) che, una volta strutturata, sembrò quasi richiamare una sorta di sfogo, di apoteosi, “di supremo appagamento, di sfogo benefico e positivo” (cfr Mussida).
La soluzione non tardò ad arrivare e consistette, come sappiamo, in una splendida progressione di ventinove note dal sapore nuovo e mediterraneo che avrebbero costituito il momento topico della canzone portante. Insomma: il brano era fatto.

Riunitosi per arrangiare il tutto con l’aiuto del paroliere Mogol che nel frattempo aveva imbastito uno straordinario testo dal sapore bucolico e autunnale, il gruppo però si rese presto conto che una volta arrivati al ritornello, la scala di Mussida non funzionava ne fatta col flauto di Pagani ne tantomeno con la chitarra o qualsiasi altro strumento tradizionale.
Il suono che ne usciva era debole e ci voleva qualcos'altro.

Alchè, qualcuno dei musicisti (pare Franz di Cioccio) si ricordò di aver sentito in “Lucky man” degli Emerson, Lake & Palmer il sound di un particolare strumento che forse sarebbe andato meglio per quel particolare momento della canzone: “Era uno strumento dalle sonorità nuove, simili a quelle delle tastiere e dei fiati. Sapeva di terra, di cielo, di mare e di tutte queste cose insieme” (cfr Di Cioccio).

Lo strumento si chiamava Moog ed era composto sostanzialmente da sei sorgenti di suono (3 oscillatori, un noise generator e una linea esterna) le cui combinazioni si potevano variare a piacere per produrre qualunque tipo di frequenza.
Partiti alla ricerca del Moog, fortuna volle che alla “Mostra dello Strumento” del 1971 i cinque incrociarono il Dott. Monzino - noto distributore di strumenti musicali - che aveva portato con se il secondo prototipo di Minimoog esistente al mondo. Il primo era di Keith Emerson.

Il suo costo va da se, era totalmente fuori dalla portata del quintetto, ma con la sa consueta sfacciataggine Di Cioccio lo chiese in prestito a Monzino che acconsentì.
“Dallo a noi e vedrai che ne venderai almeno dieci!" pare gli abbia detto.

Lo strumento venne portato alla Numero uno e Flavio Premoli ne estrasse il sound che venne infine immortalato su 45 giri supportato, come sappiamo, da un tripudio di armonizzazioni di Mellotron.

Il successo fu immediato al punto che non solo il single entrò nella top ten e rimase 15 settimane in classifica, ma divenne un simbolo epocale al punto di essere ripreso più volte anche da numerosi altri artisti tra cui Battiato, i Marlene Kunz e persino dal Dj Gigi D’Agostino.
Una miscela insomma di conflittualità, innovazione e fortuna che raramente si sarebbe ripetuta nella storia del pop italiano.

COLLEZIONISMI: Disco molto agevole da reperire data la mole delle sue vendite e pertanto stimabile intorno alla quindicina di euro per un esemplare assolutamente perfetto. Una sua copia promozionale con label bianca è stata recentemente ceduta per 25 euro in condizioni EX+

Analogy: Analogy (1972)

2011-12-16T00:59:00.000+01:00

NEI COMMENTS CI SCRIVONO MAURO RATTAGGI E MARTIN THURN CHE CI INVITANO A FESTEGGIARE INSIEME LA PRIMAVERA 2012...

Malgrado i loro nomi palesassero una chiara provenienza mitteleuropea (Nienhaus, Mithoff, Schoene) gli Analogy (originariamente "The Yoice") si formarono a Varese nel 1968 e svolsero in Italia la loro carriera musicale.

Fortemente legati alla cultura Freak, sia come immagine che come sound, esordiscono discograficamente nel 1970 per la minuscola etichetta, la "Dischi Produzioni Ventotto", con un 45 giri in lingua Inglese: "Sold out / God's own land". I

Il disco, pur se distribuito dalla messaggerie Musicali non vende molto, ma è ben rappresentativo della musica del gruppo che non cambierà con gli anni a venire.

Entrambi i brani del singolo, non rivelano uno stile musicale particolarmente originale, pescando a piene mani dall'underground di derivazione anglo-americana, cosa comunque coraggiosissima nell'italietta del '72. Lo stile è particolarmente pulito e gli arrangiamenti sono molto ben strutturati, pur se relativamente semplici. Tra gli strumentisti si fanno onore l'ottima cantante Jutta Taylor Nienhaus e il chitarrista Martin Thurn Mitthaus.

Sullo sfondo prevale l'onnipresente lavoro del bravo tastierista Nicola Pankoff (il secondo italiano del gruppo insieme al bassista Mauro Rattaggi che però rimase sino al 1971) il cui stile si colloca a mezza via tra John Lord e Ray Manzarek.

Più indietro, ma forse anche per colpa dell'incisione piuttosto cavernosa, resta la sezione ritmica di Mops Nienhaus e Wolfgang Schoene.

Cambiato il nome in Analogy nel 1972, la band ha l'occasione di esibirsi in numerosi Festival Pop tra cui Caracalla e Napoli e di conquistarsi sufficienti credenziali per approdare a un lavoro su 33 giri.

L'album, dicevamo, non si sposta di molto dal lavoro svolto sul 45, se non per il maggior spazio dato alle singole improvvisazioni (es: l'organo in "Weeping may endure" e la chitarra acustica in "Tin's Song").

Nella pratica, prevalgono ballate di blues psichedelico decisamente colorate di hard dalla chitarra di Mitthaus ("Indian meditation") e speziate da un leggero aroma "goth" dato dalla voce lirica e "silvestre" della Nienhaus.

Solo la lunga suite "Analogy" si stacca dal resto dell'album con una bella dimostrazione di abilità psichedelica, sebbene il groove generale del brano richiami drammaticamente una miscela tra "Interstellar overdrive" e "Atom heart mother" dei Pink Floyd.

La chiusura del disco è affidata ad un rock più deciso e personale ("The year's at the spring") che pur nella sua essenzialità, lascia complessivamente un buon sapore.

Poco conosciuti in Italia e ancora meno in Europa (Svizzera a parte), solo la coppia Jutta Nienhaus - Martin Mithoff resistette nell'ambiente musicale dopo lo scioglimento degli Analogy, collaborando nel 1973 con Battiato ("Sulle corde di Aries") e fondando due anni dopo in Inghilterra gli "Eathbound" che operarono fino al 1979 per poi ricomporsi molti anni dopo.

Il disco "Analogy" è raro e ricercatissimo.
Pubblicato in circa 1.000 copie, è oggi annoverabile tra i dischi più costosi in circolazione. Nel maggio del 2010 il sito Vinyl Seduction ne propone una copia mint a 3.000 Euro (ma senza poster!)

La sua copertina, raffigurante i componenti della band completamente ignudi, è giustamente ritenuta una delle più provocatorie dei primi anni '70. Da lì, in molti capirono che Jutta non era solo una brava cantante, ma anche un gran bel pezzo di figliola.

Detto senza cattiveria però, credo personalmente che se "Analogy" non avesse avuto quella copertina, sarebbe rimasto un disco ancora più oscuro di quello che già oggi è.

COLLEZIONISMI: Stampato in appena 1.000 copie, Analogy è probabilmente il disco più raro del pop Italiano. Le sue quotazioni partono dai 3.000 euro ma potrebbero agevolmente andare oltre se in presenza del poster originale (quello marrone col piede) che originariamente ricopriva le nudità dei musicisti.
Non meno corteggiato il 45 giri "Sold out" che nel ottobre del 2011 ha raggiunto quota 500 euro.

Napoli Centrale: Qualcosa cca nu'mmore (1977)

2011-12-06T09:39:00.000+01:00

Poco prima di chiudere la fase più progressiva della loro carriera, i Napoli Centrale pubblicano nel 1977 l'album “Qualcosa ‘cca nu’ mmore” che se da un lato si rivela uno dei loro lavori più energici e stridenti, dall’altro denota un sempre maggior spostamento verso il jazz (es: “O specchio addo‘ me guardo"), lasciandosi così alle spalle un po’ di quella immediata comunicatività degli esordi.

Se infatti nel primo album “Napoli Centrale” si aveva l’impressione di trovarsi di fronte a un collettivo compatto sia musicalmente che ideologicamente, in questo frangente siamo invece al cospetto di un vero e proprio gruppo jazz in cui la preponderanza di James Senese (unico superstite della formazione originale insieme al fido batterista Franco del Prete) gli conferì definitivamente l'indiscusso ruolo di capo-orchestra.

Rispetto ai primi due lavori dunque, è un altra Napoli Centrale quella che si ascolta in Qualcosa ‘cca nu’ mmore laddove per le registrazioni, Senese si avvale nuovamente di numerosi musicisti esterni, ma che questa volta sono chiamati ad esprimersi in un linguaggio quasi esclusivamente jazz: Ciro Ciscognetti, ex tastierista di Fabio Celi e gli Infermieri -qui tra l’altro in splendida forma-, un secondo tastierista Pippo Guarnera già con Napoli Centrale nel 1975 e poi andatosene temporanemente con Finardi, nonché un giovane bassista di belle speranze di nome Pino Daniele che di lì a poco diverrà l'alfiere più raffinato della musica napoletana d'autore.
Sebbene però, come dicevamo, il disco del 1977 fosse suonato a livelli altissimi, ascoltando la sequenza dei brani emerse in modo piuttosto drastico l’urgenza di un cambiamento programmatico: o riportare la band verso la conflittualità del passato, o verso una strada ancora più tecnica e sperimentale.

E se musicalmente Senese e soci avevano fatto passi da gigante e il “Sonny Rollins di Napoli” dimostrò costantemente di avere sempre più fiuto nel scegliersi i compagni e soprattutto classe da vendere, da un’altro punto di vista le sue performances, specie quelle vocali, iniziavano a suonare ripetitive, quasi come se si fossero eternamente arroccate al sound di “O nonno mio”.

Con questo non voglio dire che Qualcosa ‘cca nu’ mmore sarebbe stato più coerente se fosse stato solo strumentale, ma che le parti cantate avrebbero potuto anche limitarsi al primo folgorante brano d’apertura “O nemico mio”, vero e proprio capolavoro dell’album. E questo perchè a conti fatti, il sound complessivo di quest'ultimo lavoro fu effettivamente una coazione al ricalco delle intuizioni sviluppate nei primi due.

Allo stesso modo, molto autoreferenziale sembrò anche il pezzo di chiusura “Nun song na vacca” che pur riciclando i fasti di “Mattanza” ne ricalcava telmente il groove da lasciare l’ascoltatore perlomeno ansioso di qualche ulteriore novità.
E queste considerazioni le fecero probabilmente anche gli stessi Senese e Del Prete che malgrado le ottime prove su vinile e dal vivo, decisero di sciogliere i Napoli Centrale andandosene ciascuno per la sua strada.
Com'è noto, i frutti migliori dello scisma, li raccolse il bassista Giuseppe “Pino” Daniele che in quello stesso anno avrebbe esordito con il suo “Terra mia”, calamitando a se il meglio dei musicisti napoletani, Senese incluso.

Onnipresenti nei Festival Pop del movimento e rispettati da chiunque, i Napoli Centrale ebbero comunque il grande merito di traghettare la cultura popolare a livelli musicali elevatissimi, mantenendone però lo spirito ribelle e comunicativo.

La loro apertura mentale inoltre, fece anche si che nelle loro fila transitassero o si facessero le ossa musicisti di primissimo ordine (da Ernesto Vitolo a Gigi de Rienzo per non parlare dell’ex Flea Agostino Marangolo e dello stesso Pino Daniele) facendo così assurgere la band a una vera e propria fucina di talenti.

Ceramente il carattere duro e spigoloso del leader non aiutò molto il gruppo in materia di stabilità, ma il suo perfezionismo artistico gli permise di non scendere mai al di sotto di una certa qualità, al punto di consacrare la sua creatura come una delle migliori band del pop italiano.
Io stesso ribadii questo concetto a Mark Harris mentre eravamo insieme a cena in casa di amici e lui, col suo bell’accento del Connecticut mi rispose: “Naturalmente si! E' sato un periodo indimenticabile! Un'energia così non si è mai più rivista.”
Se non erro, fu quella l'occasione in cui gli regalai la mia copia di “Napoli Centrale” che Mark aveva perduto strada facendo.

COLLEZIONISMI: Album agevole da reperire. Quaranta euro è il massimo prezzo al quale l'originale dovrebbe essere ceduto in condizioni Mint.

Guido Bolzoni: Happening (1969)

2011-11-30T11:21:00.017+01:00

Guido Bolzoni è stato molto più che non il leader maximo del quintetto pavese dei Numi, quelli che nel 1971 incisero per la discografica Polaris il ricercatissimo album Alpha Ralpha Boulevard.

Provate a fare delle ricerche, leggete gli articoli che lo riguardano, ascoltate l’opinione di chi lo ha conosciuto anche solo occasionalmente: troverete sempre parole di stima e di affetto così sorprendenti che di sicuro vi verrà voglia di approfondire la conoscenza di questo geniale artista.

“Uno dei più interessanti cantautori della fine degli anni ‘60”, “carismatico e istrionico”, “maestro di vita”, “personaggio eclettico e autoironico”, sono solo alcuni degli elogi che vengono tributati a Guido la cui tomba nel cimitero di Pavia viene omaggiata tutti gli anni da amici e da fans.

Chi era dunque Guido Bolzoni?
Nativo di Termoli, si trasferisce presto a Lecco, pur studiando e soggiornando spesso a Pavia dove conseguirà dopo diversi anni fuori corso una laurea in medicina, non essendo inizialmente molto interessato a intraprendere la professione di medico. Lo farà solo molto più tardi una volta terminata la sua carriera artistica.
Personaggio magnetico ed estremamente conviviale al punto di trasformare la sua abitazione in ritrovo per artisti e poeti, intraprende nel 1968 una tournée svedese a fianco Dario Fo da dove pare fosse tornato con una pregiata chitarra acustica Gibson Dove, quella che per intenderci, usò anche Elvis Presley.

Raffinato letterato (conosceva profondamente Tolkien, Potocki, Cordwainer Smith e Dick, Borges), politicamente consapevole delle trasformazioni politiche del suo tempo ed eternamente combattuto tra la musica d’autore e le visioni psichedeliche provenienti da oltremanica, nel 1969 non perde l’occasione per trasferire tutta la sua energia su vinile, grazie ad un incontro con il popolare cantautore Bruno Lauzi che nel frattempo aveva fondato una sua etichetta personale: la “Luv”.

Nasce così “Happening”, un 33 giri estremamente particolare per l’epoca le cui 12 composizioni tutte firmate da Guido, si rivelano un’incessante sommatoria di idee, rimandi letterari, declamazioni, moniti e riferimenti colti. Una sorta di “pentola a pressione” insomma, talmente piena di arte ed energia che sembra dover esplodere da un momento all’altro.
Tecnicamente, lo stile è quello didascalico di Dylan con la voce in primo piano molto ben chiara e levigata in modo da non perdere nemmeno un concetto per strada.
Percettivamente però, l’atmosfera è molto più popolare, provinciale, quasi come a sottolineare che le rivoluzioni e i pensieri più determinanti non sono quelli calati dall’alto, ma quelli che nascono dagli incontri e dai confronti quotidiani, dalle proprie incertezze e da quelle soluzioni che solo un dialogo rende possibili.

“Queste canzoni le ho nella mente, leggende mai confidate come quella del Re Talismano, seduto presso il promontorio dello sgozzato, all’angolo dei pomeriggi, che guardò a destra, poi a sinistra e divenne cieco”.
“Io vedo solo migliaia di quartieri e migliaia di uomini: alcuni potrebbero leggere le proprie mani candide come pagine di Vangelo.Io conosco solo l’inferno della mia condizione di uomo che si avvicina alla fine...” Recitano le note del retrocopertina.

Ad accompagnare Bolzoni in “Happening” ci furono Renzo Fontanella (basso/flauto), Carlo Perduca alle tastiere e il batterista Giorgio Cesari, ma pur essendo il sound del disco piuttosto limpido, non mancarono le critiche in merito ad un incisione piuttosto piatta e una peggiore distribuzione che rende a tutt’oggi questo album una rarità assoluta.

Certamente, di fronte a tanto phatos la tecnica conta poco, è vero, ma comunque fu una vera fortuna che Guido avesse potuto dare testimonianza di se anche prima dei Numi e della sua futura collaborazione con Mina per cui scriverà ben quattro brani tra cui la popolare “Rudy” e “La mia carrozza” entrambe del 1972.

Personalmente, ho cercato sin qui di dare un ritratto onesto di un grande artista che ci ha lasciato troppo presto (muore di edema polmonare nella sua casa di Lecco nel 1995).
Sicuramente i suoi fans del “GB fan club” o lo stesso amico Furio Sollazzi dei Numi che è già passato da Classic Rock, potranno dirci molte altre cose e per questo vi aspetto tutti con piacere nei comments.
Per il resto, a chi non ha mai sentito parlare di Guido Bolzoni, consiglio invece di andarsi a procurare “Happening”: disco strano, forse ridondante di troppe idee messe insieme, ma sicuramente testimone dell’esistenza di una diversa sensibilità artistica, genuina e raffinata, che in quel 1969 è stata la base di una straordinaria trasformazione sociale.

GRAZIE AD AUGUSTO CROCE X LA FOTO DEI NUMI E AL SITO MIAPAVIA.IT

COLLEZIONISMI: Nella sua versione originale “Happening” (LUV 8800) è un disco molto raro e di difficile reperibilità al punto di essere stato ceduto nell’agosto 2011 a 400 sterline, pari a circa 450 euro in condizioni EX+.
Acquisizioni al di sotto di questa cifra, sono da considerarsi molto fortunate.

Enzo Capuano: Storia mai scritta (1975)

2011-11-22T09:05:00.002+01:00

Quando nel 1974 Mario De Luigi e Sergio Lodi aprirono a Milano l’etichetta Divergo, il loro obiettivo era quello di dare spazio ad artisti poco conosciuti, raffinati, originali e lontani dalle logiche dell’airplay.

Non a caso assunsero come arrangiatore e produttore l’allora cinquantacinquenne Antonio Virgilio Savona del Quartetto Cetra, che proprio in quegli anni aveva intrapreso un cammino molto più militante dedicando ad esempio canzoni ad Angela Davis e fondando con Armando Sciascia della Vedette la raffinata etichetta “I Dischi dello Zodiaco”.

La Divergo iniziò a pubblicare nel 1975 e i primi tre artisti convocati non furono certo nomi comodi: la torinese Margot , al secolo Margherita Garrone, figlia di un magistrato e voce dei Cantacronache e il suo concittadino Gianni Siviero la cui opera prima “Dal Carcere” si rivelò uno straordinario “j’accuse” alla situazione penitenziaria.
Il terzo nome che invece incise per De Luigi e Lodi (ma secondo in ordine di catalogo) era invece il ventottenne calabrese Enzo Capuano che però a differenza degli altri due, non proseguì il sodalizio con l’etichetta milanese dopo il suo primo Lp.

Nato a Catanzaro il 1° marzo 1947, aveva lasciato la sua terra nei primi anni ’60 per emigrare prima a Bologna dove ottenne una laurea a pieni voti in chimica industriale e infine a Milano dove iniziò ad esibirsi prima con i gruppi “i Tramps” e “i Giaguari” e successivamente a proporre materiale proprio.

Nel 1973 Enzo collabora al secondo album del cantautore romano Mario Panseri “Adolescenza” tratto dal romanzo “Agostino” di Alberto Moravia e due anni dopo, affiancato dallo stesso Panseri e dal percussionista Giovanni D'Aquila, licenzierà la sua prima prova solista: “Storia mai scritta”.

Concepito per “12 corde e orchestra”, il disco è piuttosto curioso per l’epoca in cui fu rilasciato. Spesso le critiche - anche moderne - lo paragonarono ad altri lavori quali “Aria” di Sorrenti o “Volo Magico n°1” di Rocchi, ma nella realtà, l’opera di Capuano fu esattamente agli antipodi.

Rocchi e Sorrenti infatti, restituirono induttivamente sogni, ambienti e tensioni del loro tempo e ne fecero affreschi astratti. Capuano fu invece deduttivo: mise in musica la vita dell’uomo raccontandone esperienze e contraddizioni e giungendo infine a una logica determinata: “La vita è l’insieme delle cose che ci capitano mentre siamo intenti a fare altri progetti e magari sognare.”

Per Capuano insomma "tutto poteva spiegarsi con il solo ausilio della musica" e mentre i suoi colleghi impiegarono la voce come elemento evocativo, lui la utilizzò invece in maniera per così dire “funzionale”, affidandole programmaticamente il compito di aprire e chiudere la sua suite.

Alla sola musica sono dunque affidate tutte le emozioni umane che di volta in volta definiscono i vari brani: la nascita e il contatto con la realtà (“La nuova stagione”), l’ottimismo e l’incertezza nel futuro (“Risveglio”), il divenire e l’immedesimazione nella natura, la fuga nell’arte (“La natura dentro”), la necessità introspettiva (“Memoria”) e infine, lo spettro di una sconfitta (“Il buio”).

L’incedere della musica intrisa da dialoghi tra chitarra e orchestra, diede vita ad una sorta di “rock progressivo” nuovo e trasversale che tuttavia si rivelò presto tanto geniale quanto improbabile in un momento in cui certi concettualismi venivano sempre meno accettati dal pubblico alternativo.
Di fatto, miglior fortuna ebbe il cantautore con la sue apparizioni cantautorali al premio Tenco e con la sua carriera successiva da attore e operista.

“Storia mai scritta” resta però un mattone prezioso nell’edificio della musica rock italiana: un compendio non comune di emozioni che pur nella loro apparente distanza dal reale, si calavano profondamente nei dubbi e nelle speranze del proprio tempo.
Un modus certamente sinfonico ma anche consapevolmente militante nell'esprimere una realtà dal futuro incerto, ma colmo di consapevolezza e di tensioni
E proprio per questa sua peculiarità, la differenza tra il “parlare” di questo disco e “ascoltarlo” e in questo caso enorme. Anzi: oserei dire che “Storia mai scritta” fu talmente unico nel suo genere che chi ne leggesse solo la descrizione, potrebbe anche pensare non sia mai esistito.

TRACKLIST: -A- 1. In Forma di Vita 2. La Nuova Stagione 3. Volo Nella Notte 4. Risveglio -B- 1. Dal Tempo Vissuto 2. La Natura Dentro 3. Memoria 4 Il Buio

COLLEZIONISMI: Il disco originale della Divergo (DVAE 002) con copertina singola e laminata è da ritenersi piuttosto raro, sebbene curiosamente poco ricercato. Le sue quotazioni si sono sempre assestate sui 25 euro per una copia Mint, con un solo picco anomalo di 50 euro nell’agosto 2009 per un esemplare EX.
Tuttavia, recenti offerte intorno ai 120 euro, potrebbero preludere ad un aumento di quotazione.

Le Orme: Storia o leggenda (1977)

2011-11-15T09:29:00.000+01:00

In un loro comunicato del 1977, Le Orme annunciarono solennemente che il loro nuovo album “Storia o Leggenda” avrebbe ”segnato la fine di un ciclo”.
Evidentemente anche il glorioso quartetto veneto si era reso conto che il Punk, la Disco Music e il generale sentore di riflusso ormai alle porte imponevano un giro di boa.
E non solo.

Quel movimento Controculturale che pur tra mille contraddizioni li aveva seguiti per quasi un lustro non c’era più, sostituito da un’altro irriverente e iconoclasta che da Bologna a Milano stava completamente modificando i linguaggi giovanili e più in generale, il modo di consumare musica.
Eppure, malgrado la sua altisonanza, quel comunicato in parte mentiva e questo perchè non erano in pochi a pensare che quel “ciclo”, Le Orme l’avessero già chiuso da un pezzo e in particolare con gli ultimi due albums “Smogmagica” e soprattutto “Verità nascoste”.
Essi furono infatti due dischi alterni e molto più reazionari del solito che non solo avevano definitivamente rotto i ponti con le avanguardie, ma grazie ai nuovi arrivati, Tolo Marton prima e Germano Serafin dopo, stemperarono non poco le ardite trame compositive della band.

Le Orme, a quel punto, avevano visto tempi decisamente migliori: Gian Pero Reverberi li aveva abbandonati, la versione inglese di Verità nascoste incisa come “Secret truths” non venne mai distribuita e lo spensierato 45 giri “Canzone D’Amore” pur nella sua dignità, aveva comunque traghettato il quartetto verso lidi decisamente più commerciali.

Inoltre, lasciato completamente a se stesso e allontanatosi definitivamente dal rock progressivo, il gruppo aveva anche acuito notevolmente quella fastidiosa vena “spiritual-populista”, da sempre presente in modo discreto già dai tempi di “Ad Gloriam”, ma che di lì a poco sarebbe esplosa in tutta la sua radicalità. Un’anima conservatrice e populista di derivazione catto-beat, che solo l’humus culturale di pochi anni prima era riuscito a stemperare mantenendola su livelli accettabili, ma che ora poteva esprimersi a briglia sciolta e tra l'altro con esiti non sempre brillanti.

Comunque, snobbati dal mercato inglese e tentennanti su quello italiano, i quattro vanno a incidere a Parigi lasciandosi incantare dall’atmosfera bohemienne della capitale, ricorrendo a suoni marcatamente pop e conservando dei tempi andati solo l'epica copertina del pittore Walter Mac Mazzieri.
Il resto è conservatorismo puro, sublimato da un brano che al di là del successo a 45 giri, fu la peggiore dimostrazione di quanto la band non solo fosse totalmente avulsa ai drammi della propria generazione e del movimento ’77 in generale, ma addirittura paternale nei confronti delle sue rivendicazioni.

Così, mentre la polizia sparava a Giorgiana Masi, manifestazioni, agguati e omicidi politici si susseguivano pressoché quotidianamente e le Brigate Rosse centravano i loro bersagli, Tagliapietra e Pagliuca cinguettavano: “Se io lavoro e perchè non so che fare...” pretendendo pure che non si parlasse male di loro poiché avevano “pochi amici con cui passare il giorno”.

E mentre il sindacalista Luciano Lama veniva violentemente cacciato dall’Università La Sapienza di Roma, venivano soppresse festività in uso da secoli e sui lavoratori si abbatteva lo spettro dei tagli salariali e occupazionali, le angeliche Orme stilavano quello che poteva essere un inno al neoliberismo “ perdere tempo vuol dire restare indietro” proponendo tra le soluzioni ai nuovi disagii quella di “tenersi per mano tutti assieme”
Un’inadeguatezza a dir poco spropositata rispetto alla drammaticità dei tempi.

La musica del disco, va da se, riflette il candore di certi suoi contenuti: magniloquenza, scontatezza, ingenuità, e una comunicazione più affine all’Azione Cattolica che non al Rock Progressivo.

Qualche fragore dei tempi lontani c’è ancora come nell’intro percussiva di “Al mercato delle pulci” ma mai scevro da quei manierismi e da quelle banalizzazioni che da qui in poi si sarebbero ripetuti sempre più spesso sino a sfociare, cinque anni dopo, in una violenta crisi personale e creativa che terrà la band lontana dalle scene per quasi otto anni.

”Storia o Leggenda” dunque, non chiuse un ciclo. Confermò anzi il fatto che un nuovo periodo fosse già stato inaugurato almeno da tre anni e che già da tempo procedeva tra incertezze e revisionismi. Il resto, è storia d’oggi.

TRACKLIST: -A- 1. Tenerci per mano 2. Storia o leggenda 3.Il musicista 4.Come una giostra -B- 1.Se io lavoro 2.Un angelo 3.Il quadro 4. Al mercato delle pulci

COLLEZIONISMI: Disco comune la cui versione originale italiana non supera quasi mai i 40 euro.
Più rara è invece l’edizione argentina "Historia o leyenda" che potrebbe aggirarsi sui 150 in condizioni Mint.

Reale Impero Britannico: Perchè si uccidono (1976) di Fabio Capuzzo

2011-11-07T09:21:00.000+01:00

“Perché si uccidono” è un oggetto misterioso.
Provate a fare una ricerca: nonostante questo disco interessi settori diffusamente indagati come quelli delle colonne sonore e del rock progressivo, le informazioni che otterrete sia dal web che dalla carta stampata saranno pochissime, in pratica sempre le stesse e molto imprecise.

Sì perché per venire a capo di questo enigma, bisogna conoscere i Goblin come le proprie tasche, intuire le cose mai dette dai musicisti e filtrare quelle dette, sapersi muovere con sicurezza nel vastissimo campo minato della produzione cinematografica italiana.

La copertina dell’album riporta infatti ben poche informazioni: sul fronte, oltre al titolo, ad una anonima foto a colori tratta dalla pellicola ed all’indicazione “colonna sonora originale del film” c’è il logo ‘incoronato’ de “Il Reale Impero Britannico” e la dicitura “musica composta e diretta da Willy Brezza”, mentre sul retro sono indicati i titoli e gli autori di ogni brano: dati dai quali emerge che Brezza ha in realtà composto solo le tracce presenti sul secondo lato e che quasi tutte quelle sul primo lato sono invece firmate da Frizzi, Simonetti, Morante, Pignatelli, Martino.
L’etichetta riporta inoltre la data di pubblicazione dell’album: il 1976, anno di uscita nelle sale della pellicola. Tutto qui.

Basandosi su questi pochi elementi, tutti i recensori susseguitisi nel corso dei decenni hanno affermato che il disco contiene la colonna sonora di ‘Perché si uccidono’, eseguita nel 1976 da una formazione parallela dei Goblin, una specie di ‘side project’ di breve durata in analogia con i ‘Cherry Five’. Le cose però non stanno così.

In realtà l’album contiene materiale di provenienza eterogenea, composizioni incise dai Goblin nei primi mesi del 1975, nel medesimo periodo in cui il gruppo realizza lo score di “Profondo rosso”.
In particolare sul ‘lato a’ troviamo quattro brani che sono il frutto di un esperimento tentato da Carlo Bixio, il produttore della Bixio/Cinevox, che affianca ai Goblin il musicista e compositore Fabio Frizzi, spronando i musicisti a realizzare composizioni da sfruttare in ambito cinematografico, come in effetti avviene.
I brani in questione sono Epopea ed Epopea reprise, galoppate progressive in cui la melodia di sinth rievoca il Theme one nell’esecuzione dei Van Der Graaf Generator con mellotron, gong e batteria fragorosi.

La delicata ballata per piano elettrico e chitarra acustica Ammoniaca e la dolce Edda per il flauto e soprattutto per la voce di Edda Dell’Orso, l’interprete dei passaggi più lirici delle partiture di Ennio Morricone.
La ritmata e dance Kalu (già edita in precedenza) è invece tratta dalla colonna sonora di “Amore libero – Free love”, composta da Fabio Frizzi ed eseguita dai sempre dai Goblin nel luglio del 1974.
L’esperimento non dà altri frutti e Frizzi costituisce assieme a Franco Bixio e Vince Tempera (allora nel Volo) i Bixio-Frizzi-Tempera, specializzati in colonne sonore e quindi riprende la carriera solistica, sempre nell’ambito della musica applicata, avvalendosi sovente dell’ausilio dei componenti dei Goblin come musicisti da studio.

Il secondo lato contiene invece le composizioni firmate da Brezza per “Perché si uccidono” con arrangiamenti realizzati appositamente per l’album (pratica usuale nel campo della musica da film), diversi rispetto alle ‘film version’.
My damned shit, interpretata da Tony Tartarini (all’epoca cantante dei Goblin ed infatti appare anche nella foto sul retro di “Profondo rosso”), è una canzone con un testo a tema (la ‘merda’ del titolo è chiaramente la droga) dall’impostazione melodica datata che richiama certi brani per i western all’italiana e nella pellicola è presente in varie versioni strumentali più apprezzabili.

Si va decisamente meglio con le successive Dodici e un quarto di cui veramente grandiosa l’allucinante ‘film version’ rimasta inedita, Block che è il pezzo migliore dell’album con assoli di chitarra elettrica e moog,. R.I.B. in cui il piano elettrico sembra anticipare le sonorità degli Alan Parsons Project e infine le esili Apotheke e Distrazioni, tutti brani in cui sono Simonetti e Morante a farsi apprezzare maggiormente.

‘Perché si uccidono’ è la prima ed unica opera cinematografica di Mauro Macario (figlio del celebre Erminio) che in seguito inciderà l’album “Amoropolis”, curerà per la RAI la regia televisiva di concerti rock e si dedicherà alla scrittura.
Il film narra le vicende di Andrea, un giovane ribelle che rifiuta il padre capitalista e non sopporta l’ipocrisia della sorella ma che finisce invischiato nella droga per amore di Anna.
La pellicola, pur ottenendo il visto di censura il 3 marzo 1975, viene proiettata per la prima volta il 30 marzo 1976 ed ottiene complessivamente appena 17.000 spettatori per poi sparire nel nulla, diventando chimera per i collezionisti.
La Cinevox dà alle stampe l’album, nel complesso abbastanza mediocre, in contemporanea con la distribuzione del film, quindi subito dopo la pubblicazione di “Cherry Five” e anche in questa occasione, l’etichetta decide di occultare i Goblin, sempre primi in classifica con “Profondo rosso”, attribuendo “Perché si uccidono” agli inesistenti “Il Reale Impero Britannico” anche se nei titoli di testa della pellicola è indicato correttamente “musica di Willy Brezza eseguita dal complesso Goblin” ed omettendo qualsiasi ulteriore indicazione sui contenuti ‘reali’ del disco.

La Cinevox lo stampa in una tiratura estremamente limitata, non superiore alle 1000 copie, rendendolo così un ricercato e costoso pezzo da collezione per i cultori dei Goblin e più in generale per gli appassionati di rock progressivo e di musica per il cinema.

ARTICOLO A CURA DI FABIO CAPUZZO

COLLEZIONISMI: Per i collezionisti di OST e per i fan dei Goblin il vinile originale di "Perchè si uccidono" è naturalmente un must il cui livello di rarità pù essere definito medio/alto.
Battuto sempre in condizioni Mint nel 2004 a 376 dollari e nel 2008 a 255 dollari, potrebbe oscillare oggi (nov. 2011) intorno ai 400 euro.

Donatella Bardi: A Puddara è un vulcano (1975)

2011-11-01T09:00:00.020+01:00

Donatella Bardi nasce a Torino nel 1954 da padre pittore e madre insegnante di disegno, ma diventa subito milanese d’adozione essendosi trasferita nella metropoli lombarda a soli due anni.

Trascorre quindi l’adolescenza negli anni più vulcanici di una città in fermento e appena l’età glielo consente, inizia a sfruttare la sua splendida voce.
Collabora dapprima con Alberto Camerini, Pepè Gagliardi, Alberto Tenconi e Antonello Vitale in una band psichedelica in stile underground chiamata la “Dreaming Bus Blues Band”.
In seguito è la protagonista femminile della band “Il Pacco” formata sempre da Camerini (che avrà con lei anche una storia d’amore), da suo fratello minore Lucio Bardi che riaffiorerà costantemente nella sua vita artistica, da Eugenio Finardi, Ricky Belloni (futuro Nuova idea) e da Lucio “Violino” Fabbri poi in forza alla scuderia della PFM.

Onnipresente nel circuito controculturale, collabora come corista nel 1971 al disco di Claudio Rocchi “Volo magico n°1”, affianca Fausto Leali al festival di Sanremo 1973 e, sempre come vocalist, appare nella canzoni “Bambulè” di Camerini, “Chiaro” di Loy e Altomare, “Se si sa senza senso” dell’Equipe 84, “Enorme Maria” di Simon Luca e in “Tutto subito” di Eugenio Finardi.
Dopo qualche tempo di permanenza in una comune siciliana per risolvere alcuni problemi personali, partecipa con “Il Pacco” alla Festa del proletariato giovanile del 1974 al Parco Lambro e questo suo attivismo (che le farà vestire anche i panni d’attrice) la porterà non solo ad interagire con figure di primissimo piano del rock progressivo quali Demetrio Statos e Paolo Tofani, ma catturerà infine l’attenzione della prestigiosa discografica Elektra che l'anno successivo pubblicherà il suo unico lavoro solista a 33 giri: “A Puddara è un vulcano”.

Ad affiancare Donatella in sala d’incisione ci saranno il fratello Lucio, il padre Mario che reciterà la title track scritta dal poeta Michele Montagnese in dialetto palermitano, il fido tastierista Gianfranco “Pepè” Gagliardi, il batterista Antonello Vitale e il bassista Paolo Donnarumma, futuro collaboratore di Alberto Radius e in questo caso produttore e tecnico del suono.
Tra gli ospiti, un certo Kevin Boullen (nome poi contratto in Bullen) alla chitarra destinato a diventare uno dei più corteggiati bassisti della scena milanese anni ’70.

E a questo punto, eccoci alla disamina dell’album che – premettiamo - malgrado alcuni abbiano inscritto nella categoria “prog”, non ha nulla a che vedervi rappresentando semmai uno spaccato estremamente spontaneo e sincero di quel movimento giovanile che nella seconda metà degli anni ’70, si stava incamminando verso nuove, importanti e dolorose mutazioni.

Nel 1975 in effetti, tutto è più che mai in discussione: la riappropriazione degli spazi, della musica, della merce e del sistema informativo. Del ruolo della donna e della famiglia, dell'austerità e delle nuove metodologie repressive.
Qualunque collettivo cerca la propria strada da mettere al servizio di un mondo migliore e a differenza di due anni prima, si respira molta più positività, grazie anche alla forte ascesa del PCI nelle elezioni del 13 giugno.

Donatella però è proprio giovane e malgrado le frequentazioni “impegnate” non ha una coscienza politica tale da scrivere “Area 5” o ”Campagna”, ma possiede semmai un’anima sorridente e positiva che a discapito della militanza dei colleghi, trasmette molta più “gioia” che “rivoluzione” affrescando così uno dei momenti più fecondi della nostra cultura alternativa.
"Regina in quest'età" sembra quasi una canzone femminista ma senza esserlo, "Cioccolata con panna" racconta il movimento con una limpidezza talmente disarmante da non poter non essere vera, "Punto e a capo" possiede una gioia silvestre da sembrare scritta prima della grande urbanizzazione e la prima traccia "Forget" è pura poesia condensata sorprendentemente in soli sessantaquattro secondi. Una delle intro più brevi della musica italiana.

Come un angelo lei accompagna la sua generazione che malgrado le mille difficoltà, sta crescendo, irrobustendosi e trasformandosi:
"Ogni frutto è raro, ha una storia da seguire / dall'inizio un seme che da solo può fiorire / cerca luce / il sole la porterà / cerca l'acqua / la pioggia lo bagnerà" (da “Cioccolata con panna”).

La storia però ci dice che il candore di Donatella si scontrerà presto con un realtà diversa in cui molti sogni dovranno presto lasciare il passo alla controrivoluzione e al riflusso.
Il suo “mondo in riva al mare” fatto di “paesi meravigliosi” e di “colori che raccontano la loro ora” soccomberanno alle nebbie dei lacrimogeni e ai manganelli della “legge Reale”.
Lei enterà in crisi, avrà qualche problema con "brutti miscugli di pillole" (cfr: Enzo Gentile) e alla fine si ritirerà per lungo tempo a vita familiare dando alla luce tre figli e progettando altre immaginazioni ch però non avranno modo di realizzarsi.

Infatti, i sogni a 33 giri di Donatella verranno dimenticati in fretta e quell'immaginario fatto di “tanto lavoro di mani” e di “semi innaffiati che fioriranno” sopravviveranno alla sua stessa autrice stroncata il 13 dicembre 1999 da un’emorragia celebrale a soli 45 anni.

Soffice e conciliante al limite dell'ingenuità, la Bardi lascerà però un messaggio unico nel panorama autorale degli anni '70: "cogliere il bello della vita nel momento in cui viene vissuta".
Un po' prosaico a dire il vero, ma straordinariamente sincero. Almeno per come lo trasmise lei.

TRACKLIST: -A- 1.Forget 2.Perchè dovrei credere 3.Punto e a capo 4.Regina in quest'età 5.No! 6.Oberator Mask -B- 1.A Puddara 2.Cioccolata con panna 3.Fratello Antonino 4.Aeroplano 5.Per favore non sbattete la porta

COLLEZIONISMI: "A Puddara è un vulcano" è uno di quei dischi che riveste un valore più affettivo che collezionistico. Al novembre del 2011 vi si può accedere per cifre che vanno dai 50 agli 80 euro per una copia Near Mint.

Cocai : Piccolo grande vecchio fiume (1977)

2011-10-28T09:49:00.001+02:00

Spesso neppure menzionati nei principali libri sul Prog italiano, i “Cocai” (da non confondersi col popolare gruppo teatrale triestino) si formano in Veneto nel 1977.
Intraprendono poi una breve attività dal vivo a scala locale e sempre nel medesimo anno, pubblicano il loro unico album per l’etichetta Style s.a.s. a distribuzione Fonit-Cetra.

Come per diversi altri gruppi di quel periodo quali i Planetarium, anche per questo quintetto non fu possibile scoprire l’identità dei componenti, visto che nei credits del disco si trincerarono tutti dietro nomi d’arte mutuati dall’inglese secondo una consolidata tradizione esterofila: Theo Byty (voce, chitarra, moog), Gigi Pandy (chitarra, flauto, voce), Stheny (tastiere), Paul Blaise (basso, percussioni, voce) e Tury (batteria).

L’unica cosa certa è che il loro unico album prosaicamente intitolato “Piccolo grande vecchio fiume” (Adige, Brenta, Mincio, Piave, Livenza, Tagliamento?) venne registrato negli studi Fonoprint di Bologna con l’assistenza del fonico Maurizio Biancani e del direttore artistico Carlo Loyodice.
Altro indizio interessante: i sette brani che compongono l’album furono scritti principalmente dal trio Flanin, Pezzanda, Pizzato con la sola eccezione del pezzo finale che porta la firma di un non meglio identificato Idamas.

Ma se di Idamas e dell'ultimo terzetto non sappiamo praticamente nulla, facendo qualche supposizione il Flanin potrebbe con ogni probabilità essere colui che collaborò con Maurizio Arcieri per le musiche del suo album del 1973 “Trasparenze”, registrato ai Sound Recording Studio di Mestre, avvalendosi tra l’altro della chitarra di Claes Cornelius (ex Blues Right Off, Buon Vecchio Charlie e Venetian Power) e del fonico Ermanno Velludo (già tecnico del suono dei Blues Right Off).

Altra indicazione: sul retro della copertina, oltre ad una citazione al collaboratore esterno Massimo Jannantuono, spicca un ringraziamento rivolto dalla band “agli autori dei brani per la libertà concessaci negli arrangiamenti” il che fa supporre che i cinque musicisti non avessero composto nessun pezzo dell'album.
Fatte queste premesse e sperando che un giorno qualcuno dei “Cocai” si faccia vivo per darci qualche spiegazione in più, si può passare all’ascolto.

Come per i “Pentola di Papin” anche in questo caso siamo davanti a un sound molto datato rispetto alla data di pubblicazione, anche se a differenza dei loro colleghi lombardi, i Cocai apparvero occasionalmente più calati negli anni ’70 sul modello degli Alphataurus, grazie a qualche sporadica strizzata d’occhio al pop sinfonico inglese (i Genesis nell’attacco de “Le mie storie”) e all’heavy rock (“Conclusione”).

Tuttavia, a vanificare la pur dignitosa partenza del disco (“Milioni d’anni fa” e “Le mie storie”) tutto il resto dei brani, fatta eccezione per quello conclusivo, sono davvero inficiati da troppe attinenze al più mellifluo pop melodico italiano (“Dirò no!” e “Ti amo davvero” sono le più evidenti) le quali oltre a spiazzare l’ascoltatore, risultano anche appesantite da troppi barocchismi e di continue citazioni forzatamente soft-prog.
A tutto questo, si aggiunga pure la modestissima title track e la svenevole “Le mele mature” e ciò che si salva di quest’album è veramente poco.

Nella loro veste prog i Cocai non arrivarono insomma nemmeno lontanamente a sfiorare il livello dei loro colleghi e sul versante melodico proposero brani di un provincialismo talmente disarmante da poter essere considerati del tutto prescindibili.
Si aggiungano infine una devastante pronuncia inglese nell’unico brano in lingua albionica, ma curiosamente intitolato in italiano (“Le mie storie”) e una venefica coazione al ricalco della più consumata musica da airplay allora imperante nella nostra penisola e il ritratto di questo lavoro è completato.

Ricoperto quasi unanimemente da critiche non certo lusinghiere, (es: Riccardo Storti e Augusto Croce) "Piccolo grande vecchio fiume" venne invece stranamente osannato dal rispettabilissimo sito progarchives che lo ritenne “one of the most wonderful and yet obscure recordings of the 70's.”: un giudizio che Classic Rock non condivide salvando con largo beneficio di inventario solo le prime due tracce e l’ultima.
Davvero poco dunque, ma di cuore.

TRACKLIST: -A- 1.Milioni d'ani fa 2.La mie storie 3.Diro no! -B- 1.Piccolo grande vecchio fiume 2.Ti amo davvero 3.Le mele mature 4.Conclusione

COLLEZIONISMI: Quello dei Cocai è un album abbastanza raro da reperire sia a causa della sua limitata distribuzione locale, sia per aver avuto una scarsa tiratura e promozione.
Poco presente nelle conventions e battuto solo cinque volte in rete dal 2006 al 2011 (di cui una si riferiva ad una copia promozionale), il suo valore si aggira oggi intorno ai tra i quattro e i cinquecento euro.
Più precisamente, il 22 settembre del 2011 un esemplare EX è stato ceduto per 433 euro registrando così quotazioni in continua ascesa.

Assemblea Musicale Teatrale: Marilyn (1977)

2011-10-17T12:00:00.002+02:00

L’Assemblea Musicale Teatrale, anche nota come AMT, si forma a Genova intorno al 1975 sulle ceneri della Famiglia degli Ortega che, reduce da una tournee negli Stati Uniti nel 1974 insieme al popolare cantante vigevanese Michele (quello di “Se mi vuoi lasciare”), si scioglie per dissensi artistici e soprattutto ideologici.

Accadde infatti che il bassista Alberto Canepa, il chitarrista Bruno Biggi e il cantante-chitarrista Gianni Martini, decisi ad intraprendere una strada più legata all’attualità e alla politica, non incontrarono l’approvazione degli altri componenti della band e abbandonarono la partita unendosi nel 1975 al cantautore di Ovada Giampiero Alloisio, all’epoca diciannovenne.

Nasce così su suggerimento dell’autore teatrale Sergio Alloisio, padre di Giampiero, il nucleo dell’Assemblea Musicale Teatrale che nel 1976 pubblica per i Dischi dello Zodiaco il suo primo album “Dietro le sbarre”, lavoro in cui sono già presenti tutti quegli elementi che la renderanno popolare: analisi sociale e denuncia politica (specie nei confronti di alcuni onorevoli genovesi che osteggeranno non poco i loro primi spettacoli "A qualcuno piace fredda" e, appunto, "Dietro le sbarre"), stile variegato sospeso tra rock, protest-songs e teatro-canzone sullo stile di Giorgio Gaber e un notevole spirito critico mutuato dai movimenti operai e studenteschi di allora.

“La vita per la terra è molto dura, ora son qui reparto verniciatura /
In fretta sono invecchiato, fin dentro consumato
(“L’impotente” da “Dietro le sbarre”).

Di questo primo ellepì si innamora Francesco Guccini, allora all’apice del successo con il suo “Via Paolo Fabbri 43”, che diventa non solo il nume tutelare della band, ma soprattutto uno stretto collaboratore di Alloisio nella stesura dei testi e delle musiche: collaborazione che raggiungerà l’apice nel terzo lavoro del gruppo “Il sogno di Alice” con i brani “Lager” e la famosissima “Venezia” poi riarrangiate e inserite nell’album Metropolis (1981) del cantautore modenese.

Intanto, nel 1977 l’AMT inizia a consolidare la propria fama con lo spettacolo “Marilyn”, scritto da Sergio Alloisio per la regia di Roberto Capanna e con il relativo trentatrè giri pubblicato per l’esordiente discografica “L’Alternativa”.

Il disco viene registrato negli studi Fonoprint di Bologna con la sola eccezione di “Festa” inciso agli Studi “G” di Genova di proprietà dei fratelli De Scalzi.

Pur non essendo esplicitamente prog, Marylin è un perfetto specchio della società di allora e del suo modo di rappresentarla in musica, palleggiato tra denuncia (“America”), sensibilità civile (“Marylin”, ispirata al situazionista Guy Debord) e accorate pulsioni rivoluzionarie (“Ribellarsi è giusto”).

Straordinario in questo senso è anche lo stile vocale di Lilli Ladeluca che nella “title track” evoca le canzoni di protesta anni degli ’60, ma con quel pathos particolare tipico delle ballate operaiste. Un interpretazione assolutamente aderente al suo tempo storico che - per farsi un’idea delle differenze - verrà ripresa in modo molto più levigato da Ombretta Colli nel suo spettacolo del 1984 “Una donna tutta sbagliata”.

E mentre l’AMT viene spesso reclutata per aprire i concerti di Guccini e Claudio Lolli, le radio libere democratiche passano incessantemente “Ribelllarsi è giusto”, “I ricchi” e “America”, consolidando la fama del gruppo genovese.

A differenza di molte esperienze pregresse che mescolarono teatro e musica - dagli storici “danzatori scalzi” del Banco al Gruppo Italiano di Danza Libera, sino alle digressioni visuali degli Osanna e alle le nostalgie freak di Orfeo 9 - l’AMT fu decisamente un gruppo di denuncia e di sensibilizzazione politica tipico della metà degli anni ’70.

Per questo piacque a Guccini e per questo andrebbe più probabilmente associato alla spiccata ironia di quel “Disco dell’angoscia” che preluse al movimento del ’77.

Testi al vetriolo come “America”, (“L’America dove si diventa presidente facendo credere ad un voto della gente”), “Gli indiani” o come “Ribellarsi è giusto” (“Ribellarsi e' giusto! Sconvolgere Milano a volte e' un gesto un po' piu' umano”) sono vere e proprie carte d’identità di un sistema non ancora supino al neoliberismo. Preziosi germogli che rallentarono, pur se non di molto, quell’imperante riflusso che, una volta compiuta la sua parabola storica, si sarebbe concretato in quella che De Andrè avrebbe definito una “pace terrificante”.

Resterà allora triste ma fiera la figura di Marilyn che “si è uccisa per davvero, si e è uccisa in bianco e nero" e lo ha fatto per ricordare a tutti che “alla bellezza, un riso e un seno, non servono nemmeno”.

TRACKLIST: -A- 1.Marilyn 2.America 3.Gli Indiani 4.Tutto è spettacolo 5.Le condoglianze 6.La città futura -B- 1.Festa 2.Carlo Marx 3.Ribellarsi è giusto 4.Amica dolce, amico caro 5.I ricchi

COLLEZIONISMI: Disco facilmente reperibile e non molto ricercato, non dovrebbe oltrepassare i 50 euro in condizioni Mint.

Antares: Sea of tranquillity (1979)

2011-10-10T11:47:00.001+02:00

Che Antonio Bartoccetti fosse insoddisfatto del suo album “Ralefun” del 1978 con gli Antonius Rex lo sapevano un po' tutti: “un disco frettoloso, pieno di buone composizioni ma prodotte male” confessò personalmente ad Augusto Croce nel luglio del 2002.

“Realizzato per soldi e con una fretta assurda: lo butterei volentieri nel dimenticatoio” disse invece a Francesco Zenti su "musicafollia.com."

“Penso che le nostre esecuzioni peggiori siano racchiuse in Ralefun. Il testo di “'Agonia per un amore” è un momento di mia demenza. Il ritmo di “Witch Dance” era quasi da discoteca e proprio per questo messo in rotation da Radio 105. Gli Antonius Rex su 105? Non ti fa ridere?” dichiarò a Francesco Fabbri di Arlequins e ci fermiamo qui.

Insomma, sta di fatto che da quando il produttore israeliano Emanuele Daniele, innamoratosi di “Neque semper arcum tendit rex” li volle sotto contratto nel 1977 per produrre quella che sarebbe stata l’accoppiata “Zora” - “Ralefun”, il duo Bartoccetti-Norton inanellò una notevole serie di delusioni e di pentimenti.
L’unica soddisfazione fu solo il buon riscontro commerciale di Ralefun con tanto di articoli sul Ciao 2001, ma era comunque evidente che con quel disco gli Antonius Rex avessero toccato il fondo della loro creatività.
.
Tuttavia, malgrado la severa autocritica e l’onesta ammissione riguardo all’impellente necessità di liquido, nel 1978 il Bartoccetti non si fece sfuggire un'ulteriore occasione per comporre almeno un paio di brani ancora peggiori di Ralefun. Segno che nel biennio 78-79 il chitarrista non disdegnasse affatto di compromettersi per qualunque cosa gli apportasse qualche spicciolo.

I destinatari dei pezzi (che per intenderci si chiamavano “My girl friend” e “Galaxy”) erano la band degli “Antares” che l'Antonio aveva conosciuto in Germania proprio durante le sessions di Ralefun e a cui sembra che avesse prestato la sua preziosa Gibson SG, “dando anche loro "una piccola mano nel registrare l’abum” (cfr. Bartoccetti)

Comunque sia, pur se concepito in Germania, “Sea of tranquillity” (questo è il nome del 33 giri) venne completato a Oslo l’anno successivo dai soli Antares e pubblicato nel 1979 dalla Unifunk che curiosamente, era la stessa label che otto anni prima aveva prodotto un singolo degli Invisible Force, capitanati dallo stesso Bartoccetti.

Chi fossero però realmente questi Antares, non è del tutto noto.
Di sicuro si sa che le loro figure di punta dovevano essere il tastierista Marco Tessitore (in quanto la sua firma compare su tutti e i sei brani dell’album) e il batterista-chitarrista Lorenz Shulze che si occupò anche del mixaggio finale.
Completavano l’organico il chitarrista Joseph Kali (che l’amico Augusto Croce sostiene possa trattarsi dello pseudonimo di un musicista italiano) e il bassista Ennio Barone.
Infine, a parte il solo brano “Apollo 11” firmato unicamente da Tessitore, nei credits degli altri pezzi compare costantemente il nome d’arte di “Bullfrog” che tanto per cambiare, non sappiamo chi sia.

Come abbiamo già anticipato, il lavoro non è musicalmente imprescindibile e lo si capisce sin dalla opening track “The leaving” che venne pubblicata anche su 45 giri: un brano confuso sia nella struttura che nell’arrangiamento che passa da un intro rockeggiante su cassa ribattuta ad una sorta di boogie rock elettrico su cui si innesta il cantato.

La pronuncia inglese è quantomeno disastrosa e da ciò osiamo supporre che il vocalist fosse uno degli italiani del gruppo.
Infine, sempre in "The leaving", vennero innestati due bridges di cui uno con un assolo di chitarra e l’altro conclusivo.
E così, sono passati i primi 5 minuti di “Sea of tranquillity”.

“My girlfriend” si apre invece con un recitativo su atmosfere alla Antonius Rex (comprensibile visto l’autore del brano) che sembrerebbero preludere a qualcosa di più robusto, ma nella realtà, una volta entrata la chitarra, il pezzo si assesta sullo stesso giro armonico per sei tediosissimi minuti.
Non molto meglio “Apollo 11” dove ad annoiarci e invece il piano del Tessitore.

Una volta girato il disco poi, ci si trova davanto a una fotocopia del primo lato.
Chi ama la "new age" o le atmosfere particolarmente fluide aprezzarà molto Sea of tranquillity. Personalmente invece, mi è veramente difficile capire quale futuro avrebbe potuto avere un'operazione del genere.
E' anche vero però che gli anni ’80 erano alle porte e si sarebbe ascoltato ben di peggio.

TRACKLIST: -A- 1.The leaving 2.My Girl Friend 3.Apollo -B- 1.Galaxy 2.Running On The Meteors 3.The Return

COLLEZIONISMI: Album comune, non particolarmente ricercato e neppure costoso. La cifra per ottenerlo oscilla tra i 40 e i 50 euro- Il suo picco è stato ottenuto nelle aste in rete con 127 Euro nell'ottobre 2007 in condizioni NM, mentre nell'ottobre 2011 è stato proposto sigillato per 120 euro.

La miglior voce femminile del Prog italiano anni '70 Ha vinto Jenny Sorrenti.

2011-10-06T12:08:00.006+02:00

NEI COMMENTS, JENNY SORRENTI RINGRAZIA TUTTI COLORO CHE
L'HANNO VOTATA E SALUTA TUTTI I LETTORI DI CLASSIC ROCK

Avallando la teoria femminista che “i sessi sono due” e che sono soprattutto “diversi”, anch’io sono del parere che le ragazze (di qualunque età) s’impossessino spesso di territori che sfuggono al sesso maschile.
Ma questo non per una questione tecnica, bensì per propensione naturale: hanno una curiosità che noi uomini non abbiamo, un naturale istinto che le porta ad addentrarsi in territori poco abitati.

E sia che lo facciano con gentilezza o con irruenza, alle donne non sfugge mai nulla: raccolgono, analizzano e introiettano valori, per poi restituirli in modo sempre sorprendente.
E la donna, nella vita come nell’arte, vuole essere letta e ascoltata: lei è un libro aperto e al maschio ne spetta la costante interpretazione. Normalmente, mai il contrario.
Persino quando un maschio crede di svelarle un segreto, lei lo ha già capito da tempo.
Il prog italiano, si sa, era una musica “maschilista”: eppure fu proprio per questo motivo che quelle poche artiste che vi fecero parte non ebbero mai un ruolo banale, conferendo anzi ai rispettivi ambiti di appartenenza una marcia in più.

Jenny “Jane” Sorrenti - la vincitrice assoluta del nostro sondaggio - non era solo “la sorella di Alan”, ma la figura centrale di un gruppo, i Saint Just, che senza la sua autorevolezza non avrebbe avuto praticamente senso. Voglio dire: se non ci fosse stata lei, avrebbero dovuto inventarla tanto era identificativo il suo canto sopranile sospeso tra il lirico e il popolare. In questo senso, basterebbe ascoltare “Tristana” da “La casa del lago” per convincersene.

E soprattutto, lei come molte altre artiste quali Franca Montedoro, Lilli Ladeluca o Donella del Monaco non era solo “la cantante” di un gruppo, ma ne “faceva parte integrante in quanto comunità artistica e intellettuale”: e questo fu un aspetto peculiare in cui crebbero le cantanti prog degli anni ’70.

Una comunità erano anche i Circus 2000: quelli che già tre anni prima che nascessero i Saint Just giravano l’Italia con la loro tenda rosa e si accampavano in mezzo al pubblico durante i festivals.
In questo vulcanico insieme, spiccava la dolce ma sanguigna figura di Silvana Aliotta che a differenza di Jenny, era già esperta di dischi e palcoscenici.
Qui la matrice è decisamente più rock e Silvana è la “strega” del gruppo (seconda classificata nel nostro sondaggio): colei che nel 1970 ha lo sfrontato coraggio di infiammare le platee e l’energia per definire senza possibilità di confondersi il sound dei Circus. Una specie di Grace Slick italiana che non si fermerà ai seventies ma muterà look e obiettivi fino agli anni ’80: sempre torrenziale, sempre “strega” fino in fondo.

Arriva terza Jutta Nienhaus, bellezza nordica. Trasgressiva quanto Silvana sino a mostrarsi nuda in copertina (anno 1971) e che con la Aliotta ha molti punti in comune tra i quali colorare di soul tutti i brani che interpreta. Evidentemente però, Jutta non è solo la dea campestre degli Analogy, ma anche una musicista sensibile e raffinata che Battiato chiamerà con se nel momento più alto della sua creatività.

Donella del Monaco è invece la figlia d’arte per eccellenza e intrisa di lirica e classica fino al midollo. Sicuramente la più “impostata” di tutte che trova la sua perfetta dimensione nella band degli Opus Avantra che, ancor prima di essere musicisti, sono non a caso filosofi e intellettuali.
Lei fu la nobile del prog italiano e tale rimarrà fino ai giorni nostri. “Il pavone” credo sia uno dei brani più struggenti di quegli anni e non a caso parla di “una donna che non ha incertezza nella sua realtà”.

Terra di Benedetto e Doris Norton invece sono le “compagne di vita” di musicisti con i quali hanno condiviso non solo ardite sperimentazioni, ma lo hanno fatto senza mai tirarsi indietro, anzi: condividendo tutto con loro al punto che se non vi fossero state, la loro controparte maschile sarebbe stata probabilmente meno tenace e forse meno coraggiosa. Chissà...

E se nelle ultime posizioni di molte classifiche si trovano spesso cose prescindibili, in questo caso la qualità e la personalità delle concorrenti resta a livelli altissimi persino per quanto concerne i fanalini di coda.

Il modo di interpretare “Marylin” di Lilli Ladeluca ad esempio, era lo specchio fedele di un certo canto politico degli anni 70: narrativo, un po’ forzato ma intenso. Basti sentire la medesima canzone intepretata da Ombretta Colli nel 1983 per rendersene conto.

Ci sono poi Gianfranca Montedoro, serena e mistica signora dei Living Music che ruotavano intorno alla sua carismatica figura, Donatella Luttazzi dei Logan Dwight che spaziò in tutti i generi possibili facendo tutt’uno col compianto Federico D’Andrea e Silvana Idà, che con un coraggio da leone, propose con gli Apoteosi una musica praticamente inedita per la sua Calabria, all’epoca assuefatta a ben altre melodie.

E infine, la dolcissima cantautrice Donatella Bardi, volata via troppo presto, che con la sua voce cristallina e i suoi colori ha incantato e cullato una generazione in cammino. Forse poco a che fare col prog, ma non importa: la sola “Regina in questa età” vale una vita.

I lettori di Classic Rock hanno deciso di incoronare Jenny Sorrenti ma, personalmente, avrei fatto vincere a pari merito tutte e 11 le concorrenti, anche se i risultati parlano chiaro e il mio non resterà che un paradosso.
Devo dire però, che mai come in questa occasione abbiamo stilato una classifica dove le qualità umane ed artistiche hanno permeato di autorevolezza tutte le posizioni: dalla prima all’ultima.

Grazie davvero a tutti per aver votato e a risentirci al prossimo sondaggio.

CLASSIFICA FINALE:

1 - JENNY SORRENTI - 28,01 %
2 - SILVANA ALIOTTA - 23,13 %
3 - JUTTA NIENHAUS - 10,10 %
4 - DONELLA DEL MONACO - 8,47 %
5 - DONATELLA BARDI - 6,19 %
6 - TERRA DI BENEDETTO - 6,19 %
7 - DORIS NORTON - 5,21 %
8 - GIANFRANCA MONTEDORO - 3,91 %
9 - DONATELLA LUTTAZZI - 3,91 %
10 - SILVANA IDA' - 3,91 %
11 - LILLI LADELUCA - 0,98 %

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Skorpyo: Destinazione infinito / Visioni (7" - 1977)

2011-10-01T11:02:00.000+02:00

NEI COMMENTS, INTERVIENE SPIEGANDO ESAUSTIVAMENTE LA STORIA DI QUESTO DISCO BOBO SALMOIRAGHI, EX COMPAGNO DI GRUPPO DEL FUTURO CHITARRISTA DEGLI SKORPIO (ED EX HELLUA XENIUM) PIERO GAVINI. GRAZIE!

“Destinazione Infinito”/”Visioni” è il primo e unico vinile degli Skorpyo pubblicato nel 1977 dall’etichetta Radio Records e catalogato col n° RRS 2075.
Secondo il “Record Collector’s Vault” per portarsi a casa un esemplare neppure Mint, ci vogliono almeno 250 euro, il che lo renderebbe uno dei singoli più rari e ricercati sul mercato nazionale, in buona compagnia con quello dei Lydia e gli Hellua Xenium “Guai a voi”/“Invocazione”, edito nel 1973 dalla Rusty Records (cat. n° RR204 distribuzione Eco-Ares, Verona).

Date le scarsissime informazioni su questi due monoliti del collezionismo italiano, non pochi appassionati di Prog vorrebbero saperne di più e per questo tenteremo di ricomporne la storia.

Innanzitutto, è quasi assoldato che le due bands, Lydia e Skorpyo, fossero collegate tra di loro, visto che ebbero in comune gli autori di tutti i loro brani: Fernando Lattuada e Rinaldo Prandoni detto “Complex”.
Sul primo non si sa molto a patto che non fosse lui il Lattuada che musicò il “Mare nel cassetto” a Sanremo ’61. Rinaldo Prandoni fu invece un cantautore e chitarrista milanese che nel 1973 fondò insieme ai novaresi Claudio “Klaus” Tiscione (basso) e Walter Commizzoli (batteria) il trio “In tre sulla strada”.
Tiscione aveva trascorso il periodo Beat con I Pipistrelli e I Cuori di Pietra mentre Comizzoli era negli Angel Faces. Entrambi confluirono poi nella Electric Blues Band che oltre ad autoprodursi in studio diverso materiale, si esibì come spalla delle Orme.
Poco dopo, mutato il nome in “In tre sulla strada”, il terzetto venne scritturato nel 1973 dalla Radio Records (distribuzione Ariston) e incise il suo unico album a matrice cantautorale che pur non avendo riscontro di vendite, valorizzò l’ottimo livello tecnico della band che questa volta, fece da supporter ai New Trolls.

Sciolto il trio, Commizzoli e Tiscione rimasero alla Radio Records come turnisti fissi suonando per diversi artisti quali Marcella Bella (solo Tiscione) e per il cantautore Christian.
Dal canto suo, Prandoni adottò lo pseudonimo di “Complex” e collaborò come autore con svariati musicisti di chiara fama tra cui Nada, Dalida e, cosa più interessante per la nostra storia, con alcune bands sommerse del Pop italiano: gli Juniors di Gianni Pettenati, i misterosi Vocals che facevano covers dei Deep purple e dei Fleetwood Mac e, guarda caso, con Lydia e gli Hellua Xenium.

Su questo ultimo gruppo e i loro due singoli del ’73 e del ’74, girano molte più leggende che verità. Sicuramente però occorre ammettere che il loro sound fosse piuttosto avanti coi tempi sia per impostazione che per impatto sonoro.

“Invocazione” (1973) per esempio, è un heavy rock sostenuto da incalzante drumming in stile psichedelico (si immagini “Set the control...” dei Pink Floyd) che si dimezza dopo un grintoso riff di chitarra durante il successivo cantato e ricompare violentemente nella piena orchestra finale.
I testi dal sapore mistico e underground contengono riferimenti millenaristici piuttosto evidenti e probabilmente è per questo che il disco verrà citato nel recente libro “Pop Italiano di ispirazione Cristiana” della Rugginenti Editore.

Nondimeno, il clima dark e pesante richiama decisamente alcune cose degli Antonius Rex (cori gotici e parti d’organo), al punto da far supporre che Lydia potesse essere addirittura Doris Norton.
L’ipotesi potrebbe avere una sua attendibilità in certe assonanze timbriche tra le due interpreti o perchè, come dice qualcuno, Lydia e Doris appartenevano alla stessa discografica. Non a torto però, c’è chi fa notare che nel 1973 gli Antonius Rex non erano ancora in forza alla Radio Records e comunque, provvederà lo stesso Antonio Bartoccetti a smentire categoricamente qualunque forma di collaborazione.

Sta di fatto che dopo lo scioglimento dei Lydia e gli Hellua Xenium nel 1974, il binomio “Lattuada-Complex” riappare nuovamente tre anni dopo nell’unico disco degli Skorpyo “Destinazione Infinito” / ”Visioni”: stessi autori, stesso sound, stessa mistica, stesso anonimato.

“Visioni” è un rock dal sapore decisamente underground in cui una convulsa base ritmica fa da supporto ad un organo in stile Alluminogeni e una non meglio identificata voce sopranile che a questo punto potrebbe essere Lydia, la Norton o chissà chi. Un brano tutt’altro che memorabile comunque.

Molto meglio strutturata e decisamente notevole è invece “Destinazione Infinito”: un prog-rock molto pesante caratterizzato da diversi stacchi che dividono alternativamente una strofa dal sapore acido e cadenzato da un’inciso liquido e visionario. Ci sono si riferimenti al Kraut, ma complessivamente il brano vive di vita propria possedendo una sua aprezzabile originalità.
Qui le voci sono due, una maschile e una femminile che finiscono per mescolarsi generando un sound particolare asessuato ed inquietante.
Un brano che insomma, si distacca completamente dal panorama dell’epoca e il cui particolare approccio gotico gli conferisce, al di là delle venditeche furono pressoché inesistenti, un notevole valore aggiunto

Ancora oggi, trovare notizie su questo gruppo è tanto complicato quanto reperirne il disco per cui, se qualcuno sapesse qualcosa in più, si faccia avanti.
Classic Rock ha risolto tanti misteri e chissà mai che non risolva anche questo.

COLLEZIONISMI: Disco decisamente raro, "Destinazione infinito" continua ad incrementare il suo valore nel corso degli anni. Nel 2011 le sue quotazioni hanno oltrepassato i 200 euro per una copia Mint, registrando in sette anni un aumento di oltre il 300%.

Giuseppe "JB" Banfi: Galaxy my dear (1978)

2011-09-30T11:12:00.017+02:00

LA FINE DEL BIGLIETTO PER L'INFERNO E L'INIZIO DELLA COLLABORAZIONE DEL SUO TASTIERISTA CON UNO DEI MITI DELLA MUSICA COSMICA TEDESCA.

Nel 1978 il “progressivo italiano” o “pop italiano” che dir si voglia, era clinicamente morto, privato ormai di quel terreno un tempo fertilizzato dalla Controcultura e sepolto da nuove esigenze comunicative che lo marginalizzarono in poco tempo.

Eppure, quel fuoco creativo che il prog aveva iniettato nella musica italiana non si era spento: stava semplicemente covando sotto le sue stesse ceneri, tenendole costantemente ardenti e influenzando ulteriori generazioni di musicisti.

Tra questi c’era Giuseppe Banfi detto “Baffo”, lecchese, classe 1954 ed ex tastierista dei Gee che durante e dopo la sua permanenza nel Biglietto per l’Inferno, non aveva mai abbandonato la propria passione per la tecnologia e la sperimentazione sonora: un sogno che lo portò a realizzare sotto l’egida di Klaus Schulze almeno due album solisti “Ma Dolce Vita” del 1979 e “Hearth” del 1981. La sua storia discografica però, ha inizio ancora prima.

Verso la fine del 1975 infatti, a un anno dall’uscita dell’album “Biglietto per l’inferno”, la band di Mainetti e Canali era al massimo del suo splendore: aveva come nuovo impresario lo svizzero Freddy Honegher, veniva reputata uno dei gruppi di punta del prog italiano, aveva tenuto un brillante concerto a Lugano come spalla di Kevin Ayers dove attirò nientemeno che le attenzioni della Virgin Records e poteva contare almeno su un progetto molto allettante: quello di incidere per la prestigiosa discografica inglese un nuovo 33 giri con brani già pronti e raccolti in una demo intitolata “Il tempo della semina” (curata da Eugenio Finardi) che Honeggher aveva nel frattempo inviato a Londra insieme ad alcuni nastri di Banfi.

Di fatto Banfi, parallelamente all’attività col Biglietto, stava sperimentando già da tempo un proprio linguaggio appoggiato principalmente sulla sperimentazione elettronica: si era creato un proprio studio di registrazione domestico attrezzato con due Revox, un Mini Moog, un Gem, un Eminent Solina, uno dei primi organi con la programmazione ritmica e una serie effetti tra cui un eco Binson, wah-wah, distorsori ecc. e aveva anch’egli materiale per un disco completo che intanto aveva già fatto ascoltare all'etichetta milanese Red Records.

Purtroppo, per una serie di motivi, la nuova produzione della band - che nel contempo aveva subito anche il fallimento della precedente discografica Trident Records - non andò in porto e il sestetto piombò in una profonda crisi a cui si sommarono ulteriori problemi di militare, lauree, stanchezza, mancanza di soldi e soprattutto un forte disincanto che alla fine ne decretò lo scioglimento

I lavoridel Banfi però finirono invece in mano a Klaus Schulze, storico pioniere della musica elettronica, membro della prima formazione dei Tangerine Dream, co-fondatore degli Ash Ra Tempel e in quel periodo, in forza alla stessa Virgin.
Stregato da Banfi, Schulze non solo lo invitò in Germania per fare la sua conoscenza, ma stabilì con lui una solida relazione amicale e professionale destinata a durare a lungo.

Alché, confortato perlomeno da questa nuova prospettiva, nel 1977 il ventitreenne Giuseppe partì per militare sapendo che comunque al suo ritorno avrebbe potuto continuare la sua carriera musicale e per giunta con ottime prospettive. E non è tutto: poco prima del suo ritorno, gli venne comunicata anche una gradita sorpresa.
Grazie infatti all’interessamento di un suo caro amico tecnico e disc-jockey (oggi scomparso), quei nastri allora consegnati alla Red Records, non solo erano diventati un album dal titolo “Galaxy my dear”, ma erano già stati addirittura stampati e distribuiti nei negozi di tutta Italia.

Ovviamente, quando Banfi ricevette il telegramma col quale gli si notificava l’operazione rimase di stucco (“Sono cascato giù dal pero”, mi ha detto testualmente in un’intervista), ma perlomeno ebbe la soddisfazione che nulla delle sue musiche era stato ritoccato in fase di produzione, come per esempio accadde invece agli sfortunati Alluminogeni che si videro il loro brani stravolti dalla Fonit.

L’unica nota curiosa è che sulle note di copertina non fu fatta alcuna menzione riguardo alla registrazione domestica originaria con i suoi ovvi limiti di dinamica, i suoi fruscii ecc., ma anche su questo, tutti sorvolarono bonariamente.

Passando all’ascolto occorre ammettere che in effetti una certa ispirazione ai corrieri cosmici si sente e anche qualcosa di Jean Michel Jarre (es: in “Galaxy my dear”), ma nel complesso prevale la genialità e la passione con la quale Banfi ha saputo restituire un prodotto di alta classe a partire dai pochi mezzi a sua disposizione: cosa che forse occorse solo a Battiato nei primi anni ’70 quando un piccolo studio casalingo e una buona produzione potevano rivoluzionare la musica italiana.

A volte, insomma, basta la sola abnegazione nei confronti di una propria idea per superare persino le temperie della casualità o le perplessità del mercato. E questa è sicuramente una delle migliori eredità del Pop italiano di cui Giuseppe “JB” Banfi fu sicuramente un protagonista di primissimo piano.

TRACKLIST: - A - 1.Galaxy My Dear 2.Audio Emotion 3.Paradox: streams - B - 1.Gang 2.Goodbye My Little Star

COLLEZIONISMI: “Galaxy my dear” nella sua versione originale su Red Records (VPA 123) è un disco non più così agevolmente reperibile come all’epoca della sua pubblicazione, ma neppure raro.
Le sue quotazioni Mint non superano di norma i 30 euro.

RINGRAZIO GIUSEPPE BANFI PER LA SUA AMICIZIA E I SUOI MERAVIGLIOSI RACCONTI PARTECIPATI.

Paolo Ferrara: Profondità (1972 - sicuramente 1978)

2011-09-26T09:59:00.004+02:00

Fino a circa cinque anni fa dell’album “Profondità” di Paolo Ferrara nessuno sapeva quasi nulla: di che si trattasse, che copertina avesse e da dove mai fosse saltato fuori.
Ne parlò probanilmente per primo il solo Augusto Croce che nel suo sito Italian Prog citò questa doppia library di 19 brani incisa per la “Horse shoe records” (oggi estinta), segnalatagli da un suo amico che in buona fede l’aveva datata 1972, anche se in realtà il disco non riportava alcuna datazione.

Per un po’ il fatto passò inosservato, ma dopo qualche mese qualcuno si accorse che quel doppio LP di musica elettronica strumentale conteneva una pletora di rimandi ai Pink Floyd di “Meddle” (1971), “Dark Side of the moon” (1973) e di “Wish you were here” (1975) e a quel punto c’era qualcosa che non quadrava: o Ferrara era un genio o quel disco non poteva essere del 1972.
Alché cominciarono a fiorire infuocati dibattiti sul web, molti collezionisti persero il sonno e “Profondità” cominciò a diventare un caso da prima pagina.

In effetti, ascoltando l’album ci si rende conto che molti frammenti dell’opera sono la xerox di alcuni dei più famosi anthems dei Floyd e non solo: alcune sonorità sono persino identiche come nel caso del famoso “si” iniziale di “Echoes” (1972), ottenuto da un piano Steinway & Sons e filtrato da un Leslie, che Ferrara esegue in maniera identica all'originale nella sua “Profezia”.
“La lunga corsa” poi, oltre ad avere un titolo che richiama senza possibilità di scampo “On the run”, ha intenzionalmente il suo stesso concetto timbrico, fatta salva l’assenza del sintetizzatore EMS Synthi A, prodotto nel 1971, che evidentemente Ferrara non possedeva.
“Embrione” e soprattutto “Sintesi” poi, lasciano stupiti per la loro assonanza con “Shine on your crazy diamond” (1975). “Alchimia” è all’incirca “The great gig in the sky” (1973) e, tralasciando i Pink Floyd, “E la luce fu” ha un sound talmente moderno che nemmeno Cerrone o Giorgio Moroder avrebbero potuto immaginarsi nel 1972.

Oggi, fine settembre 2011, dopo l’ennesimo putiferio sollevato da Maurizio Blatto sulla rivista Italic, mi sono deciso a risentire l’amico Augusto per chiedergli se fosse veramente sicuro di quella data ricevendo come risposta un “ni”, seguita da un saggio: “comunque è meglio che la tolga dal sito”.

Restano dunque irrisolte, almeno per chi scrive, la vera identità di Paolo Ferrara, se fosse o meno lui il popolare cantante degli anni ’60 o come hanno azzardato in tanti, se il suo fosse solo uno pseudonimo per far combaciare le iniziali P.F. con Pink Floyd.
Quest’ultima ipotesi però sembrerebbe decisamente una forzatura in quanto di Paolo Ferrara si conoscono almeno altri cinque albums, tutti di insonorizzazioni e tutti sempre a suo nome:

“Sound” e “Moderno” pubblicati rispettivamente su etichetta “Canopo” e “Nuova Idea” ma senza data (e che dovrebbero essere usciti a distanza molto ravvicinata vista la similitudine delle copertine), "Ritmico” del 1975 stampato in sole 300 copie dalla “Flower Records” e infine “La vita e l’amore” e “L’Uomo e la Guerra” pubblicati nel 1976 per la AA di Abramo Allione.
Sua sicuramente fu anche la partecipazione alla colonna sonora del film “Il corsaro nero” (1970, protagonista Terence Hill) scritta da Gino Peguri con cui Ferrara firmò e cantò il solo brano “Orza qui, pioggia lì” che divenne il tema principale della soundtrack, poi pubblicata dalla RCA.

Che poi fosse lui “quel” Paolo Ferrara che compose il brano “Amore amor” che Iva Zanicchi portò al “Disco per l’Estate” del 1968 e una manciata di 45 giri per le etichette Equipe, Rifi e Variety in quello stesso periodo (“Sta a te”, “Viva l’estate” e “Nel cuore”), questo non ci è dato di sapere.

Passando all’ascolto di “Profondità” comunque, come per tutte le librerie sonore, anche questa si rivela funzionale al proprio tema portante. Vi troviamo atmosfere spaziali, sottomarine, intime e rarefatte: una compilation che come tutte le sue omologhe verrà parzialmente impiegata per qualche commento o resterà per sempre parcheggiata su una pista secondaria in attesa di decollo.

Riguardo alla sua datazione, ribadiamo ancora che a parte la polemica sui “Pink Floyd”, non riteniamo possibile che sia stato pubblicato nel 1972, non fosse altro che per la modernità dei suoni che attengono almeno a un triennio dopo e anzi, forse addirittura a un quinquennio vista la presenza sul vinile di un timbro Siae di 3° tipo in uso solo dal 1978 in poi.

Chiunque (protagonista incluso) abbia delle informazioni in più da rivelare, sull’album in questione, è vivamente pregato di farsi avanti. Autore incluso.

COLLEZIONISMI: Sebbene l’introvabile “Profondità” sia recentemente tornato alla ribalta facendo presagire quotazioni stellari, occorre ammettere che negli ultimi tre anni nessuno degli altri albums originali di Paolo Ferrara ha mai superato i 65 Euro, almeno sino al 29 agosto del 2011 quando una copia di “Ritmico” EX/EX venne venduta a 100 euro su Ebay.
Inoltre, sui sette LP citati da Popsike e Ebay, solo i due meno quotati della AA avevano provenienza italiana. Per il resto, la maggioranza degli esemplari proveniva dal Belgio e dalla Francia, dove non a caso fu più intensa la querelle sul caso Floyd.
Segno tangibile che in Italia possediamo interi patrimoni musicali e artistici che tutti ci invidiano, che dovremmo valorizzare, ma che solo noi riusciamo a dimenticare o buttare alle ortiche.
Un vero peccato.

I Santoni: Noi (1972)

2011-09-11T16:05:00.004+02:00

Se dovessimo prendere a modello una tipica canzone dell’underground di nicchia, allora “Quelli come noi” tratta dall’eponimo album dei Santoni del 1972 sarebbe perfetta, corredata com’era di tutto l’armamentario stilistico e poetico dell’epoca:
intro di organo Hammond, un tema melodico, cori in stile “Hair” e doppiati da un flauto la cui successiva parte solista fotocopierà lo stile dei Delirium, percussioni cadenzate e un testo venato di tutte le ingenue forzature comprese tra il primo periodo beat e quello controculturale:

“Cantiamo amici, cantiamo insieme un inno un richiamo a quelli che come noi cercano di ritrovarsi in questo mondo affannoso [e] che cercano una vita pulita al di fuori di questa società che opprime e non permette il vivere d’istinto.”

La stessa copertina del disco, prodotto per la Car Juke Box di Carlo Alberto Rossi, non tradisce le aspettative con tutto il quintetto fiorentino vestito in stile post-freak e disposto in un “semicerchio magico”. A anche il sound infine, si rivelerà inesorabilmente prigioniero di quel momento storico che escluse totalmente le sottoculture dalla politica, lasciando ad esse solo gli echi di un ribellismo ormai impraticabile.

Nel caso dei Santoni: nove canzoni firmate alternativamente dal tastierista e leader Bruno Mosti, dal bassista-chitarrista Giovanni Rondelli e dal batterista Fabrizio Prussi che si dipanano tra post-psichedelia melodica e timide aperture a una modernità che però sarà sempre ben lungi dall’essere raggiunta, poichè troppo forti rimasero le influenze di una decade passata a suon di beat, dancings e rotonde sul mare.

Di fatto, formatisi a Firenze nella seconda metà degli anni ‘60, I Santoni che annoveravano inizialmente il bassista Marco Puggelli e il batterista Wilson Lupi poi sostituiti rispettivamente da Giovanni Rondelli e Fabrizio Prussi, trascorsero i sixties in maniera quasi canonica: parteciparono al "Torneo Nazionale Rapallo Davoli", intrapresero una mini-tournèe europea e una volta stabilizzata la formazione, esordirono su vinile nel 1971 con il singolo “Amico mio”, specchio fedele di una generazione cibatasi di Procol Harum e New Trolls.

Quando però l’anno successivo arrivò anche la prova su 33 giri, a differenza di molti contemporanei i Santoni non si aprìrono quasi per nulla alle nuove tendenze progressive, finendo così per licenziare una sorta di antologia di cose già sentite, pur se eseguite a un buon livello tecnico.
Come in uso comune negli anni ’60 infatti, il disco ebbe come trait d’union non solo la voce molto chiara del cantante-leader Bruno Mosti, ipermodulata rispetto agli strumenti sul modello delle protest songs in modo da invitare l’ascoltatore a fare molta attenzione ai testi, ma consisteva in brani piuttosto brevi e a se stanti che lo collocavano inesorabilmente nella decade precedente.

Non fu comunque nelle parole freak e datate delle canzoni che risiedevano le qualità dell’album. Il meglio furono sicuramente certe piccole intuizioni che, nel complesso, giustificano ancora oggi come mai l’album sia molto ricercato dai collezionisti malgrado la sua difficile reperibilità.
Il fill iniziale di batteria della “Terra di sole” per esempio, era un classico segno di trasgressione specie per quei percussionisti formatisi nelle balere che volevano almeno per un attimo sottolineare la propria personalità.

Curiosi anche gli stacchi di flauto e batteria in “Che farei?” (brano poi pubblicato su 45 giri come retro di “Quelli come noi”) che per il resto però sembrava un pezzo dei New Trolls.

Attraenti anche gli arrangiamenti di fiati in “Ancora niente”, brano che includeva anche alcune frizzanti parti “combo” dalla valenza sicuramente maggiore dell’ingenua passionalità delle liriche.

Tuttavia, tolto ciò, affioravano drammaticamente le assonanze con il groove di tutta una decade ormai al tramonto e qualche vampata internazionalista, pur se non propriamente originale: l’attacco in stile “Imagine” di “Forse un sogno”, il blues scontato di “Continuare dimenticando” il soul beat di “Verità” e prima su tutte, la progressione finale di “Forse un sogno” che, parafrasando Samuele Bersani, sembrava proprio la “copia di mille riassunti”.

Accomunati da una certa bibliografia al “rock progressivo”, nella realtà I Santoni contribuirono in buona compagnia con gruppi quali I Numi, i Raminghi, il Gruppo 2001 e se vogliamo i primi Metamorfosi di “E fu il sesto giorno” e i Dik Dik di “Suite per una donna assolutamente relativa”, a dilatare negli anni ’70 le candide reminescenze oniriche e libertarie del beat e del post 68.
Non progressivi quindi, ma comunque ben centrati in quel periodo Underground (1970-1972) che nella sospensione tra passato e futuro, aveva trovato la sua ragione d’esistere.

TRACKLIST: -A- 1. Quelli Come Noi 2. Ma Ci Sara 3. Forse Un Sogno 4. Continuare Dimenticando 4. La Terra Del Sole - B - 1. Che Farei 2. L’uomo Sbagliato 3. Verita 4. Ancora Niente

COLLEZIONISMI: “Noi: i Santoni” inciso per la Car Juke Box (CRJ LP 00024) con etichetta blu, nera e rossa, è secondo il collezionista Franco Brizi uno dei tre più rari album del pop italiano in buona compagnia con "Dedicato a...", Analogy (con poster originale) e con una potenziale quotazione Mint di ben oltre 3.800 euro. (dato al 09/2011).
E anche se Augusto Croce e Paolo Barotto lo valutano più modestamente 1.500 e 2.500 euro, l' asta conclusasi il 12/9/2011 che ha fissato il valore di una copia VG+ (o forse VG++) a 1.738 euro, avvicinerebbe il valore "Mint" a quanto stimato dal Brizi.
Il 45 giri invece è stato ceduto on line una sola volta nel marzo del 2010 alla cifra di 31 Euro.

Maxophone: Maxophone (1975)

2011-09-08T11:52:00.001+02:00

I Maxophone nascono a Milano come sestetto al principio del 1973 e sicuramente furono tra i primi anticipatori di quella contaminazione del progressive che da lì a un poco avrebbe accompagnato il Pop italiano fino alla fine.
Riguardo alla loro genesi si racconta che Ravasini, Lorenzelli e Giuliani (quest'ultimo già insieme al futuro Jumbo Alvaro Fella nel gruppo “Lo Stato D’Animo" e autore per i Camaleonti e i Profeti) avessero voluto estendere il loro trio di musica d’avanguardia reclutando tre elementi provenienti dal conservatorio e trovarono in Lattuada, Schiavone e Bianchini i loro ideali compagni di viaggio.

Stabilizzata la formazione, i Maxophone rimasero praticamente invisibili per quasi due anni in cui si dice che stessero incessantemente confinati nella loro cantina a provare quegli stessi brani che poi sarebbero finiti sul loro primo Lp ,producendosi solo in qualche evento live.
Nel frattempo, il loro affiatamento aumentava e ad un certo punto, il loro complesso sound costituito praticamente dalla sintesi di tutti i generi musicali, attrasse l’attenzione di Sandro Colombini, già produttore del Banco e dei Rocky’s Filj, che procurò loro un contratto per la Produttori Associati di Antonio Casetta, all’epoca discografica del Duello Madre.

A parte le qualità musicali e l’originalità dei brani, ciò che stuzzicò probabilmente Colombini, fu anche la curiosa line up della band che affiancava la tradizionale strumentazione rock a un vibrafono, un'arpa e a una robusta sezione di fiati: clarinetto, flauto, corno francese, tromba e sax .
Va da sé che l’album creò una grande aspettativa non solo a livello artistico ma in qualche modo anche commerciale, vista l’accuratezza della produzione (“abbiamo un Dolby per ogni canale”, diceva orgoglioso il fonico Gaetano Ria).

E infatti, la gestazione del disco fu una delle più lunghe e complesse che si ricordino, considerando specialmente il genere della band e la sua quasi totale assenza non solo dai palcoscenici, ma anche dal movimento controculturale (“vogliamo introdurre un nostro discorso sociale, ma senza nessuna bandiera come guida”, dichiararono al settimanale “Intrepido”).

Anche in questo caso le informazioni non sono molte ma certo è che la band entrò negli Studi della Ricordi nel gennaio del 1975 e terminò le sessions in aprile. A quel punto però Colombini optò per la sola pubblicazione di un 45 giri (C'è un paese al mondo/Al mancato compleanno di una farfalla) e di far slittare l’uscita dell'LP finchè non fosse stata pronta anche la sua edizione inglese.
Nel contempo tutto il sestetto si trovò a lavorare come studio-band anche nel disco “Gente Così” del cantautore Corrado Castellari.
Morale, sia l’una che l’altra versione di “Maxophone” videro la luce nel settembre del 1975: ben nove mesi dopo l’inizio dei lavori.

Imbustato in una splendida copertina apribile di Cesare Monti dal sapore molto “lombardo” e distribuito dalla Ricordi, “Maxophone” non ebbe che recensioni positive persino dal feroce critico Enzo Gentile che nel suo "Note di Pop Italiano" li definì "musicisti dotati di innegabili capacità e dotati di ottimo gusto". .
Era la prima volta che a un gruppo esordiente venivano tributati tanta attenzione e entusiasmo.
Si pensi che un’articolo a firma di Max Red comparve persino su “Topolino”!
Poeticamente cupo e incentrato sul tema della “libertà”, il disco propone sei brani di media lunghezza (dai 5 agli 8 minuti circa) di cui cinque cantati e uno stumentale.

Musicalmente, sin dall’introduzione del primo brano “C’è un paese al mondo” si capisce subito di trovarsi davanti a un 33 giri a cinque stelle: musica classica, elettricità rock, e progressive nobilitano un brano fondamentalmente strutturato in “forma-canzone”.
Poi arrivano le scale Jazz nel secondo brano “Fase” intervallate da momenti fusion e dalla costante presenza dei fiati che, alternandosi, danno al pezzo un sapore inedito e particolare.
Probabilmente immagino che insieme ad “Antiche conclusioni negre” fu questo uno dei due brani che maggiormente attrassero l’attenzione degli Area e di Finardi che vollero con se i Maxophone per diverse date dal vivo.

Chiude il lato A la struggente “Al mancato compleanno di una farfalla”, divisa a metà tra una larga parte barocca e un finale che richiama molto da vicino i migliori Procession.
Voltato il disco troviamo “Mercanti di Pazzie” che tuttavia, pur se introdotto da una citazione alla “Sonata per arpa” di Hindemith e un conturbante intervento di vibrafono, sembra appesantire il lavoro nella coazione al ripetere gli schemi del lato precedente.
Fortunatamente sia “Elzeviro”che la spumeggiante “Antiche conclusioni negre” riportano il discorso musicale alla freschezza iniziale con tanto di affascinante corale conclusivo.

Pur se i molti tecnicismi fecero di Maxophone un album ben poco spontaneo, la sua nobile levigatezza lo proietta sicuramente tra i dischi più interessanti dell’ultima generazione Prog, se non altro per la cosciente ricerca di un nuovo linguaggio alternativo.

Infelicemente, malgrado una vasta attività’ dal vivo (tra cui un’apparizione al Festival di Montreux ’76), apparizioni telesivive quali quella a "Concertino" trasmessa nel 1976 su Rai Due e un ulteriore singolo nel 1977 ("Il fischio del vapore" / "Cono di gelato"), la band non riuscì a decollare limitando al solo 1976 il suo periodo di massima visibilità, complice anche il fallimento della sua discografica che naufragò nella primavera del 1977.
A mio avviso ci fu comunque anche un problema di linguaggio: troppo complesso per il mercato e troppo aulico per la controcultura giovanile.

Lattuada e Ravasini riformeranno il gruppo nel 2009 ineme a tre elementi nuovi.

TRACKLIST: -A- 1.C’è Un Paese Al Mondo 2.Fase 3.Al Mancato Compleanno Di Una Farfalla -B- 1.Elzeviro 2.Mercanti Di Pazzie 3.Antiche Conclusioni Negre

COLLEZIONISMI: Nella sua edizione originale italiana con copertina apribile, Maxophone è valutato in condizioni EX o M tra tra i 240 e i 300 euro (dati al sett./2011) mantenendo questi valori piuttosto stabili nel corso degli ultimi cinque anni.
Esiste anche una versione con copertina singola e busta interna con i testi: è molto più difficile da trovare ma non è escluso che si tratti di una ristampa non ufficiale, pertanto poco considerata. La versione inglese invece, è abbastanza comune.

GRAZIE A WWW. MAXOPHONE.IT PER LE IMMAGINI DEL GRUPPO

I Raminghi: Il lungo cammino dei Raminghi (1971)

2011-08-30T08:20:00.003+02:00

NEI COMMENTS INTERVIENE ANGELO SANTORI, TASTIERISTA DEI RAMINGHI

NUOVA VERSIONE:

Il primo nucleo dei Raminghi si forma a Bergamo nei primi anni 60 grazie all’estro del bassista - cantante Franco “Herr” Mussita che da vita al quintetto “Herr Mussita e i Nomadi”, molto attivo nelle balere e nei night della zona orobica ed in particolare al “Bla Bla” di Scanzorosciate.
Nel 1964, assestata la formazione a quartetto e accorciato il nome in “Nomadi”, la band inizia a mietere successi quali un primo posto al Festival di Treviglio del 1967 e la sua fama inizia a consolidarsi.

Caso vuole però che una sera di quello stesso anno, "I Nomadi" (quelli "veri" di Carletti e Daolio), vennero a suonare lo stesso giorno, la stessa ora e nella medesima città in cui avrebbero dovuto esibirsi i loro omologhi bergamaschi che a quel punto preferirono cambiare il nome.
Sul sito ufficiale del gruppo si parla di un “atto di cavalleria", ma onestamente non sappiamo quanto sarebbe convenuto a Mussita e soci continuare a condividere la stessa denominazione con un complesso ben più blasonato di loro.
Sta di fatto che con acume padano e per non staccarsi troppo dall’iniziale marchio di fabbrica, venne scelto come nuovo nome “ I Raminghi".
Rivoluzionata nuovamente la line-up e approdati nel 1970 alla minuscola etichetta "Bentler" di Gualtiero Guerini, i neonati Raminghi pubblicarono prima una nuova versione di "Come Viviamo" (1970) e due anni dopo, un album di otto canzoni sull’onda delle nuove tendenze d’oltremanica: "Il lungo cammino dei Raminghi".

Corredato di una splendida copertina apribile, opera di un pittore bergamasco, il disco si inserì naturalmente tra i vari tentativi di superare il tardo beat e di aprirsi a nuove modalità espressive, ma sin già dalla fase di produzione insorsero i primi problemi.

Infatti, contrariamente all’opinione di Mussita che avrebbe voluto catturare su vinile la vulcanica energia dal vivo della band – che nel frattempo si era molto più inspessita - Guerini propendette per una via di mezzo dissotterando alcune vecchie composizioni del gruppo tra cui “Guarda tuo padre” e levigando tutte quelle parti più spigolose che invece caratterizzavano le esibizioni dal vivo.

Morale: malgrado le ulteriori affermazioni dei Raminghi che nel frattempo vincevano il premio Timex della popolarità, l’”Oscar nazionale della musica leggera” (1971), venivano chiamati come spalla da patti Pravo, Lucio Dalla, i New Dada, i Dik Dik e Gianni Morandi e comparivano persino sulla TV nazionale (“Chissà chi lo sa” presentato da Febo Conti e “Io vieto, tu vieti” per la regia di Luigi Costantini) e Tele Capodistria, l’assetto finale dell’album restituì poco o nulla dell'energia promanata dalla band nei concerti (dove pare addirittura regalassero il loro disco).

Di fatto c’è veramente un abisso tra l’esuberante energia promanata per esempio dall’unica clip del brano “Cose superate” presentata a Tele Capodistria e la timida levigatezza del 33 giri che oltretutto fu inficiato anche da una confusa miscellanea stilistica.
Forse, solo le prime tre tracce rispecchiarono in modo attendibile quella potente energia desiderata da Mussita: “Donna hai ragione tu” è un sanguigno blues venato di rock e psichedelia già proiettata verso un futuro progressivo, “La nostra verità” è un interessante boogie esistenzialista e la spigolosa “Cose superate” miscela con classe temi hard con le più selvagge ambientazioni beat.

Purtroppo però, la successiva “Partire” e soprattutto la modesta “Every day Jesus”, riportano le lancette della creatività ad atmosfere già superate da almeno un lustro il e da qui, la scaletta dell’album diventa sempre più debole. “Non moriremo mai” ad esempio, raggiunge l’apice della confusione accorpando sonorità da ogni dove, ma senza collocarsi realmente in alcuna dimensione.
Nel finale, l’LP precipita di tono con la geniale ma scialba “Buio mondo nero e giallo” (pubblicata anche su 45 giri) e col ripescaggio di una ballata davvero poco incisiva come “Guarda tuo padre” che, detto onestamente, avrebbe potuto lasciare il posto a una conclusione più convincente.

Fu dunque per il modesto impatto del disco o più verosimilmente per un distribuzione troppo timida che “Il lungo cammino dei Raminghi” (oggi tra i 10 dischi più rari del pop italiano), non ottenne alcun riscontro commerciale rigettando il gruppo in un contesto di nicchia.
Terminata l’esperienza dei Raminghi, Mussita pubblicherà alcuni lavori da solista e proseguirà le attività nell'ambito manageriale, artistico e organizzativo.

TRACKLIST: - A - 01. Donna Hai Ragione Tu 02. La Nostra Verita 03. Cose Superate 04. Partire - B - 01. Every Day Jesus 02. Non Moriremo Mai 03. Buio Mondo Nero E Giallo 04. Guarda Tuo Padre

COLLEZIONISMI: "Il lungo cammino dei Raminghi" è catalogato tra i 10 albums più rari del pop italiano con quotazioni che al settembre del 2011 oscillano tra i 1.500 e i 2.500 euro.
Per farsi un'idea della sua rarità si consideri che nelle aste in rete, l'originale è stato battuto solo due volte dal marzo del 2005 al settembre 2011 di cui una volta solo il vinile senza copertina.
Nel 1998 è stato ristampato in sole 450 copie da uno dei componenti del gruppo con lo stesso numero di catalogo originale Bentler (BE LP 1016). Pur se apparentemente identiche, le due edizioni sono comunque distinguibili dal fatto che la ristampa ha la scritta BENTLER quasi attaccata al foro centrale, mentre l'originale ha il logo e la scritta BENTLER centrati rispetto all'etichetta.

Triade: La storia di Sabazio (1973)

2011-08-26T00:14:00.001+02:00

NEI COMMENTS INTERVIENE VINNY COCCIMIGLIO, LEADER DEI TRIADE

Se avessimo letto soltanto la prima edizione del "Ritorno del Pop Italiano" di Paolo Barotto o qualche altro libro sparso sul Prog Italiano, di questo gruppo non ne sapremmo nulla.
Fortunatamente, grazie alla pertinacia dell'amico Augusto Croce e alla sola testimonianza partecipata da lui raccolta, oggi possiamo almeno tracciarne una biografia e collocarlo correttamente nel microcosmo in cui si mosse.

Nati nei primi anni '70 nel giro del locale fiorentino "Space Electronic" dall'incontro del tastierista diciottenne Vincenzo Coccimiglio con il bassista Agostino Nobile (ex "Noi Tre"), i "Triade" trovarono in breve la loro dimensione definitiva con l'arrivo del batterista Giorgio Sorano e grazie al contatto col produttore Elio Gariboldi che produsse nel 1973 il loro unico album "La storia di Sabazio" per la discografica Derby a distribuzione CGD.

Assai dinamico dal vivo, il gruppo si esibì in diversi concerti sia come opening act del Banco, della PFM e di Battiato, sia come gruppo stand alone: lo stesso Coccimiglio ricorda con malcelato orgoglio il successo che venne tributato alla band nelle diverse apparizioni al Salone Pierlombardo di Milano.
Scioltisi poco dopo la pubblicazione dell'album perché la produzione li avrebbe voluti più commerciali, i Triade si dispersero senza lasciare traccia. A posteriori, si è saputo che solo Coccimiglio e Nobile proseguirono la loro attività musicale nel sottobosco dei piano bar.
E questo è quanto ci è dato di sapere.
Sul fronte discografico, l'album "Storia di Sabazio" è passato agli annali del Pop non solo per la sua difficile reperibilità, ma soprattutto per la sua fragile e costosissima copertina dorata apribile che è ancora oggi croce e delizia di tutti i collezionisti che si rispettino: trovarla perfetta, è una vera impresa a prescindere dalle condizioni del vinile.

Sul fronte della musica, l'album non fu molto rappresentativo per l'epoca, né tantomeno conflittuale malgrado le pur sempre acclamate performances dal vivo.
Diviso in due facciate molto diverse tra loro, l'Ellepì presenta da un lato una lunga suite strumentale di Coccimiglio sulla vita di Sabazio (nome mutuato da Bacco, il Dio del vino e della vendemmia) e dall'altra, tre composizioni cantate di Nobile di cui due ("1998" / "Caro Fratello") uscirono anche su 45 giri.
L'impressione generale e quella che i musicisti fecero sicuramente del loro meglio per restituire su vinile le loro intenzioni, ma Il punto debole stava nel fatto i due autori avevano un'impronta talmente diversa, da far sembrare il disco una saldatura di due stili inconciliabili.
La suite di "Sabazio" e il brano "Il circo" che occupano tutta la prima facciata, sono lunghe digressioni strumentali che, pur se oneste da un punto di vista compositivo, peccano di povertà dinamica sino ad apparire quasi dei provini domestici.
Ne lato B troviamo invece delle sofisticate composizioni in "forma-canzone" con arrangiamenti Prog anche notevoli ("Caro Fratello") ma che, se inserite nel contesto generale del lavoro, sembrano far parte di un'altra produzione.

In sostanza, una volta girato l'album, l'ascoltatore si trovava in presenza di due lavori autonomi e distinti che non consentivano né un'omogenea visione del gruppo, ne una sua collocazione in termini conflittuali.
Non per altro, il motivo dello scioglimento della band stette proprio nel fatto che la produzione, non solo preferì lo stampo cantautorale del secondo lato (escludendo quindi ogni possibilità di investimento avanguardistico) ma lo volle ulteriormente annacquare con elementi più melodici: cosa naturalmente inaccettabile per una band che stava onestamente tentando di trovare soluzioni più creative a quelle del mainstream.
Peccato, ma non troppo.

Clockwork Oranges: Ready steady (7" - 1966)

2011-08-17T00:10:00.000+02:00

3/6/2010 - CI SCRIVE ANCORA VITTORIO COSTA CHE HA TUTTO IL MIO APPOGGIO, MA SONO CONVINTO CHE QUALCUNO VORRA' ANCORA PARLARE DI QUESTO ARGOMENTO.

IL POVERO JJ credeva DI AVER SVELATO OGNI MISTERO SUL SINGOLO DEI CLOCKWORK ORANGES GRAZIE PERSINO A UN COMMENT DI VITTORIO COSTA, MA TUTTO E' STATO RIMESSO IN DISCUSSIONE DA HYDORVOX CHE, OLTRE A COMPETERE PIU' DI UN LIBRO STAMPATO, LANCIA ULTERIORI MOTIVI DI DIBATTITO.
Leggetevi i comments e capirete il perchè.

Ancora prima del boom di Internet in cui la notizia venne trattata in ogni genere e modo, il 45 dei Clockwork Oranges (Ready Steady / After Tonight) diventò un casus belli presso tutti i collezionisti del pianeta in quanto sulla foto di copertina dell'edizione tedesca, alcuni riconobbero i neonati Pooh che da poco avevano abbandonato il loro vecchio nome "Jaguars".
Personalmente non so chi di loro comparisse effettivamente nell'immagine ma, per dovere di cronaca, vi segnalo che all'epoca, erano della partita: Negrini, Bertoli, Costa, Faggioli, Goretti e Gillot.
Costa abbandonò nel 1964, Facchinetti arriva nel marzo del 1966 al posto di Gillot e Fogli sostituirà Faggioli cinque mesi pù tardi. Bertoli se ne andrà nel 1967 e Goretti nel 1968.

In ogni caso, siccome il gruppo non riconoscerà mai la paternità del disco, o comunque resterà piuttosto evasivo sul tema, questo vinile è ancora oggi non solo motivo di accesi dibattiti, ma anche un pezzo da collezione ricercatissimo e molto costoso - circa 800 euro per una copia mint.

I pezzi presenti sul singolo, sono le versioni in lingua inglese di due brani dell'Equipe 84, entrambi del 1965: "Prima di cominciare" di Antonio Amurri e Armando Sciascia (incluso nel primo album della band e B-Side di "Ora puoi tornare") e "Notte senza fine" di E.Chelotti e G.Russo.
Le traduzioni in inglese sono di Ken Howard and Alan Blaikley, già noti per aver lavorato con artisti beat quali Honeycombs, Dave Dee, Dozy, Beaky e Mick & Tich.

I paesi in cui il disco venne pubblicato furono nell'ordine:
- Inghilterra, su etichetta Ember n° S 227 (foto a sx)
- Usa, Liberty n° 55 887
- Germania, Columbia n° 23 226
- Grecia, Melody n° ??? ???

- Sempre su etichetta Ember, le due canzoni compaiono anche sulla compilation "Live at the Pink Flamingo" del 1967, che i Clockwork Oranges" dividono con i "Paul's Troubles", "Russ Hamilton", "The Washington D.C.'s", "Ray Singer" e "Bobby Johnson & the Atoms": tutti gruppi della scuderia Ember di cui si sa poco, eccetto per l'ultimo, capitanato dal cantante Jamaicano Bobby Johnson il cui gruppo fece da spalla anche a John Mayall, Animals e Ike e Tina Turner.

Ora, senza pretendere di dare quelle risposte esaustive che in fondo potrebbero fornire solo i Pooh o lo stesso Armando Sciascia, consideriamo le diverse posizioni riguardo all'identità del complesso:

I CLOCKWORK ORANGES SONO I POOH:
- Nel 1966 la discografica Vedette di Armando Sciascia stava perdendo l'Equipe 84 e trovò nei neonati Pooh un valido potenziale sostituto. Come in uso all'epoca, fece loro incidere dei brani in Inglese, due dei quali vennero pubblicati in Germania: "Ready Steady", scritta dallo stessso Sciascia sotto lo pseudonimo di H. Tical e "After Tonight"
.
- La foto della copertina tedesca ritrae la primissima formazione dei Pooh (a questo punto mi piacerebbe sapere chi sono i singoli musicisti in ordine fotografico).

- Ultimo ed importante elemento: secondo il noto collezionista Italo Gnocchi, Valerio Negrini ha riconosciuto la paternità dell'esecuzione dopo averla riascoltata insieme a Facchinetti e D'Orazio (vedi note della ristampa di "Contrasto" per la On Sale Music).

I CLOCKWORK ORANGES NON SONO I POOH:
- Il ricercatore francese Michel Bands sostiene che i Clockwork Oranges esistessero già come formazione autonoma in Inghilterra e comprendessero il cantante - chitarrista Terry Clarke (ex Herd: tre quarantacinque giri all'attivo nel 1967) e dal bassista Brian Curtis.
Secondo Michel, sarebbe questo il gruppo ad aver pubblicato il singolo in oggetto e non i Pooh: quindi la copertina tedesca potrebbe trattarsi di un errore (cosa non infrequente negli anni '60).

A sostegno di questa tesi, si consideri la recente scoperta di un'edizione greca che riporta la foto di un gruppo totalmente differente.
PS: Malgrado la presunta appartenenza al panorama pop britannico, si noti comunque che i "Clockwork Oranges" non sono neppure menzionati nell'eccellente libro di Fabiano Ferrari "All'Ombra del Sgt. Peppers": autentico compendio della psichedelia inglese.

- Lo storico Ron Cooper, editore della fanzine Zabadak e amico degli ex-membri dei Clockwork Oranges, ammette che la voce del cantato potrebbe essere quella di Clarke per il suo inconfondibile accento Cockney.

Io non prendo posizione e resto aperto a qualunque tesi purché suffragata da certezze storiche e non da leggende.
Negli anni '60, si sa, discograficamente accadeva di tutto: tuttavia ciò non toglie che l'esborso per avere questo disco è assai elevato e quindi sarebbe giusto (anche e soprattutto per correttezza verso i fan dei Pooh), chiarire una volta per tutte questa faccenda.

Duello Madre: Duello madre (1973)

2011-08-01T00:07:00.000+02:00

Se intendiamo per "supergruppi" quelle formazioni che annoverano nella loro line-up tutti musicisti di fama e prestigio (per esempio, "Il Volo"), allora il Duello Madre può essere tranquillamente inscritto in quella categoria.

Di fatto, questo poderoso quartetto si forma a Genova nei primi mesi del 1973 ed è composto per almeno 3/4 da icone della musica progressiva italiana: c'è Marco Zoccheddu, già Osage Tribe e Nuova Idea, l'ex batterista dei Circus 2000 Dedé Lo Previte, il bassista Bob Callero, anche lui dagli Osage Tribe e il fiatista di estrazione Jazz Pippo Trentin, che è meno conosciuto degli altri ma non per questo meno agguerrito.

Sul gruppo si hanno pochissime notizie ed è quasi certamente per questo che il loro primo ed unico album rimase inosservato allora e oggi: non credo infatti sia un caso che esso non venga neppure menzionato né dal "Libro bianco sul pop in Italia" del 1976, né tantomeno nel più recente "Anni '70. Generazione Rock" di Giordano Casiraghi (ER, 1975).

Comunque, sappiamo per certo dal grande collezionista Paolo Barotto che appena dopo la loro costituzione, i quattro intraprendono una modesta attività live e che questa li porterà ad essere notati nello stesso anno dal noto produttore Gian Piero Reverberi che li portò con se negli studi della Produttori Associati (ex Bluebell e Belldisc e distribuita dalla Ricordi) e li produsse.

L'album che scaturisce porta lo stesso nome del gruppo e viene presumibilmente pubblicato dopo l'estate del 1973 con un'ottima veste grafica e una buona cura tecnica.
Da questo punto in poi, diventa difficile destreggiarsi sulle attività della band ma verosimilmente, si può presumere cha la promozione dell'LP sia stata piuttosto flebile.

La sua copertina appare sicuramente sul Ciao 2001 del 28/10/1973 a cui farà seguito, quattro mesi dopo e sullo stesso giornale, un articolo di Dario Salvatori che ammetterà candidamente: "Sto scrivendo d’impeto e di impulso, dato che non ho molte notizie intorno al gruppo. Per ora ho il loro primo disco, che ascolto molto spesso, e mi basta."
Il giornalista chiude anche dicendo : "le promesse per il Duello Madre ci sono. Adesso si tratta solo di ascoltarli dal vivo e di verificare il loro “act” sul palcoscenico.".
Ciò fa ovviamente supporre che, nemmeno dopo la pubblicazione dell'album, il gruppo si fosse fatto molto vedere in giro. Considerando poi che Callero si sarebbe unito al Volo nel 1974, è anche lampante che i "Duello Madre" non durarono che poche stagioni.
Fin qui la storia, ed ora passiamo all'ascolto.

Anche senza aver appoggiato la puntina sul vinile, credo appaia chiaro che questa band si formò, più che per concrete intenzioni commerciali, per dare libero sfogo alle singole sensibilità musicali, probabilmente limitate o represse nelle rispettive bands precedenti.
Da ciò si spiegherebbe in parte sia "l'intimità" con cui nacque e visse l'album, sia il senso delle stringate dichiarazioni che vennero concesse dai musicisti al Ciao 2001:

Quando abbiamo formato questo gruppo, ci siamo proposti di lasciare indietro tutte le cose che ci avevano inibito […]Abbiamo cominciato a suonare quello che vedevamo dentro di noi, […] e poi c’è stato l’incontro, […]con il maestro Giampiero Reverberi, […] Adesso eccoci liberi come la musica che cerchiamo di interpretare e di comunicare" (fonte: Ciao 2001)

Emancipazione espressiva, gioia di suonare e completo distacco da schemi precostituiti, sono infatti gli ingredienti di questa difficile opera musicale: completamente appoggiata su stilemi jazz-rock, l'unica produzione dei "Duello Madre" sembra più che un disco, un "pow-wow" liberatorio in cui i quattro artisti suonano finalmente ciò per cui sono nati.

Molte improvvisazioni possono apparire lunghe e tortuose ("Aquile Blu"), ma in realtà questo è un lavoro che va giudicato non tanto in maniera "tecnica" o "commerciale", ma quanto condividendo la gioia e la libertà di chi lo ha eseguito.
Un disco che definirei "parentetico" rispetto al panorama del Pop Italiano, ma sicuramente sintomatico di quattro grandi personalità che avranno ancora molto da dire nella loro carriera.

Banco: Io sono nato libero (1973)

2011-07-27T00:01:00.001+02:00

Nel mondo del Rock capita spesso che dopo aver pubblicato un capolavoro, molti musicisti vi rimangano arroccati senza più riuscire a superarsi, a crescere o più banalmente a modificare il proprio impianto stilistico per trovare nuove soluzioni.

Eppure, il Banco del Mutuo Soccorso non ebbe questi problemi: raccolse gli stimoli di un mondo giovanile in cambiamento, fece proprie le nuove pulsioni sociali e politiche, superò quelli che erano ritenuti da molti critici i loro limiti (es: verbosità e frammentazione), trovò un concetto forte da sviluppare ("la libertà"), ne eviscerò tutti gli aspetti e dopo un lungo lavoro di selezione del materiale prodotto, diede alle stampe nel 1973 il suo terzo album "Io sono nato libero": un lavoro eccellente che si contende con "Darwin" il titolo di miglior disco della band e forse, di tutto il progressivo italiano.

E' naturale a questo punto che non ci dovremmo esimere dal fare dei paragoni tra queste due pietre miliari della nostra musica ma, nella realtà, "Io sono nato libero" andrebbe inteso non come l'antagonista di Darwin, ma come il suo superamento e per questo motivo, da ritenersi un'opera a se stante.

Di fatto, nel nuovo lavoro vengono oltrepassate tutte le barriere che avevano limitato l'album precedente.

Innanzitutto, viene sconfitta la "forma collage" tipica dei primi "concept", a vantaggio di una maggiore completezza dei singoli brani il cui svolgimento viene ora restituito non più in forma romanzata (ossia con un inizio ed una fine) ma maniera puntuale, cioè eviscerando e completando in ognuno di essi i diversi aspetti del tema portante.

Il risultato non è più quindi un "racconto", ma una "costruzione", intesa come un solido insieme strutturale delle molteplici componenti che la vanno a formare.

In questo senso, ciascuna delle canzoni ci rimanda a tutti gli aspetti del concetto di "libertà": quella negata da un certo tipo di politica in "Canto nomade per un prigioniero politico", oppure quella che viene spesso limitata e agognata all'interno di un sistema socio-produttivo metropolitano ("La città sottile") e infine quella preclusa a chi è coinvolto suo malgrado in un conflitto ("Dopo… niente è più lo stesso").

C'è anche e persino la libertà sognata ed immaginaria: quella di "Non mi rompete", vero e proprio cavallo di battaglia del gruppo e punto altissimo della musica Italiana di ogni tempo.

Qui, la sua evocazione richiama simultaneamente aneliti, voglia cieca, poesia e introspezione.

Il soggetto della canzone (la libertà, il diritto al "se") non viene citato direttamente, ma esplode liricamente nella forza di un desiderio che assurge così a diritto imprescindibile per chiunque.

Questo è un momento di sublime poetica che richiama il secondo punto di forza dell'album: in "Io sono nato libero" infatti, le liriche viaggiano su una strada nuova, dritta e priva di quei pur piccoli e forzati intoppi che appartennero al suo predecessore: il perfetto equilibrio tra il pregresso linguaggio aulico e una forma letterale diretta è pienamente conquistato, pur senza mai rinunciare alla poesia:

"Tu chi sei, città non città

che vivi appesa in giù alle tue corde d'aria ferma […].

I tuoi mille ascensori di carta velina […]

Sottile non città che reggi tutto su niente".

E infine, la musica.

Anche in questo caso i rigidi valichi delle strutture concettuali vengono glissati con classe e maturità. Non una sola nota sembra suonata per caso giacchè il gruppo ha completamente introiettato la sua dimensione stilistica.

Da una lato c'è la voce di Di Giacomo che ormai è più ferma e sicura che mai, dall'altro una band di sei elementi (nel frattempo si è aggiunto il chitarrista Rodolfo Maltese) che si è perfettamente adattata al suo granitico ruolo strumentale e compositivo in cui spiccano nuove le nobili pennellate armoniche del giovane Gianni Nocenzi.

Il Banco insomma veleggia ormai ad un livello internazionale che non è possibile confutare: certi breaks non hanno nulla da invidiare ai Gentle Giant e i testi sono a livello della migliore poesia Italiana. La coscienza e la sensibilità politica vengono inoppugnabilmente dichiarate a mezzo di una comunicatività fresca e sino ad allora inesplorata.

"Io sono nato libero" è un capolavoro assoluto.

Impossibile, ma davvero impossibile, pretendere di più.

IO SONO NATO LIBERO E' STATO GIUDICATO DAI LETTORI DI

CLASSIC ROCK L'ALBUM NUMERO UNO DELL'ANNO 1973

BANCO DELMUTUO SOCCORSO - Discografia 1972 - 1978:
1972: BANCO DELMUTUO SOCCORSO
1972: DARWIN
1973: IO SONO NATO LIBERO
1975: BANCO (english)
1976: GAROFANO ROSSO
1976: COME IN UN'ULTIMA CENA
1978: DI TERRA

Arti e Mestieri: Tilt (1974)

2011-07-25T00:38:00.000+02:00

Come abbiamo già accennato, il 1974 fu un anno di transizione segnato dalla complessificazione della stagione Controculturale.

Il profondo mutamento dello scenario Pop che ne seguì, vide da un lato l'inasprimento del sound di certe bands nell'intento di fotografare le tensioni socio-politiche dell'epoca (Area, Dedalus) e dall'altro, l'avvicendamento di quei gruppi che non ressero al cambiamento con formazioni nuove che proponevano sonorità sempre più articolate e distanti dal Progressive originario.

Trai gruppi più rilevanti di questa nuova ondata ci fu sicuramente il sestetto degli "Arti e Mestieri", fondato verso la fine del 1973 a Torino dall'ex batterista dei Trip Furio Chirico insieme a Gigi Venegoni, Giovanni Vigliar e Arturo Vitale i quali avevano precedentemente militato nel gruppo Prog-Jazz "Il sogno di Archimede". Completavano la formazione il bassista Marco Gallesi e il tastierista Beppe Crovella.

Battezzatisi inizialmente solo "Arti", i sei musicisti intrapresero da subito una notevole attività live trovandosi a suonare con PFM, Gentle Giant e soprattutto con gli Area, coi quali approdarono al Festival del Parco Lambro a Milano nel giugno '74, suscitando l'entusiasmo di critica e pubblico.

A nome di "Arti+Mestieri", nasce poco dopo il primo album della band, "Tilt", prodotto dallo stesso Paolo Tofani degli Area, distribuito su scala nazionale dalla Dischi Ricordi e dotato di una lussuosa veste grafica che, all'interno della leggendaria copertina con l'imbuto tra le nuvole, conteneva anche due gadgets promozionali (un imbuto di cartone e un poster).

L'accoglienza al disco è unanimemente positiva e, cosa ancora più straordinaria, lo è anche da parte delle frange più radicali del movimento, di norma diffidenti e poco benevole verso la Cramps e i componenti degli Area.
In effetti, gli "Arti e Mestieri" non solo propongono un prodotto molto ben levigato ed eseguito, ma diventano in breve tempo anche una band di culto grazie al loro impegno politico e sociale.

Pur ricordando i Soft Machine di quel periodo ed evidentemente debitori al Miles Davis di "Bitches brew", il sound di "Tilt" si presenta come una mescola tra Jazz e Rock sufficientemente personale per distaccarsi dai suoi contemporanei.

Veri e propri marchi di fabbrica sono per esempio, le esecuzioni all'unisono di più strumenti dei temi principali (es:"Gravità"), la passionalità della sezione ritmica che crea essa stessa un secondo livello armonico e la grande ricchezza di ambienti proposti: lunghe composizioni hard jazz ("Articolazioni"), brevi intermezzi sonori che dinamizzano la sequenza dei brani ("Scacco matto", "Tilt"), e qualche pezzo cantato ("Strips") che, pur non eccellendo in poetica, completa il panorama percettivo dell'album.

Numerose anche le parti soliste che si alternano nei vari passaggi con particolare riferimento alla bravura del fiatista Arturo Vitale che in "In cammino" da il meglio di se.
Con lieve autoreferenzialità, il sito degli Arti e Mestieri ci ricorda inoltre che: "oltre alla funzione orchestrale ogni strumentista nella band ha larghe possibilita' di intervento solistico. all'interno comunque di strutture armonico-ritmiche-contrappuntistiche manifestate del resto della band oppure in spazi pseudo acustici o solistici all'interno dei concerti."
In sostanza, potremmo dire che, al di là di ogni ulteriore valutazione musicale, l'importanza di questo lavoro stette anche e soprattutto nell'aver ulteriormente consolidato all'interno del movimento giovanile il linguaggio del Jazz che, di lì a poco, avrebbe contaminato il Prog sino a creare linguaggi totalmente inediti.

La sua mistura con l'elettronica e il Rock già portata avanti dagli Area e dalle estreme provocazioni dei Dedalus, erano ulteriori segnali di un cambiamento che da un anno a quella parte, iniziava ad essere veicolato con un certo riscontro dalle prime edizioni di "Umbria Jazz".
I giovani stavano introiettando nuove sonorità e il Progressive andava loro sempre più stretto.

Area: Are(A)zione (1975)

2011-07-19T13:39:00.000+02:00

Il 1975 rappresentò uno spartiacque nella carriera degli Area, dividendola stilisticamente in due fasi distinte.
La prima fu quella più agguerrita e fortemente influenzata dalla violenza urbana (1973/74).
La seconda, quella più distesa e intimista, inaugurata proprio nella primavera del ‘75 con la pubblicazione di “Crac”.

“Crac” infatti, non solo aveva perfettamente, fotografato - come di consueto - il suo periodo storico, ma preluse chiaramente (es. con “Area 5”) a quella svolta stilistica che si sarebbe effettivamente concretata l’anno successivo con “Maledetti”.

A coronamento di quel "momento di transizione" dunque, non rimase che fare il punto della situazione con un prodotto fortemente simbolico che celebrasse i primi tre anni di attività della band, proponendola nella sua dimensione più popolare e coinvolgente: quella dal vivo.

Uscì così Are(A)zione, che rappresentò non solo un compendio live dei brani più significativi del gruppo, ma certificò definitivamente che gli Area erano soprattutto una straordinaria forza dialettica e comunicativa, capace di stimolare il pubblico e di abbattere con la forza dell’interazione, qualsiasi barriera tra musicista e spettatore.

Riascoltando il disco ai giorni nostri, è difficile cogliere a fondo quello sforzo comunicativo, ma certo è che tutti coloro che videro la band in concerto, rimpiangono ancora oggi quel profondo senso di biunivocità che si veniva a creare tra la platea e il palcoscenico.

Gli Area erano in grado di trasformare il disinteresse in coinvolgimento, la diffidenza in dialogo, la musica in passione, al punto di non programmare mai i loro happenings, ma di variarli di volta in volta a seconda della reazione degli astanti.
Una cosa oggi assolutamente impensabile.

Tutti i brani della scaletta venivano di norma stravolti, contaminati, accelerati, spezzati o riadattati a seconda dei casi e, non era raro, che molte esibizioni prendessero alla fine una piega completamente diversa da quella prevista inizialmente.
Casi emblematici furono lo sventolamento degli ombrelli durante l'esecuzione di “Caos” all’Università Statale nel 1976 o i “cavi scoperti” del Parco Lambro ’75 o ancora, il celebre “offertorio delle mele” durante la “Mela di Odessa”.

Caso limite fu quello in cui, a fronte della freddezza degli spettatori durante un concerto a Sanremo, Demetrio Stratos cominciò a lavarsi i piedi in una bacinella d’acqua, Capiozzo e Tavolazzi si misero a piantare dei chiodi sul palco, mentre Tofani e Fariselli lo lavavano con uno straccio.
Insomma, con gli Area erano dei veri situazionisti.
Con loro, la destrutturazione diventava spettacolo: un po’ come quando Jannacci cominciava i suoi concerti stando zitto per dieci minuti.

Tecnicamente, Are(A)zione fu un album molto sofferto, malgrado alla fine risultò uno dei migliori prodotti live degli anni ’70.

Registrato in presa diretta su un Revox a due piste installato su un furgoncino esterno allo stage (in certi casi anche con l’aiuto dei mezzi della Pfm), il vinile catturò sostanzialmente quattro apparizioni: quella del Parco Lambro a Milano, della Festa de l’Unità di Napoli, del Festival della Gioventù di Rimini e del Teatro Comunale di Reggio Emilia.
La scelta dei brani venne affidata a Tofani che, in sede di mastering, aggiunse solo qualche minima coloritura tecnica.

Per il resto, tutto ciò che si sente, sono gli Area al 100%: le lunghe spiegazioni introduttive di Stratos, la straordinaria perfezione esecutiva, i breaks provocatori (la famosa sgranocchiata della “mela”), la consumata capacità d’improvvisazione e soprattutto, la struggente tensione emotiva che raggiunse il suo apice nell’epocale versione de “L’Internazionale”.

In sintesi, Are(A)zione non fu solo un “disco live” ma lo specchio di un’epoca: un documento imprescindibile degli anni settanta la cui essenza non cesserà mai di stupire e di coinvolgere.

Spero per tutti Voi che riascoltandone l’energia e introiettando il calore e la sincera progettualità di quelle note, Vi venga voglia di creare e disobbedire, di “non delegare mai niente a nessuno" e spingervi sempre e comunque verso nuove immaginazioni.
Perchè questo, è quello che ci insegnarono gli Area.

AREA - Discografia 1973 - 1978:
1973: ARBEIT MACHT FREI
1974: CAUTION
1975: CRAC
1975: ARE(A)ZIONE
1976: MALEDETTI
1978: GLI DEI SE NE VANNO, GLI ARRABBIATI RESTANO

The Trip: Caronte (1971)

2011-07-18T01:52:00.001+02:00

Storicamente parlando, "Caronte" è a tutti gli effetti uno dei primi album di Progressive Italiano in buona compagnia con "Concerto grosso n°1" dei New Trolls, "Collage" delle Orme, “In the beginning" dei Nuova Idea, “L’uomo” degli Osanna e, se vogliamo, con quel meraviglioso racconto pop che fu "Terra in Bocca" dei Giganti.

"Caronte" ha però una marcia in più rispetto agli altri.
Pur se ancora attaccato a modelli anni '60, specie nell'utilizzo delle tastiere e per via di qualche reminescenza tardo psichedelica (“Little Jane” ricorda ad esempio i Pink Floyd di “Green is the colour”), il secondo album dei Trip riserva delle sorprese straordinarie che, se rapportate alla data di pubblicazione, ne certificano il suo valore assoluto.

Per cominciare, la vulcanica traccia di apertura "Caronte I°" - reputata dallo stesso Sinnone una delle cose migliori del gruppo - suona come una vera e propria dichiarazione artistica: il Beat è finito ed è cominciata definitivamente la stagione dell'Underground Italiano.
La leading-track infatti, non solo oltrepassa senza mezzi termini quella fase “post beat” fatta di onirici arpeggi di chitarra elettrica e di testi intrisi di sognanti valori esistenziali, ma pone concretamente le basi di nuovo linguaggio inedito: un massiccio hard-blues che è tutto un inseguirsi di tastiere, mescolanze ritmiche, e selvaggi breaks sottolineati da chitarre saturate che volano su una grintosa base pulsante.

Inoltre, a differenza del Beat che cercava di distanziare acusticamente ogni singolo strumento, qui la notevole complessità del sound viene omogeneizzata da una produzione a dir poco magistrale che accorpa ogni possibile sonorità con rivoluzionari sistemi di filtraggio delle frequenze.
Infine, le parti vocali non sono più orientate alla trasmissione di un messaggio o all’abbellimento del canto tramite gli interventi corali, ma assurgono a veri e propri strumenti musicali (es: “Two brothers”).

Certo, è innegabile che molte parti del disco si rifacciano ancora al rock britannico - in “Two Brothers” c’è un forte retrogusto di Led Zeppelin e Deep Purple, in “Little Jane” affiora prepotente l’anima blues dei Floyd e degli Stones e in molti solismi di chitarra è evidente il tocco di Hendrix - e il cantato in inglese certamente non contribuisce molto a italianizzare il prodotto, però c’è anche di notare che tutti i brani di “Caronte” sono originali e quindi anche in questo caso, si tratta di un passo avanti rispetto alle covers del periodo Beat.

Una “personalità nuova” quindi, che emerge in tutta la sua trasgressività soprattutto nel brano “L’ultima ora” dove un’originale struttura blues in 3/4, sviluppa un’organicità sonora da far invidia ai New Trolls di Concerto Grosso tra stacchi di sapore barocco, rumori concreti e un personalissimo finale Hendrixiano.

Il tempo di riprendere il tema principale dell’album nella dura e organica “Caronte II”, e si deve restare un attimo in silenzio per tirare il fiato.
Abbiamo appena ascoltato uno dei migliori dischi di progressivo italiano mai pubblicati nei primi anni ‘70: solido, ritmico, perfettamente prodotto, innovativo, conflittuale, personale, incisivo, calibrato, complesso, strutturato e perfettamente eseguito.

“Caronte “ è insomma la dimostrazione che, come dice il mio amico scrittore Gianni Lucini, l'arte è frutto di "osmosi progressive", ma in questo caso c’è anche di più.

I “Trip” non hanno soltanto operato una sintesi di stilemi pregressi, ma li hanno centrifugati al punto di astrarne uno stile del tutto nuovo e personale. Hanno iniettato nel suono degli anni sessanta dei codici così pregnanti, da superare non solo i limiti della loro cultura e del loro tempo, ma assurgendo a paladini di una nuova dialettica sonora.

Certamente, il percorso da intraprendere per creare un “nuovo prog italiano” era ancora lungo, ma in questo senso "Caronte" fu sicuramente un’imprescindibile catalizzatore.
Più tardi, il Banco e la Premiata si posero su un’altro livello, ma si consideri che i Trip pubblicarono Caronte nel 1971 e nulla mai si era sentito in Italia di così straordinariamente "prog".

Qualcuno potrà dire: "c'erano le Orme di Collage" che, reduci dall'isola di Wight avevano deciso di "ricalcare" il sound di Emerson Lake & Palmer. D’accordo, ma una cosa è “imitare”, un'altra è “definire”.
I Trip hanno d.e.f.i.n.i.t.o e anticipato il groove di una generazione a cui resteranno fedeli fino alla fine e passando almeno per un altro capolavoro : "Atlantide" del 1972.

Poi, che altri abbiano avuto più successo…. beh…quella è tutta un'altra storia.

CARONTE E' STATO DICHIARATO DAI LETTORI DI CLASSIC ROCK IL DISCO NUMERO UNO
NELLA CLASSIFICA PONDERATA DEI MIGLIORI ALBUM TRA IL 1967 E IL 1971.

THE TRIP - Discografia 1970 - 1973:
1970 - THE TRIP
1971: CARONTE
1972: ATLANTIDE
1973: TIME OF CHANGE

Capitolo Sei: Frutti per Kagua (1972)

2011-07-16T15:01:00.000+02:00

NEI COMMENTS: INTERVENTO DI MAURO ROMANI,
BASSISTA DEI CAPITOLO 6 E DI MIRKO TESSANDORI

Sulla storia di questo gruppo si è creata col tempo molta confusione. La scheda che segue tenta di ricostruirne più verosimilmente possibile la storia tenendo conto delle testimonianze più recenti.

I Capitolo Sei si formano nel 1969 dalla fusione tra i livornesi " I Rangers" e i viareggini "Gli Eremiti".
Il quintetto originale a due batteristi consisteva in Riccardo Bartolotti (voce, chitarra, flauto), Jimmy Santerini (tastiere, voce), Giovanni Galli (basso, batteria) subito rimpiazzato da Mauro Romani (basso), Lorenzo Donati (batteria, voce) e Luciano Casa (chitarra, batteria).
E' pertanto da mettere in dubbio il fatto che il gruppo fosse di Roma come viene spesso riportato.
Inoltre, secondo diverse voci tra cui quella autorevolissima di Paolo Barotto, il gruppo pubblicò praticamente appena nato un singolo per la Atco ("Cool Jerk", "Please, Please, Please", entrambe covers dei Capitols) ma anche questa notizia è opinabile al punto che verrà seccamente smentita da uno dei componenti del gruppo (fonte www.italianprog.it).

A Roma, la band viene messa sotto contratto dall'etichetta IT (la sussidiaria della RCA diretta da Vincenzo Micocci) grazie all'intercessione dell'amico e produttore viareggino Franco Tessandori e pubblica nel 1971 il suo primo vero singolo "Mi innamoro di te".
Parallelamente, si fa notare sia al Festival Pop di Viareggio del 1971, sia come opening act del concerto romano dei Led Zeppelin. Dello stesso periodo si segnala anche un'apparizione su Tele Capodistria in cui però mancano Romani e Casa, quest'ultimo sostutuito da un non meglio identificato chitarrista di nome Roberto.
Nel 1972 la formazione si riduce a quartetto con l'uscita di Santerini e restano della partita Bortolotti, Romani, Donati e Favilla che, sempre a nome di Capitolo Sei, pubblicano in marzo il loro primo e unico album: "Frutti per Kagua", un album concept sulla vita dei pellerossa americani.
Il disco presenta due facciate piuttosto diverse tra loro, ma omogeneizzate da un sound duro, spigoloso e per ampi tratti autenticamente "progressive" (es: "Il tramonto di un popolo").
Il lato A è interamente occupato dalla lunga sinfonia "Frutti per Kagua" i cui 18 minuti sono idealmente divisibili i tre movimenti.

Il primo è sostanzialmente hard rock con molte concessioni al Prog specie nei breaks tra una strofa e l'altra, in cui spiccano l'aggressiva voce del cantante e i lodevoli passaggi ritmici di Donati e Romani, ben contrappuntati dal flauto e dal sax.
I successivi 9 minuti regalano atmosfere più rilassate sulla falsariga dei King Crimson, ma con un pizzico di mediterraneità in più nel gradevole crescendo ritmico che conduce alla sezione finale.
La coda del brano infine, riprende l'introduzione seguendo un classico schema mutuato dalla musica classica e dal Jazz.

Il lato B presenta invece tre brani più corti e strutturati in forma-canzone senza però concedere nulla alla melodia tradizionale:
"Grande Spirito", "Il tramonto di un popolo" e "L'ultima notte" sono sostanzialmente delle mini-suites progressive dall'impatto complesso, articolato e soprattutto molto affascinanti dal punto di vista esecutivo.
Nobilitati dagli splendidi testi del giovane Francesco De Gregori e di Edoardo de Angelis (quindi non Guido e non Maurizio De Angelis che non c'entrano nulla), tutti i pezzi della seconda facciata consistono in continuo accavallarsi di poliritmie, stacchi, contrappunti e di interventi vocali che sorprendono per grinta e modernità.

Purtroppo, il fatto di essere così avanti coi tempi non aiutò il Capitolo Sei i cui prodotti a 33 e 45 giri, non diedero alcun riscontro economico.
Dopo un'ultima apparizione nella compilation "Sanremo 1972" con una cover di "Jesahel" dei Delirium e il brano pop "Ti Voglio" (sempre con arrangiamenti di Franco "Terry" Tessandori), i quattro si dividono e il solo Favilla andrà a rimpolpare per qualche tempo le fila dei Campo di Marte.

Dotato di una splendida veste grafica (copertina apribile con tanto di risvolto per essere appesa al muro), a questo Ellepì può essere solo imputata una certa ridondanza negli stacchi ritmici ed armonici che, da una parte, sanciscono effettivamente il pregio dell'album, ma dall'altra, risultano leggermente eccessivi e forzati.
In ogni caso, al di là di queste minuzie critiche e del suo immeritato oblìo, "Frutti per Kagua" è un disco che deve assolutamente comparire in qualunque discoteca Prog che si rispetti.

Osanna: Suddance (1978)

2011-07-15T08:07:00.000+02:00

“Come si cambia per non morire”, diceva il poeta.
Ed è proprio ascoltando l’ultimo lavoro degli Osanna datato 1978, che mi venivano in mente esattamente quelle parole scritte nel 1987 da Enrico Ruggeri per la Mannoia.

Si perchè nella maggior parte dei brani di “Suddance”, io personalmente gli Osanna non li riconoscevo più: o meglio, erano un altro gruppo non solo rispetto a quello che incise il glorioso Palepoli nel 1973, ma persino il tormentato Landscape of Life l’anno successivo.

Invano ho cercato si scorgervi l’eredità dello spregiudicato sax di Elio D’Anna, ma lui aveva già da tempo dato forfait per formare gli Uno.
Chissà mai che allora non ci si potesse trovare qualcosa di quell’impeto rivoluzionario che fu dei Città Frontale di Vairetti e Guarino o almeno la forza della loro storica teatralità, ma niente.
Tutto inutile.

Nel 1978 gli Osanna erano completamente cambiati esattamente com’era cambiato quel sistema alternativo da cui avevano tratto la loro miglior linfa vitale.
Dopo il 1976 la controcultura si era dissolta e dalle sue ceneri erano nate altre disobbedienze ma più pragmatiche e irriverenti. Il movimento non esisteva più, così come non c’erano più i Festival Pop la cui assenza, aveva privato il 90% dei gruppi prog del loro unico canale di interazione con le masse meglio disposte a quel genere di musica.
L’onda lunga del Punk aveva invaso anche il nostro paese e larghi segnali di riflusso ci avvisavano che ormai gli anni ’80 erano alle porte.

Gli Osanna, dal canto loro, si erano già smembrati da ben quattro anni per dar vita a vari progetti alternativi, ma visto che anche quelle strade erano ormai desuete alle orecchie della maggior parte del pubblico, alcuni di loro si riunirono nel 1977 per vedere quanto ancora di buono si potesse fare, ma nulla era come prima.
Come astronauti ritornati dopo un secolo sulla terra dovettero adeguarsi all’incedere dei tempi e delle nuove mode.

Naturalmente, la storica discografica Fonit era ormai completamente disinteressata al progressivo ma comunque, viste le conoscenze internazionali del gruppo, non fu difficile farsi accettare presso l’americana CBS per pubblicare ancora un album tutti insieme: operazione resa ancora più agevole dal fatto che in “Suddance” di progressive non ce n’era praticamente più.

Ed ecco allora che malgrado eccellenti collaborazioni del calibro di Benny Caiazzo al Sax, Antonio Spagnolo al violino elettrico, il tastierista Fabrizio D’Angelo e l’ex bassista dei Volti di Pietra Enzo Petrone, il disco prese la sua forma definitiva, ma ne uscì fuori un prodotto stranamente ibrido e apolide, sospeso tra frammenti di una vitalità ormai lontanissima (“Ce vulesse”) e strizzate d’occhio all’imminente nuovo decennio (“Chiuso qui”).

A rimarcare poi la lontananza da “Palepoli” fecero da contraltare una produzione perfetta e dei suoni levigatissimi degni della più grande multinazionale americana che però, a conti fatti, restituirono un gruppo che si rivelò una sorta di fantasma la cui sola consumata abilità esecutiva certificò l'esistenza di un luminoso passato.

In “Suddance” infatti, tutto ciò che vorrebbe essere ancora autenticamente napoletano (es: “O Napulitano”) viene stemperato da un sound newyorkese che ben poco a che vedere col Vomero o con i Quartieri Spagnoli.
La rabbia collettiva che fu di “fuje a chisto paese” è ora implosa nella solitaria figura di una zingara che viene respinta dalla società.
La conclusiva “Naples in the world” ha ben poco di Napoli se non la probabile residenza degli esecutori.

In sostanza, diciamo che l’insuccesso di “Suddance” che poi portò allo scioglimento definitivo della band, fu in parte prevedibile.
Tuttavia, visto in una prospettiva storica, l'album avrebbe forse meritato qualcosina in più, non fosse altro che alla fin dei conti, la band accettò l’impossibilità di tornare indietro, guardandosi al futuro nel più onesto e professionale dei modi.

Se ne renderà presto conto ad esempio, il giovane Pino Daniele che di questo album e di Napoli Centrale sembrò essere il legittimo primogenito, ma non solo: occorre comunque dare atto agli Osanna che, pur rinunciando a malincuore al Prog, decisero di lasciare le scene con un’impronta meno profonda, ma sicuramente aderente alle trasformazioni del loro tempo storico.
Il futuro poi appiattì qualunque spirito antagonista, ma questo gli Osanna non potevano prevederlo. O forse, non vollero crederci nemmeno loro.

OSANNA - Discografia 1971 - 1978:
1971: L'UOMO
1972: PRELUDIO, TEMA, VARIAZIONI E CANZONA
1973: PALEPOLI
1974: LANDSCAPE OF LIFE
1978: SUDDANCE

Samadhi: Samadhi (1974)

2011-07-14T07:51:00.001+02:00

Al principio del 1973, la Raccomandata con Ricevuta di Ritorno attraversa una crisi irreversibile: la coppia Regoli - Civitenga, sempre più portata verso il rock sinfonico, si scontra senza possibilità di risoluzione con il resto del gruppo orientato invece verso il Jazz e se ne va.

E' da questa defezione che nasce il gruppo dei Samadhi, ovvero "pace interiore" o anche "il livello più alto di uno stato meditativo" e che almeno sulla carta dovrebbe essere lanciato come un autentico "supergruppo".

Infatti, all'interno della band confluirono insieme ai due RRR, l'ex tastierista dei Free Love Stefano Sabatini, l'ex bassista dei Punto e dei Teoremi Aldo Bellanova , il percussionista Ruggero Stefani (già con gli "Uovo di Colombo") e l'ex Corvi, Sandro Conti.
Una formazione dunque di tutto rispetto che impiegò circa 40 giorni per registrare il suo unico album omonimo, ma che sciaguratamente non solo non ebbe alcuna promozione, ma venne anche aziendalmente snobbato essendo tutte le risorse della Fonit già impegnate nel lancio degli Uno, la nuova e importante diramazione degli Osanna.
Ciò volle innanzitutto dire che da un lato in pochi vennero a conoscenza del disco e dall’altro quasi nessuno lo acquistò o li vide mai dal vivo con ovvie ripercussioni sulla loro potenziale notorietà.
Un vero peccato perché è evidente che nel loro lavoro i sette musicisti ci misero talmente tanto di loro stessi da farlo risultare acusticamente perfetto soprattutto grazie agli arrangiamenti del fiatista slavo Stevo Saradzic.

Definito superficialmente "ai confini della west Coast", il disco è più verosimilmente un'azzeccata miscellanea di stili e di invenzioni timbriche: jazz, rock, prog, pop e Canterbury, con una forte influenza underground evidenziata soprattutto da alcune digressioni a carattere religioso (“L’Angelo” e “L’ultima spiaggia”)

Suonato e arrangiato con maestria non comune, l'ellepì comprende sette pezzi quasi tutti a firma Bellanova-Sabatini e imperniati sulla raccolta di poesie "Fiori di ieri, fiori di domani" del poeta-attore Enrico Lazzareschi.

Gli arrangiamenti sono ricchi e variegati, i cori eleganti ed accurati, le diverse ispirazioni stilistiche vengono mescolate nei brani con grande fluidità e i concetti esposti sono in fondo moderni anche se, dicevamo, venati da reiterate tracce di misticismo religioso.

La "pace interiore" agognata dal gruppo è comunque abbondantemente restituita da una miriade di tasselli armonici che si amalgamano perfettamente pur nella loro diversità e, rispetto alle indeterminazioni della RRR o le fiabesche digressioni dei colleghi Procession, i Samadhi appaiono molto più centrati sia come pulizia sonora che come concettualità.
La voce di Regoli appare qui rilassata e piena, le prorompenti tastiere di Sabbatini si allargano con competenza tra Jazz e Sinfonico, i fiati di Stevo Saradic contappuntano con classe ogni passaggio ricongiungendosi di volta in volta con il resto dell'incipit.

Perchè però un prodotto del genere non sia mai stato adeguatamente promosso, non ci è dato di saperlo: del resto, anche se la Font era occupata in progetti ben più rilevanti, si presume che da potenza qual’era avrebbe potuto anche distribuire più democraticamente le sue risorse, ma è evidente che non fu così.
Resteranno quindi gioielli nascosti le stupende alchimie spirituali de "L'Angelo" e le moderne atmosfere freak-jazzate di "Passaggio di Via Arpino": un brano modernissimo dedicato ad una strada, che anticipa almeno di due anni quella che sarà la poesia metropolitana dei Napoli Centrale in "Vico Primo Parise n°8".

Resteranno meno che un ricordo i contrappunti di "Un milione di anni fa" che spaziano dal tappeto barocco al jazz-rock dei ponti strumentali.
Avvolte dall'ovatta del tempo rimarranno anche le sapienti armonizzazioni di "Silenzio", tanto ricercate quanto efficaci e coinvolgenti.

Un vero peccato di cui però non si può dare alcuna colpa ai "Samadhi": loro ce l'hanno messa veramente tutta. E si sente.
I loro detrattori potranno accusarli di essere stati eccessivamente acustici o solo blandamente progressivi, ma non gli si potrà mai negare di aver catturato, almeno in parte, lo spirito di una società in cambiamento: forse troppo poco rispetto all'imperante politicizzazione della musica, ma abbastanza per fare di questo disco un lavoro veramente pregevole.

“Noi non abbiamo voluto inventare l’acqua calda”, recitano candidamente le note di copertina, “abbiamo tentato di sottolineare sensazioni e vicende degli uomini, filtrandole attraverso la poesia e la musica, per coglierne la loro intima essenza. Sensazioni e vicende che, secondo noi, non sono sostanzialmente mutate attraverso i millenni.”

Free Love. La notte in cui morì un sogno.

2011-07-10T00:55:00.003+02:00

IN ESCLUSIVA PER CLASSIC ROCK, LA STORIA DEI FREE LOVE RICOSTRUITA DA JJ JOHN CON LA COLLABORAZIONE DEL LORO ULTIMO TASTIERISTA FABIO CAMMAROTA E DELLA SIG.RA LAUREN TAINES, VEDOVA DI CARL STOGEL.

Siamo in Svizzera alla fine degli anni '60 e precisamente "American College of Switzerland" dove il cantante Antonio "Tony" Gizzarelli e il bassista Carl Stogel suonano in un gruppo studentesco sotto l'egida dell'impresario Winthrop Rockefeller.

Terminata l'univesità, i due si trasferiscono a Roma dove vive il fratello di Carl (Steve Sogel) e il il padre dei due che riveste l'incarico di dirigente per la Columbia Pictures.
Caso vuole che Steve stia promettendo bene con la chitarra, alchè Carl e Tony pensano bene di coinvolgerlo in una nuova band e già che ci sono, chiamano a se anche l'amico batterista Gianni Caia. Nasce così la prima formazione dei Free Love.

Le cose si mettono subito bene al punto che la band che non solo viene invitata a partecipare al primo Festival pop di Caracalla nell'ottobre del 1970, ma diventa il resident group del Piper di Via Tagliamento e trova immediatamente un contratto per la discografica Vedette che pubblica il loro primo 45 giri ("Sandy", "Il tempo di pietra", 1970).
Pur essendo vagamente debitore allo stile dei primi New Trolls, il singolo ha un riscontro e una stamina talmente interessanti da catturare l'attenzione del M° Piero Umiliani che recluta il gruppo per eseguire il tema del suo film "Roy Colt & Winchester Jack", che sarà anch’esso immortalato su 45 giri per la Cinevox ("Roy Colt" / Dove", 1970).

Tra il 7 e l’8 maggio del 1971, una seconda apparizione a Caracalla accanto a bands quali New Trolls, Osanna, Delirium e Trip, consacra i "Free Love" come una delle più promettenti realtà italiane e da quel momento, i Free Love incroceranno la sua storia con quella dell’allora debuttante Domenica Bertè, al secolo Mia Martini e soprannominata la "Julie Driscoll italiana”.

Mimì all’epoca sta suonando in giro per l’Italia accompagnata dal suo gruppo “La Macchina”, composto dagli ex “I Posteri” Riccardo Caruso (voce e tastiere), Giorgio Dolce (chitarra), Giovanni Baldini (basso) e Daniele Cannone (batteria), con i quali inciderà anche una manciata di covers.
Intorno al maggio ’71, viene notata dal discografico Alberigo Crocetta che le propone un contratto con la RCA a patto però di sbarazzarsi dei suoi musicisti il cui sound è ritenuto troppo duro.

Al momento, Mia probabilmente non se la sente di abbandonare i compagni ma per venire incontro alla discografica, accetta di registrare il suo primo singolo “Padre davvero” (RCA n° cat. PM 3589 ) con un’altra line up (chiamata anch'essa "La macchina") di cui fecero parte proprio alcuni componenti dei Free Love più il tastierista Stefano Sabatini che da allora cominciò a gravitare nel gruppo..

Al Festival Nuove Tendenze di Viareggio (27 maggio – 2 giugno 1971) Mimì però ci va con i vecchi compagni e vince malgrado le roventi polemiche inscenate dal suo compagno di allora Joe Vescovi dei Trip. Quella sarebbe stata l’ultima volta che si sarebbe esibita con gli ex “I Posteri” (ovvero, la prima formazione della Macchina) che si congedano da lei lasciandola sola alla vigilia del Festivalbar dell’8 agosto 1971.

Sullo scioglimento della prima "Macchina" c’è anche chi sostiene che alcuni membri della band abbandonarono la cantante in quanto non se la sentirono di affrontare una tournèe nazionale. Tuttavia, è plausibile pensare che il veto della RCA avesse influito non poco sullo scisma.

Comunque sia, a partire dall’agosto ’71 Mia Martini si mette a caccia di nuovi musicisti per dar vita a una seconda formazione della Macchina e il primo ad arrivare fu ancora Stefano Sabadini che abbandonò definitivamente i Free Love, sostituito da John Picard al violino elettrico e dall’organista Fabio Cammarota.

Dopo qualche mese di attività con il nuovo assetto (Caia, gli Stogel, Cammarota e Picard) però anche i Free Love devono separarsi temporaneamente per impegni privati: John e Fabio per sostenere gli esami di diploma di violino e Carl (che nel frattempo aveva cominciato anch’egli a collaborare con la nuova Macchina) per un viaggio in America.

A quel punto, e siamo circa nei primi mesi del 1972, Gianni Caia e Steve Stogel rimasti discoccupati, raggiungono Sabadini nella nuova Macchina che finalmente acquisisce un’identità stabile (Caia, gli Stogel, Sabadini e Montaldo) e parte in tournèe con Mia Martini.
Nel mese di febbraio però, un destino crudele spezzerà la loro carriera.

Ricorda così, il chitarrista dei Libra Nicola di Staso in un'intervista ad Augusto Croce del 2008:
"Ero amico di Gianni Caia, lavorava in un negozio di dischi a via Galli[...] Quando successe la disgrazia stavano suonando con Mia Martini. […] Tornando la notte stessa da una serata nel Sud Italia per poter assistere ad un concerto di un gruppo inglese a Roma - me lo ha raccontato il loro autista del furgone che conoscevo -, un colpo di sonno e.... morirono Gianni e Steve […]. Una vera tragedia."

In sintesi, la cronaca dell'epoca riportò invece così l’incidente:
“Gianni Caia, 20 anni e Steve Stogel 23, sono morti sull’autostrada Salerno-Reggio Calabria nello scontro tra il loro pullmino e un autocarro. Gli altri due, Stefano Sabatini (18 anni) e Mauro Montaldo (20) sono ricoverati in gravi condizioni all’ospedale di Salerno. I quattro giovani provenivano da Siracusa dove sul loro Ford Transit erano diretti a Milano e a Torino dove erano stati ingaggiati per alcune serate. Nelle vicinanze di Salerno verso le 23, il Transit ha tamponato violentemente l’autocarro che lo precedeva".

Gianni e Steve morirono sul colpo mentre Mauro e Stefano vennero soccorsi dall’autista dell’autocarro Emilio Panfili e portati all’ospedale di Salerno grazie a auto di passaggio. Per Stefano i medici si riservarono la prognosi e al momento il solo Mauro venne dichiarato guaribile in 40 giorni.

Questo è quanto ci è dato di sapere su quel terribile evento.

Non molto tempo dopo, venne organizzato un concerto al Piper per ricordare gli amici scomparsi ed aiutare economicamente le loro famiglie: in particolare la mamma di Gianni, all'epoca in stato di grave difficoltà econimica.

E chiaro che ricomporsi in un momento del genere non fu una cosa facile, ma con grande forza d'animo Sabatini e Carl Stogel ricostruirono un gruppo per partecipare al concerto di Caracalla nell'autunno del 1972 con il batterista Giovanni Liberti e il sassofonista Stefano Cesaroni: fu l'ultima volta dei "Free Love"
I soli Liberti e Sabatini avrebbero formato i Kaleidon l'anno successivo.

L'incidente ebbe gravi ripercussioni anche su Mia Martini che da quel momento in poi, acquisì la tristemente nota patente di iettatrice. Mimì raggiungerà Gianni e Steve il 12 maggio del 1995 seguita da Carl Stogel che ci ha lasciato nell'autunno del 2004.

GRAZIE ALL'AMICO FABIO CAMMAROTA, TASTIERISTA DEI FREE LOVE, PER LE FOTO INEDITE.
GRAZIE A LAUREN PER L'AMICIZIA E PER I SUOI RICORDI