John N. Martin: I MURI DEL SUONO (Tsunami Edizioni, 2024)

I Muri del Suono è un viaggio storico ed emozionale nei luoghi che hanno rivoluzionato la musica rock,  e allo stesso tempo, un tributo a chi li ha gestiti, animati e consegnati alla leggenda. Dal CBGB di New York all'Helvete di Oslo, dalla casa dei Sex Pistols in Denmark Street all'Haçienda di Manchester, dalla Swinging London alla tumultuosa magia degli anni Ottanta.   In sostanza: la straordinaria storia di ben 23 location che, in poco meno di mezzo secolo,  hanno sconvolto non solo il modo di fare, produrre e proporre musica, ma LE NOSTRE STESSE VITE! INSTRADANDOCI VERSO LA MODERNITÀ, PROPONENDOCI ALTRI MODI DI VIVERE E SPINGENDOCI VERSO NUOVE E STRAORDINARIE immaginazioni. Un saggio rock come non lo avete mai letto, e che spero D I V O R E R E T E dalla prima all'ultima pagina. Garantisce TSUNAMI EDIZIONI BUONA LETTURA, JJ

DI COSA PARLA "I MURI DEL SUONO"?

I "Muri del Suono" è un viaggio nei luoghi che hanno rivoluzionato la musica rock, e allo stesso tempo un omaggio a coloro che li hanno gestiti, animati e consegnati alla leggenda. In  tutto ventitré location, che ho contestualizzato cercando di capire come e perché avessero trasformato non solo la musica contemporanea, ma anche il nostro modo di vivere.

IN CHE ANNI É AMBIENTATO "I MURI DEL SUONO"?

Il racconto inizia nel 1954 nel tempio massonico in cui fu registrata la prima hit di rock'n'roll (la celeberrima Rock Around The Clock), e termina quarant'anni dopo in una piccola tavola calda sulla Broadway che - pur involontariamente - contribuì alla nascita del Mp3 e dell'era digitale moderna.

COME TI É VENUTA L'IDEA DI SCRIVERE QUESTO LIBRO?

É un progetto nato nel 2020, quando mi chiesi cosa avrei voluto fare dopo Gast(rock)nomìa. L'idea era sempre quella di contaminare il rock con altri elementi del nostro vissuto, e fu allora che mi accorsi di non aver mai scritto nulla su ciò realmente amavo, e su cui mi sono pure laureato. Ovvero: i luoghi, le architetture, i rapporti tra le città e le persone, e come queste reagiscono ai mutamenti. "Urbanistica sociale" la chiamano gli architetti. Mi sono sentito in dovere di rimediare, e così nacque "I Muri del Suono".

PERCHÉ QUESTO TITOLO?

Pensavo alle mura che racchiudessero uno spazio caratterizzato dalla musica, con particolare riferimento a quelle delle antiche città romane che erano considerate sacre, ma anche alla geniale tecnica di registrazione inventata nel 1963 da Phil Spector - il cosiddetto "Wall Of Sound", - che non solo portò al successo superclassici quali Be My Baby delle Ronettes (quello del film "Dirty Dancing") e River Deep Mountain High di Ike & Tina Turner,  ma fu emulata da una marea di altri artisti tra cui Beach Boys, Ramones, John Lennon, Bruce Springsteen, i Rolling Stones, e persino gli ABBA di Dancing Queen.

COME HAI SCELTO LE LOCATION DI CUI PARLI NEL LIBRO?

In linea di massima ho stabilito prima quali fossero stati gli episodi più significativi dell'evoluzione del rock, e poi li ho analizzati a partire dal loro epicentro fisico e sociale. In altri casi mi sono lasciato guidare dal cuore, e ho raccontato quelle location che intercettarono e sostennero un cambiamento anziché provocarlo, ma non per questo furono meno importanti in termini di vitalità, empatia e coraggio.

COM'É STATA SCELTA LA COPERTINA?

La copertina è opera del solo Genius (Eugenio di Tsunami Edizioni ndr.) che, dopo una furibonda riunione editoriale, ha preferito l'intelligenza artificiale a quella mia e di Max. E visto il risultato, penso che abbia fatto bene.

UNA CURIOSITÀ. TU OVVIAMENTE NON SARAI STATO IN TUTTI I LUOGHI DESCRITTI NEL LIBRO. PER CUI, SU COSA TI SEI BASATO PER PARLARE DI QUELLI CHE NON HAI MAI VISTO?

Allora, fisicamente ho visitato circa la metà dei luoghi menzionati nel libro. Ad esempio a Londra, Oslo, Berlino, Reims, Salvador e ovviamente a Milano. Per il resto mi sono basato rigorosamente su documenti attendibili e testimonianze partecipate.

E IN QUESTO SENSO, LA RETE TI É STATA UTILE?

Utilissima. Pensa solo alle emeroteche digitali, in cui - per esempio - artisti come Woody e Steina Vasulka (pionieri della video-art) hanno messo in rete tutti i loro archivi. Si consideri però, che per scrivere un saggio, le sole informazioni non bastano. Bisogna contestualizzarle, e per riuscirci occorre aver fatto un percorso. Altrimenti si rischia di fare delle nozionistica o di ripetere cose già dette.

HAI FATTO DEI VIDEO DI PRESENTAZIONE DI QUASI TUTTI I CAPITOLI DEL LIBRO, VERO? DOVE SI POSSONO VEDERE?

Si, ho realizzato delle mini-clip di tre/quattro minuti l'una per illustrare visualmente quasi tutti gli episodi del libro, e che verranno caricate periodicamente sul canale You Tube di di Tsunami.  Noiente a che vedere con la Pixar naturalmente (ma nemmeno l'ombra), però quanto basta per immergersi completamente nell'atmosfera del racconto. Buona lettura!

22/01/2025 - JAM TV - "I Muri del Suono" intervista di Donato Zoppo 18/01/2025 - IL MANIFESTO (Alias) - "I Luoghi del Rock" articolo di Guido Mariani 18/01/2025 - GIORNALE RADIO.FM - Pillole - "I Muri del Suono" intervista di Roberto Frangipane [podcast da 5'52"] 16/01/2025 - DOPPIO JAZZ - Jazz, il primo essenziale spartiacque intervista di Guido Michelone 10/01/2025 - IL VENERDÌ di REPUBBLICA - "Se questi muri potessero suonare" articolo di Alba Solaro 05/01/2025 - RADIOFRECCIA.IT - "Un Libro al giorno" in "Rock Morning", intervista di Tobia Dall'Olio 03/01/2025 - GIORNALE METAL.it - "I Muri del Suono" articolo di Salvatore Mazzarella 23/12/2024 - LA REPUBBLICA - "Alle Origini del Rock" articolo di Marco Castrovinci 19/12/2024 - RADIO LOMBARDIA, Milano - LINEA ROCK - Speciale "I Muri del Suono" con Mox Cristadoro [podcast] 13/12/2024 - ROCK TARGATO ITALIA - Comunicato Stampa di Francesco Caprini 04/12/2024 - RADIO BANDITO, Torino - FEEDBACK #32 Intervista di Fabio Giacomini [podcast] 18/11/2024 - TRUE METAL - presentazione di Stefano Ricetti 21/09/2024 - METAL SKUNK - Un Sabbath italiano: Epilogo. intervista di Lorenzo Centini

00 - INTRO [0.33]   01 - PYTHIAN TEMPLE (New York) [3.04]   02 - PALAZZO DEL GHIACCIO (MIlano) [3.26]   03 - RADIO CAROLINE (offshore England) [4.21]   04 - GRANDE BALLROOM (Detroit, USA) [3.53]   05 - PARADISO (Amsterdam, NL) [3.50]   06 - TEATRO CASTRO ALVES [3.21]   08 - MERCER ARTS CENTER [4.00]   10 - TRENCH TOWN [3.56]   12 - CBGB [3.32]	15 - DENMARK STREET [04.01]   15a - L'IMPORTANZA DI CHIAMARSI PUNK [3.02]   17 - EINSEGNGRAU [3.34]   18 - WORKERS INDOOR ARENA [4.38]   21 - HELVETE [3.41]   22 - FAC 51 - THE HACIENDA [4.23]   23 - TOM'S RESTAURANT

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Intervista a Gianni Bianco dei CIRCUS 2000

UN CARO RICORDO DI GIANNI BIANCO, PERSONA SOLARE E  INDIMENTICABILE CHE HO CONOSCIUTO, E NON DIMENTICHERÒ MAI. IL MIGLIOR ROCK ITALIANO PORTA ANCHE LA SUA FIRMA. CIAO CARO GIANNI. SII FELICE, SEMPRE!

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 Marzo 2019 - IN ESCLUSIVA PER CLASSIC ROCK:  INTERVISTA  A GIANNI BIANCO, L'INDEMONIATO BASSISTA CHE HA CARATTERIZZATO CON SILVANA ALIOTTA IL SOUND DEI MITICI CIRCUS 2000. A LUI E A TUTTI I CIRCUS VA IL NOSTRO PIU' GRANDE E SINCERO ABBRACCIO!

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J.J.: Caro Gianni, innanzitutto grazie mille per la tua disponibilità. Comincerei col chiederti come sono nati i Circus 2000?

 GB: Suonavo in un gruppo storico di Torino, I Kobra col quale avevo vinto un concorso cittadino e il concorso Davoli regionale ottenendo una certa popolarità.
Quando il gruppo si sciolse, un mio compagno di scuola mi disse che suo zio Johnny Betti, ottimo jazzista, cercava dei giovani musicisti per formare un gruppo rock. La cosa mi stupì un poco ma accettai quando seppi che era più vecchio di me solo di pochi anni.Johnny mi chiese se conoscevo un bravo chitarrista ed io gli presentai Marcello Quartarone che suonava con me nell'ultima formazione dei Kobra ed era già un fervido compositore.
Chiamammo il trio Genius e facemmo esperienze bellissime con vari musicisti che andavano e venivano tra cui i sassofonisti Guido Scategni, Eddy Busnello (lo puoi sentire nel primo disco degli Area), un fantastico organista californiano Dennis Kaufmann (quando si dice il caso) ed i cantanti Mario T. ed il grande Pierfranco Colonna.

Suonammo di tutto da Hendrix a Otis Redding, dai Cream a J. Cocker, ai Vanilla Fudge e BS&T e a un certo punto decidemmo che era ora di fare sul serio. Pensai a Silvana Aliotta che avevo sentito cantare tempo prima senza più dimenticarla.
Così ci mettemmo al lavoro ed io proposi il nome Circus 2000 ed il canto in inglese e non tanto per spacciarsi come stranieri, ma per avere un sound migliore e perchè poteva aprire porte chiuse, come è poi successo.

Nel primo LP il batterista Johnny Betti compose "I am the witch" e Marcello il resto.
Il testo di "Try to live" è scritto da me,così come tutti i testi di "An escape..." ed il brano "Hey man".
Tutti gli altri brani sono di Marcello e qualcosa è improvvisato in studio. Tutti hanno contribuito attivamente, con fantasia, agli arrangiamenti.
Non essendo iscritti alla Siae non firmammo i pezzi e stiamo ancora aspettando i soldi, comprese le royalties! Bello vero?
Se penso che i nostri CD sono stati venduti un pò in tutto il mondo...


J.J.: Già... infatti siete stati praticamente tra i primi a portare avanti un certo discorso Pop (inteso come Pop italiano ndr), ancora prima del Progressive. Ma dimmi, questa "voglia di novità" era premeditata o vi veniva, per così dire, "spontaneo trasgredire"?

 GB: La seconda che hai detto. E poi, scusa, ma non trovo adeguato il termine Pop. Come afferma Vernon Joynson, autore del libro "The flashback", noi appartenevamo al genere Psych Progressive. .. se proprio vogliamo stabilire un genere...

J.J.: E poi come siete approdati alla Ri-Fi?

GB: Alla RiFi ci presentò il nostro impresario attraverso un'audizione. Le difficoltà vennero dopo per arrivare ad incidere "An escape...", ritenuto troppo "osè".
Tra l'altro il contratto prevedeva anche un terzo LP che la RiFI non volle più fare e registrò solo qualche 45 in italiano con Silvana.
Si sono liberati di noi e sono stati tutti contenti,credo.


J.J.: Alla faccia della gratitudine...
Dimmi Gianni, come mai questa impostazione così "californiana" del primo album?

 GB: Non saprei... a quel tempo avevamo pochissimi dischi e quasi tutta roba inglese, o R&B o Jazz... per di più passavamo le sere libere allo Swing Club di Torino ad imparare dai grandi jazzisti che passavano di là.
Una cosa è certa però: a quel tempo la Psych Generation era come se fosse in contatto telepatico. Noi suonavamo l'onda e l'onda suonava attraverso noi.

J.J.: E quando andavate in giro, che riscontro avevate?

GB: Buono. Nessuna diffidenza e a parte i soliti provocatori che potevi incontrare qua e là: per esempio partecipammo all'11° Cantagiro e quando arrivammo a Perugia salendo un viale, certi "goliardi" bombardarono il corteo dall'alto con una sostanza marrone che non era cioccolato!
Tutti quelli davanti a noi (15) furono colpiti, ma il nostro furgone non fu neanche sfiorato e dietro non so chi si salvò! Grazie ragazzi!
Comunque a parte alcuni episodi sporadici era tutto OK..

J.J.: Gianni, cosa ha provocato svolta "Prog" del secondo album? Vi siete adeguati all'aria che tirava, sentivate che finalmente c'era più spazio per delle idee nuove o cos'altro?

 GB: Era semplicemente nell'aria... un' evoluzione naturale.
Hai mai sentito Ummagumma dei Pink Floyd? Era del '69, ma se noi avessimo proposto qualcosa di simile in Italia nel '69/'70 ci avrebbero fucilato!
Comunque lo spazio dovevi prendertelo rischiando tutto. E così abbiamo fatto.

J.J.: Com'è andata questa "seconda fase" rispetto alla prima? 

GB: Per noi sempre meglio, anche se cambiare tanti batteristi mi ha creato qualche difficoltà. Comunque sono stato fortunato, erano tutti bravissimi e sensibili e mi hanno aiutato a crescere.
Le serate però sono diminuite un pò perchè il genere si faceva più impegnativo e forse era insufficente la promozione.
Per fortuna la TV, il Cantagiro, la vittoria al secondo Festival delle nuove tendenze e Controcanzonissima '72, ci hanno portato molta popolarità e rispetto. 

J.J.: A proposito di Festival Pop , che aria tirava? 

GB: In genere sempre buona, bastava essere in forma e suonare con tutta l'anima.
L'aria era: "siamo tutti qui con un solo desiderio stare in pace e trascorrere una bella ed indimenticabile giornata". Vorrei poterli abbracciare tutti in un colpo solo. Dovunque siano,vorrei ringraziarli di aver lasciato un segno e tante buone vibrazioni nei vari festival d'Italia.

J.J.: Frequentavate altri gruppi... anche politici voglio dire?

 GB: Musicalmente frequentavamo solo i gruppi di Torino, a cui rivolgo un caro saluto.
Avevamo però molta stima per molti gruppi italiani, citerò gli Area per tutti.
Politicamente invece no! Come dissi a suo tempo ad un intellettuale: "i musicisti non hanno bisogno di politicizzarsi perchè la musica è politica!"
Bisogna saper ascoltare.

J.J.: Che ruolo pensi abbiano avuto i Circus 2000 nella musica italiana?

 GB: Quello di un rompighiaccio, anche se il ghiaccio si è poi ricompattato.
Il primo LP in inglese di un complesso italiano e venduto bene anche all'estero, in fin dei conti... l'abbiamo fatto noi... forse?!

J.J.: ... sono stati allora "anni meravigliosi" come dicono in molti?

GB: Si, sono della stessa opinione,peccato che "qualcuno" abbia lavorato a tutti i livelli per rovinare tutto, e alla fine c'è riuscito. Del resto quell'onda non piaceva nè all'est nè all'ovest...
... solo l'amore salverà il mondo!.

J.J.: ... due aneddoti per chiudere in bellezza...

GB: Dunque... il primo. La stella a 5 punte rovesciata,sulla copertina di "An escape...", non è stata una nostra idea. No satanists here!
E infine, sempre sullo stesso disco, l'assolo di voce di Silvana che sembra un nastro "al contrario" in realtà è stato cantato proprio così, sorprendendo tutti.

Battiato: Foetus (1974, pubb. 1999)

 Verso la fine del 1973, la casa discografica Island Records con sede nel cuore di Londra, era un vulcano in eruzione. 

In ottobre aveva pubblicato INSIDE OUT di John Martyn, a tutti gli effetti il suo disco più raffinato, BURNIN’ di Bob Marley, la cui Get Up Stand Up, fu insignita del disco d’argento e, poco dopo, l’eccellente STRANDED dei Roxy Music che raggiunse il primo posto delle classifiche inglesi. 

E nei primi mesi del 1974, fu la volta di Seven Deadly Films, il primo singolo di Brian Eno. Ancora un po’ acerbo invero, ma comunque sia, l'esordio di colui che ancora oggi viene considerato uno dei massimi innovatori del rock. 

 

Una serie di soddisfazioni notevoli quindi, per la label dell’allora trentaseienne Chris Blackwell, che non solo gli valsero una valanga di encomi, ma lo spinsero a cercare ulteriori talenti. 

Cosa che fece, e tra coloro che approdarono alla sua corte, (The Sparks, Bryn Haworth, Ronnie Lane e il mitico jazzista Georgie Fame), ci fu anche il nostro Franco Battiato, all’epoca fresco di Sulle Corde Di Aries. 

In Inghilterra un perfetto sconosciuto, ma che con le sue sperimentazioni aveva conquistato il cuore del boss di Notting Hill. 

E anche se il collega Giordano Casiraghi, sostenne che Battiato avesse già tenuto un concerto in terra d’oltremanica, precisamente a il Coventry il 13 settembre 1973, pubblicizzato, come “… an artist from Europe (Italy). Featuring vanguard Music Moog Synthesizer", si trattò sicuramente un evento sporadico. 

Invece, il buon Chris Blackwell, che aveva già ascoltato tutta la sua produzione, ed era rimasto affascinato particolarmente da FETUS, aveva per lui dei piani molto circostanziati e a lungo termine: un disco subito, e una prima tournee di sedici date ad altissimo livello tecnologico, e a fianco di tre monoliti dell’avanguardia cosmica: Magma, Ash Ra Tempel e Stomu Yamash’ta.

 

Un tour straordinario  in cui il nostro avrebbe utilizzato “nove casse ad alta fedeltà comandate da una sofisticata centralina elettronica” (tipo l’azimut dei Pink Floyd), e avrebbe esplorato nuove e fantastiche sensazioni.

Prima mossa quindi, e siamo all’inizio del 1974: registrare la versione inglese di FETUS (cosa che avvenne presso gli Island Studios di Basing Street.), pubblicarla, e infine promuoverla non appena Franco avesse terminato le registrazioni del suo nuovo album CLIC. 

Un planning perfetto quindi, peccato che andò tutto a scatafascio.

Perché, se le basi di  FOETUS (questo il titolo della versione inglese) non diedero problemi, trattandosì perlopiù di quelle italiane leggermente rimaneggiate, la voce e i testi presentarono delle criticità macroscopiche.

Una pronuncia aberrante innanzitutto, e dei testi tradotti talmente alla lettera che neppure con tutta la buona volontà sarebbe stato possibile definire accettabili. 

E questo perché, se da un lato la rigidità della traduzione aveva prodotto un inglese irreale, in fase di trasposizione  si perse anche tutta quella raffinata fluidità fonetica che connotava invece i testi italiani. 

 Così, la splendida intro di Energia, 

 “Ho avuto molte donne in vita mia /  e in ogni camera ho lasciato qualche mia energia”, 

diventava un’orrenda e impronunciabile 

 “I bought a lot of women in my life / On all the beds I left a lot of sweat”, 

 mentre il cuore concettuale del brano 

 “Se un figlio si accorgesse che per caso /

è nato fra migliaia di occasioni / 

capirebbe tutti i sogni che la vita dà / con gioia ne vivrebbe tutte quante le illusioni.” 

venne massacrato in 

“If a child undesrstood that by chance / 

it is born a chance in a million / 

he would understand all the dreams that life offers / 

 he would live each illusion full of life, full of confusion”. 

Non oso neppure immaginare cosa pensò Chris Blackwell quando ascoltò quei provini da lui tanto agognati, ma di certo gli bastò per mettere una pietra sopra il progetto FOETUS, e non volerne parlare mai più. 

Per sostituirlo si inventò una versione ibrida di CLIC che vide la luce verso fine anno, e il 13 febbraio 1975, Battiato partì finalmente per  il sospirato tour inglese. 

Anzi, il “disastroso” tour inglese, come lo definì lui stesso. 

Pubblico ubriaco che lo scambiava per un tecnico di sala, gradimento a fasi alterne, e peggio che mai, un grave incidente d’auto che, dopo il concerto del 23 febbraio alla Roundhouse di Londra, lo costrinse a rimpatriare anzitempo.

Saltarono così tutte le undici date con Stomu Yamash’ta, l’Inghilterra rimase un brutto ricordo, la sua lingua anche, e a giudicare dalla versione inglese della hit Up Patriots To Arms (circa 1980) non mi sembra che Franco abbia fatto molto per migliorarsi.

O forse, non gli interessava neanche...

Lucio Battisti: Images (1977) Premessa. Gli italiani e l'inglese.

L’Italia - come sappiamo - ha sempre avuto un'attrazione speciale per l'America. Per effetto di quel Piano Marshall che le permise di rialzarsi dopo la seconda guerra mondiale, per quel suo mercato sempre debordante di dollari e di opportunità, ma anche per la straordinaria seduttività dei suoi miti. Sia quelli innocui, che quelli che cambiarono il mondo. 

Questo interesse, dicevo, iniziò nel 1945, subito dopo la liberazione, quando conoscemmo i chewing gum, le Camel e la Coca Cola, proseguì lungo gli anni Cinquanta con l'arrivo del Rock'n'Roll, e si consolidò negli anni Sessanta con il contributo decisivo della british invasion e della swinging London. 

Erano tempi in cui atteggiarsi ad angloamericano faceva figo, piazzare una hit negli States o in Inghilterra significava entrare nella leggenda, e anche se qualche superstar d'oltremanica si cimentò con la nostra lingua (ricordiamo Stevie Wonder, David Bowie e Sandy Shaw), il trend rimase sempre a senso unico. Eravamo sempre noi a imitare gli inglesi, mai viceversa. E del resto, con un patrimonio conflittuale ridotto al minimo e abbarbicati come cozze al melodico ottocentesco, cos'altro avremmo potuto fare? Nulla. 

Ci convincemmo così che l'inglese poteva davvero nobilitarci, tentammo in tutti i modi di dimostrarlo e infatti, almeno la metà del nostro beat fu composta da brani tradotti. Alcuni bellissimi come Ragazzo di Strada dei Corvi, o Per vivere insieme dei Quelli (rispettivamente I Ain't No Miracle Worker dei Brogues, e Happy Together dei Turtles), altri meno come Corri Uomo, Corri, dei Giganti, versione italiana di Space Oddity. 

Malgrado gli obbrobri però, i successi prevalsero.

Economicamente, italianizzare le canzoni rendeva e conveniva, a volte gli ascoltatori non si rendevano nemmeno conto che certi brani fossero delle cover, e il fenomeno proseguì anche nel decennio del grande rock, del pop e del cantautorato. Gli anni Settanta.

E se nessuno pensò mai di tradurre Whole Lotta Love, Smoke on the Water o The Musical Box, il virus albio-americano contagiò nuovamente tutti i protagonisti del nostro panorama musicale. Ma qui cominciarono i problemi. 

Perché, se negli Sessanta l'Italia era ancora molto ingenua in fatto di lingue straniere, per cui molte imperfezioni passavano in secondo piano, la proliferazione delle radio indipendenti, la massiccia diffusione delle hit d'oltreoceano e d'oltremanica, e una maggiore attenzione del pubblico per certi dettagli (testi, immagine, contenuti, slang, pronuncia ecc), resero i nostri limiti tragicamente evidenti. 

E non parlo di artisti quali Stratos, Finardi, Tofani, Branduardi, Sorrenti, De Scalzi o Lanzetti che l'inglese lo sapevano e  lo parlavano alla perfezione, ma di coloro che vollero cimentarsi per moda o per forza con una lingua che proprio non faceva per loro. 

Per esempio, il Rovescio della Medaglia, il cui album Contamination fu – credo - tra i punti più bassi delle nostre produzioni in lingua (al punto che molte parti corali, diciamo così, un po’ "borgatare" vennero stemperate da tonnellate di riverbero), Il Balletto di Bronzo, la cui versione albionica di YS lasciò molto a desiderare, e gli Osanna i cui tre brani in inglese del loro primo album accusavano una sintassi molto migliorabile

E infine, gli Alluminogeni la cui Cry for me (= L'alba di Bremit) fu giustamente ritenuta dalla stampa specializzata, "a pitiful exercise". Mi riprometto di chiedere dettagli al mio amico Patrizio.

Tra i cantautori / solisti invece, ci fu Edoardo Bennato, che rilesse in anglo-partenopeo l’originale e stupenda Cantautore, Ivano Fossati che con un flow un po' cementato cantò le sue  Where Is Paradise e Harvest Moon in Indiana Goodbye, e il compianto Franco Battiato, il cui inglese davvero aberrante tolse a Foetus qualunque speranza di essere pubblicato.

E se quelli che ho ascoltato personalmente erano veramente dei provini di un De Andre’ d'oltremanica, allora è davvero meglio che siano rimasti inediti. 

Negli anni Settanta però, tutti i riflettori erano puntati su Lucio Battisti, al punto che qualunque cosa dicesse, facesse o cantasse, sollevava un polverone mediatico senza precedenti. 

E questo accadde anche con Images, il suo primo e unico album in inglese. Un disco che ebbe una gestazione difficile, che gli procurò più dolori che gioie, e che (forse) sarebbe stato meglio abortire in tempo. 

A risentirci nella seconda parte.

1971-1973 - Woodstock in Brianza. Il post di Mary Nowhere.

 

C'è stato un periodo della nostra storia in cui la Brianza, quindici anni prima di diventare la culla del neonazismo lombardo-veneto (per usare un'espressione di Franco "Bifo" Berardi), ospitò il fior fiore dell'alternativa italiana.

Più specificatamente, le prime tre edizioni del RE NUDO POP FESTIVAL a Ballabio (1971), a Zerbo (1972)  e all'Alpe del Vicerè (1973), che davanti a migliaia di persone, videro esibirsi artisti mitici e seminali del prog quali Area, Duello Madre, Garybaldi, Nuova Idea, Banco, Dedalus,  Battiato e Aktuala.

 Due anni fa, la blogger Mary Nowhere ne ha stilato un dettagliato ricordo, sia dal punto di vista geografico che da quello emozionale, che oggi vi consiglierei davvero di leggere.

Per arricchire la vostra sensibilità, per fare tesoro dei sogni passati, e per spingervi ancora verso nuove immaginazioni.

New Trolls: Ut (1972)

Se non fosse per l'imminente ciclone che di lì a poco avrebbe devastato lo storico gruppo genovese, potremmo definire il loro quinto ellepì "Ut", uno dei meglio riusciti della loro produzione.
Purtroppo però, tutte le meraviglie che appaiono in quest'album si presenteranno all'ascoltatore quasi a comporre un epitaffio la cui stesura era già iniziata da qualche tempo.
 
Vittorio de Scalzi per esempio, dopo un momentaneo abbandono del gruppo decide definitivamente di rinunciare al suo storico ruolo di autore e di comparire solo come chitarrista, lasciando quindi carta bianca a Di Palo, Belleno, Laugelli e Maurizio Salvi, già collaboratore del gruppo all'epoca del singolo "Una Storia". Per inciso, il brano di Sergio Endrigo che i new Trolls portarono a Sanremo nel 1971 perché gli Alluminogeni si rifiutarono di farlo! "Non volevamo far perdere Endrigo", mi confidò personalmente Patrizio Alluminio. E aveva ragione.)

Malgrado gli attriti comunque, il sound che esce da "Ut" è sorprendentemente variegato e brillante quasi come se il gruppo, già conscio del suo futuro, volesse rilassarsi senza calcare troppo la mano sulle implicazioni della loro imminente separazione.
Già dal titolo (Ut è l'antico nome della nota "Do"), si capisce che la band voglia concentrarsi solo sulla musica: intenzione che nella pratica sarà mantenuta restituendo in otto brani tutte le sfaccettature musicali appannaggio dei musicisti.
Si comincia con una rielaborazione di Salvi di uno studio per piano di Johann Baptist Cramer per entrare senza soluzione di continuità in un breve ma infuocato prog-rock di marcato sapore fusion ("XII Strada").
 
Fin qui, la coesione della band è probabilmente la migliore che si possa ascoltare da "Concerto grosso" e la successiva prog-song, "I cavalieri del Lago d'Ontario" (testi: Laugelli, voce: Di Palo), non è solo una conferma di questo evidente stato di grazia, ma supera addirittura ogni aspettativa restituendo uno dei migliori brani in assoluto del quintetto.
Ancora una volta, viene da chiedersi come una formazione del genere stesse per dividersi.
 
Se "Storia di una foglia" e "Nato adesso" rispecchiano rispettivamente le due anime contrapposte di De Scalzi e Di Palo, riportando il disco su una dimensione più soffice, la dignitosa "Nato adesso" ci catapulta nella seconda perla di questo disco,"C'è troppa guerra," che è di fatto un micidiale cocktail di hard-rock e unplugged a mezza via tra le cose migliori dei Led Zeppelin e dei Black Sabbath.
 
In dieci minuti di compattezza granitica i New Trolls mettono in riga tutte le altre formazioni che si sono cimentate nell'hard, o che avrebbero appena voluto imitarli. Personalmente, trovo che in questo brano la voce di Di Palo raggiunga uno dei suoi massimi vertici espressivi.
Con grande raffinatezza segue poi una ballata pop soft di stampo "estivo" ("Paolo e Francesca"), nobilitata da un particolarissimo assolo di chitarra ma complessivamente non proprio imprescindibile.
Chiude l'album la struggente "Chi mi può capire" che completa il vasto catalogo di umori che hanno attraversato il long playing e che, insieme ai "Cavalieri del lago di Ontario", si contende il titolo di miglior brano di Ut.

Sulle ultime malinconiche note di pianoforte, calèrà infine il sipario sulla prima grande epopea dei New Trolls.
In poco meno di sei mesi De Scalzi abbandonerà definitivamente gli altri per dar vita a una sua casa discografica (la "Magma") e costituire con D'Adamo gli NTAtomic System.
 
Di Palo formerà gli gli Ibis con Belleno, il quale a sua volta fonderà successivamente i Tritons.
Infine, nel 1976, proprio grazie a Gianni Belleno, nel frattempo tornato con De Scalzi, il gruppo originale si ricompatterà ma con obiettivi più votati al commerciale. Musica di classe s'intende, ma pur sempre Pop.

Malgrado la vacillante situazione del gruppo, "Ut" vendette piuttosto bene, al punto che furono in molti a caldeggiare i due leaders di restare insieme. La stroria però era già scritta.
Data la vastità di inputs e di riferimenti, la critica fu ovviamente divisa sul suo effettivo valore.
Da un lato c'è chi lo considerò un collage non particolarmente innovativo e neppure troppo omogeneo, per non dire "discontinuo e inconcludente", dall'altro non furono in pochi a considerarlo un disco quasi miracoloso (considerando la situazione) e di gran lunga superiore ai precedenti Concerto Grosso e Searching for a land.
In questo caso probabilmente la verità sta nel mezzo e, personalmente, amo pensare a questo disco come un valido compendio delle capacità della band che perlomeno, premiò una una breve ma ritrovata conflittualità.

Maurizio Fabrizio: Movimenti nel cielo (1978)

Siamo nel 1978, e ci sono due o tre caratteristiche peculiari che distinguono questo secondo Lp del polistrumentista milanese Maurizio Fabrizio (all'epoca arrangiatore di Angelo Branduardi), da tutta la vecchia scuola rock, fusion e progressive italiana. 

Innanzitutto, l'impressionante levigatezza dell'esecuzione. Sound e struttura perfetti, non una nota fuori posto, abbellimenti e contrappunti che surgelano il pentagramma con precisione chirurgica, e una resa acustica pari una demo della Deutsche Grammophon. 

In più, un'ortodossia tecnica e produttiva talmente calcolata, da escludere non solo qualunque immaginazione, ma da renderla persino superflua.

L'esatto opposto insomma, di ciò che accadeva nel rock progressivo italiano e nelle sue digressioni jazz (Baricentro, Arti e mestieri, Living Life, Bella Band ecc.), là dove la musica evocava sensazioni e panorami arcani e cangianti, ed anche le imperfezioni avevano un loro senso. Quello di ricordarci che siamo pur sempre esseri umani, e la comunicazione passa anche attraverso gli sbagli, gli imprevisti e l'improvvisazione. 

Un po' come quelle geniali trovate in fase di registrazione che nel biennio Sessanta/Settanta venivano considerate, se non proprio irrinunciabili, perlomeno "caratteristiche": i nastri al contrario, gli altoparlanti tagliati, i chiodi sul rullante, le voci impreviste come la risata di Syd Barrett, e via dicendo. 

In "Movimenti nel Cielo" invece, è tutto perfettamente dosato, cesellato e servito. Come la title track che avrebbe potuto essere stata composta indifferentemente da Vangelis, da Barry Gray o da John Williams. Oppure quella "Sputnik Suite" che, infarcita di tecnicismi sino al midollo, sembra volersi dare un'importanza che in realtà non ha, né rivestirebbe altrove.

 Sopravvive si, qualche sapore antico, come in quella Movenze degli Anelli di Saturno che a tratti ricorda lo storico assolo di Keith Emerson in Stones of Years, ma più si procede nell'ascolto (Episodio Lunare), e più si ha l'impressione di trovarsi nell'aula di un conservatorio. Sensazione piacevole per uno studente, ma non per chi, dopo anni di beat, mod e rock, confidava ancora nel punk per resistere a una società sempre più divisiva. 

Così, una volta concluso l'ascolto, "Movimenti nel Cielo" appare un'opera inesorabilmente divisiva: troppo classica per essere pop, e troppo pop per essere classica. Per nulla convincente quando cerca di enfatizzare le parti più ritmate, facendole assomigliare a dei brani da discoteca (del resto, siamo o non siamo in piena era disco?), e persino verbosa là dove certe sovraincisioni la fanno sembrare un outtake di Mike Oldfield. 

Ma non vorrei sembrarvi troppo severo. 

Siamo pur sempre al cospetto di un arrangiatore eccezionale (e si sente!), dell'Orchestra della Scala di Milano, e di musicisti venuti dal prog come Franco Di Sabatino che militò nel Rovescio Della medaglia a partire dal 1973, e il bassista Gigi Cappellotto che suonò invece nel primo album di Fossati e nel Disco Dell'Angoscia per l'Ultima Spiaggia. Musicisti che non solo fanno ciò che vogliono coi loro strumenti, ma che, se ispirati, trasformano certe partiture in capolavori. 

Come la prima parte de Il Sole, che senza mezzi temini impreziosisce tutto l'album, e ne dimostra il reale valore malgrado le osservazioni di chi ha sempre preferito una musica più libera e spontanea.

Vittoria Lo Turco (Fiamma dello Spirito) 1937-2024

 Il 17 giugno 2024 è mancata all'affetto dei suoi cari e di tutti noi,

Vittorina Lo Turco, in arte Fiamma dello Spirito. 

Un mio abbraccio personale a coloro che le hanno voluto bene,

in particolare a suo nipote Diego, e ai suoi figli Flavio e Fiammetta.

Buon viaggio, nostra dolcissima strega.

Alphataurus: Alphataurus (1973)

Il quintetto degli Alphataurus (nome astronomico della prima stella della costellazione del Toro nota anche come “Aldebaran”) si forma a Milano nel 1970 dall’unione del tastierista Pietro Pellegrini con il cantante Michele Bavaro, il chitarrista Guido Wasserman, Alfonso Oliva al basso e Giorgio Santandrea alla batteria.

Malgrado un'intensa attività dal vivo tra cui il Davoli Pop e il Palermo Pop del 1972, la band non riesce a trovare un contratto discografico.

Fortunatamente però, al festival Pop di Palermo Vittorio De Scalzi, fresco dello scioglimento dei primi New Trolls e colpito dal sound e dal livello tecnico del gruppo, lo invita ad inaugurare la neonata etichetta “Magma”, fondata insieme al fratello Aldo.

Nasce così “Alphataurus”, un trentatrè giri destinato a entrare nella storia non tanto per il suo impatto commerciale che fu molto modesto, quanto per le unanimi lodi della critica specializzata che lo riterrà uno dei migliori dischi di Prog Italiano di tutti i tempi.
Per esempio, l’amico Augusto Croce lo definirà un “capolavoro”, il duo Gaboli e Ottone gli assegnerà cinque stelle su cinque, e Progarchives giudicherà il materiale “impressionante per qualità e maturità”.

Giudizi questi che premiano non solo l'effettiva qualità del risultato finale, ma anche la sua impegnativa gestazione che vide la band provare i brani molto a lungo, trattenendosi in studio anche per 6 ore consecutive. Tempo che le consentì di incidere incidere rapidamente tutte le basi, e impiegare il tempo residuo a perfezionare i suoni, aggiungere le sovraincisioni e mixare il tutto.
In questo senso, si pensi che tutti i suoni di archi e ottoni del brano "Croma" furono ottenuti sovrapponendo i suoni di un solo Minimoog. (fonte: www.alphataurus.it)

Registrato agli Studi SAAR Records e Sax Records di Milano (questi ultimi utilizzati solo per il brano "Dopo l'uragano", curato dal tecnico Enzo De Rosa), il disco si presenta con una splendida cover apribile in tre parti, opera del pittore brianzolo Adriano Marangoni (padre del "movimento cellulare" e già avvezzo alle copertine di dischi) che ben rappresenta i concetti portanti dell’opera: la perdita d'identità dell'uomo e i pericoli della nascente società tecnologica.

I brani, tutti firmati da Pietro Pellegrini, sono cinque di cui tre occupano la prima facciata e gli altri due la seconda per un totale standard di circa 40 minuti. Si tratta di lunghe galoppate in atmosfere differenziate con momenti che spaziano dal romantico al melodico sino ad intrufolarsi con gran classe nel pop rock (“La mente vola”) e nel sinfonico (“Croma”).
I testi, dal canto loro, vengono invece sviluppati da tutta la band insieme a Vittorio de Scalzi il quale li depositerà in Siae con lo pseudonimo di Funky.

Musicalmente, svetta l'autorevole voce del cantante Michele Bavaro, anche se a tratti leggermente più stentorea del necessario (“Dopo l’uragano”). Pur se leggermente frammentarie invece, le parti strumentali che denotano una grande classe esecutiva,  - (sicuramente accostabile a quella di altri colleghi più noti), valorizzata da una produzione tecnica che restituisce un equilibrio acustico sorprendente.

Da escludere assolutamente l'intervento dei De Scalzi nelle parti vocali, anche là dove queste lo suggerirebbero data la loro somiglianza con lo stile dei New Trolls.
Resta comunque il fatto che in molti brani quali la già citata “Dopo l’uragano”,la voce Bavaro richiami non poco quella Di Palo, cosa peraltro non infrequente all'epoca.

Perfetta l’opening track del lato cadetto “La mente vola” (9 minuti) che raggiunge un pregevole livello di composizione, arrangiamento, esecuzione e trasporto emotivo, bilanciandosi tra un testo molto spirituale e un incedere oltremodo travolgente.

Purtroppo, il numero delle copie stampate, la promozione dell'album, l’attività dal vivo e il coinvolgimento politico del gruppo, furono così tenui da circoscriverne inesorabilmente la conflittualità, e questo pur essendo nel periodo d’oro del Prog Italiano.

Forse si potrebbe anche parlare di una leggera frammentarietà del disco la cui concettualità non si espresse sempre con la dovuta scorrevolezza ma, personalmente, ho sempre avuto l’impressione che Alphataurus fosse stato invece solo un primo esperimento dei De Scalzi.
E’ vero che venne curato con tutti i santi crismi, ma è altrettanto probabile che non venne fatto alcun ragionamento riguardo al suo impatto (marketing si direbbe oggi) o su come un prodotto del genere avrebbe potuto affermarsi in un mondo fortemente ideologicizzato.

E di fatto, così Alphataurus rimase: osannato da tutti ma sostanzialmente marginale. 

Michele Bavaro ci ha lasciati il 18 maggio 2024.