SUPERONDA di Valerio Mattioli (Baldini & Castoldi, 2016)

"Avrei voluto scriverlo io” è di solito il miglior giudizio che uno scrittore da ad un libro altrui. E non solo perché ne ha apprezzato i contenuti, la scorrevolezza, e la proprietà di linguaggio, ma perché i suoi valori sono diventati per lui un nuovo modello a cui riferirsi. “Conflittualità” la chiamiamo noi analisti: ossia quando il valore di un’opera (di un'idea, di una pratica ecc.) supera i limiti di compatibilità di un sistema, e riesce a trasformarlo.

E in questo senso, tra i tanti saggi sulla storia del rock che ho avuto il piacere di leggere, Superonda. Storia segreta della musica italiana di Valerio Mattioli, merita una menzione particolare perché, a parte la solidità narrativa, ne ho invidiato la precisione storica, la competenza analitica ed anche il coraggio.

Perché, prendendo a prestito le parole di Federico Sardo su vice.com, fatta eccezione per "Ribelli con Stile" di Matteo Guarnaccia (350 pagine in corpo 10) neppure io ricordo "negli ultimi decenni, libri di questa portata critica, riassuntiva ed enciclopedica a 360 gradi, in grado di mettere un punto e di storicizzare anche per i posteri un periodo così importante".

.E infatti il libro è tutt'altro che breve. "Sembra un mammut", ha detto qualcuno, conta la bellezza di 660 pagine, è costato all'autore cinque anni di lavoro, e stando alla quarta di copertina, ci parla di 

“quelle musiche che tra 1964 e 1976 riuscirono a sviluppare linguaggi originali, in grado per una volta di proiettare la musica italiana all'estero, esercitando una sotterranea influenza sul mondo dell'elettronica, del rock alternativo, e delle musiche sperimentali”. 

Una storia che comincia quindi col rock’n’roll di Celentano, si conclude con il “tranquillo festival pop di paura” del Parco Lambro 1976, e naturalmente ingloba tutta la miglior musica italiana dal Banco a Battisti, dagli Area a Morricone, ma senza mai dimenticare quelle relazioni causa-effetto che hanno avvalorato o meno gli uni o gli altri.Ovvero, la capacità di un artista di relazionarsi alla società in cui vive, di comprenderla e di narrarla, e se parliamo di geni, di mutare il presente e modulare il futuro in base alle proprie idee.

VALERIO MATTIOLI - Foto zero.eu

Ed è così che entrando e uscendo dalla storia, tra aneddoti, rimandi, interviste e citazioni, prende vita appunto quella “superonda” che non è non è semplicemente la storia della musica pop ma della nostra cultura contemporanea. 

Perché “è impossibile parlare di musica senza relazionarsi alla società che l’ha prodotta”. Questo è un assunto che sia io che Valerio difendiamo a spada tratta e il suo libro non è che una gradevolissima conferma.

Leggendolo partirete con la procace Anita Ekberg che soccorre un giovane Celentano rovinosamente caduto cantando Ready Teddy nella Dolce Vita di Fellini. 
Poi arriveranno Berio, Morricone, Rota e Schifano che ci introdurranno alla musica per gli occhi parlandoci di cinema, psichedelia e pubblicità, mentre la terza parte, quella più lunga, entrerà finalmente nel vivo della situazione. Da quando cioè i primi Teddy Boys italiani (anno 1959 quindi) dimostrarono incontrovertibilmente che anche i ragazzi italiani avevano un'anima complessa, selvaggia e antiautoritaria, e quando iniziarono i primi grandi conflitti sociali, risposero non solo a suon di rivendicazioni, ma anche di musica. Un dualismo che Valerio racconta con una dinamica colloquiale ma avvincente, mai noiosa, e riuscendo perfettamente nell'impresa di solcare indenne le varie fasi di questo lungo e complesso percorso socio-musicale: i beat, il femminismo, le lotte operaie, la strage di Stato, l’Underground, la lotta armata e la Controcultura.

Perché, dice sempre Valerio a vice.com "sarebbe stato assurdo [parlare di musica] senza tenere conto di quello che fu l'Italia del periodo, no?".

Naturalmente non è un tascabile né un’opera da leggere tutta d’un fiato, ma neppure con l’ansia di prestazione di fronte a mezzo chilo di libro. Anzi, fatevi trasportare dall’onda della storia... no, che dico: dalla superonda della storia e della musica, e lasciatevi intrigare da quel suo tessuto connettivo che è vero, è molto complesso, ma è anche parte integrante del nostro DNA.

Vi lascio con due link dove l'autore parla a ruota libera della sua opera: il primo è un'intervista di Stefano Pifferi su Sentireascoltare, e una sua biografia per dudemag.it.

A tutti, 
Buona Lettura.  

Superonda (Storia segreta della musica italiana) di Valerio Mattioli
2016, Baldini & Castoldi, Milano
Formato 14x19, 660 pagine
Acquista su AMAZON

Scorpyo: Destinazione infinito / Visioni (7" - 1977)

Aprile  2019 - A DISTANZA DI NOVE ANNI DALLA PRIMA PUBBLICAZIONE DI QUESTO POST,  
ELVIO VALENTE DEGLI SCORPYO INTERVIENE NEI COMMENTS
 PER FARE ULTERIORE CHIAREZZA SULLA LORO STORIA.
Grazie Elvio, e grazie JJ.

NEI COMMENTS, INTERVIENE SPIEGANDO ESAUSTIVAMENTE LA STORIA DI QUESTO DISCO BOBO SALMOIRAGHI, EX COMPAGNO DI GRUPPO DEL FUTURO CHITARRISTA DEGLI SCORPYO (ED EX HELLUA XENIUM) PIERO GIAVINI. GRAZIE!

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“Destinazione Infinito”/”Visioni” è il primo e unico vinile degli Scorpyo pubblicato nel 1977 dall’etichetta Radio Records e catalogato col n° RRS 2075.
Secondo il “Record Collector’s Vault” per portarsi a casa un esemplare neppure Mint, ci vogliono almeno 250 euro, il che lo renderebbe uno dei singoli più rari e ricercati sul mercato nazionale, in buona compagnia con quello dei Lydia e gli Hellua Xenium “Guai a voi”/“Invocazione”, edito nel 1973 dalla Rusty Records (cat. n° RR204 distribuzione Eco-Ares, Verona).

Date le scarsissime informazioni su questi due monoliti del collezionismo italiano, non pochi appassionati di Prog vorrebbero saperne di più e per questo tenteremo di ricomporne la storia.

Innanzitutto, è quasi assoldato che le due bands, Lydia e Scorpyo, fossero collegate tra di loro, visto che ebbero in comune gli autori di tutti i loro brani: Fernando "Nando" Lattuada e Rinaldo Prandoni detto “Complex”.
Lattuada musicò il “Mare nel cassetto” a Sanremo ’61 anche se egli stesso definì quell'episodio "incidentale" nella sua carriera. Rinaldo Prandoni era invece un cantautore e chitarrista milanese che nel 1973 fondò insieme ai novaresi Claudio “Klaus” Tiscione (basso) e Walter Commizzoli (batteria) il trio “In tre sulla strada”.
Tiscione aveva trascorso il periodo Beat con I Pipistrelli e I Cuori di Pietra mentre Comizzoli era negli Angel Faces. Entrambi confluirono poi nella Electric Blues Band che oltre ad autoprodursi in studio diverso materiale, si esibì come spalla delle Orme.
Poco dopo, mutato il nome in “In tre sulla strada”, il terzetto venne scritturato nel 1973 dalla Radio Records (distribuzione Ariston) e incise il suo unico album a matrice cantautorale che però non ebbe sufficiente riscontro di vendite. Contrariamente a quanto affermato da alcune fonti, i tre non ebbero alcuna attività dal vivo e non fecero mai da supporter ai New Trolls.
Sciolto il trio, Commizzoli e Tiscione rimasero alla Radio Records come turnisti fissi suonando per diversi artisti quali Marcella Bella (solo Tiscione) e per il cantautore Christian.
Dal canto suo, Prandoni adottò lo pseudonimo di “Complex” e collaborò come autore con svariati musicisti di chiara fama tra cui Nada, Dalida e, cosa più interessante per la nostra storia, con alcune bands sommerse del Pop italiano: gli Juniors di Gianni Pettenati, i misterosi Vocals che facevano covers dei Deep purple e dei Fleetwood Mac e, guarda caso, con Lydia e gli Hellua Xenium.
 
Su questo ultimo gruppo e i loro due singoli del ’73 e del ’74, girano molte più leggende che verità. Sicuramente però occorre ammettere che il loro sound fosse piuttosto avanti coi tempi sia per impostazione che per impatto sonoro.

“Invocazione” (1973) per esempio, è un heavy rock sostenuto da incalzante drumming in stile psichedelico (si immagini “Set the control...” dei Pink Floyd) che si dimezza dopo un grintoso riff di chitarra durante il successivo cantato e ricompare violentemente nella piena orchestra finale.
I testi dal sapore mistico e underground contengono riferimenti millenaristici piuttosto evidenti e probabilmente è per questo che il disco verrà citato nel recente libro “Pop Italiano di ispirazione Cristiana” della Rugginenti Editore.
Nondimeno, il clima dark e pesante richiama decisamente alcune cose degli Antonius Rex (cori gotici e parti d’organo), al punto da far supporre che Lydia potesse essere addirittura Doris Norton. L’ipotesi potrebbe avere una sua attendibilità in certe assonanze timbriche tra le due interpreti o perchè, come dice qualcuno, Lydia e Doris appartenevano alla stessa discografica. Non a torto però, c’è chi fa notare che nel 1973 gli Antonius Rex non erano ancora in forza alla Radio Records e comunque, provvederà lo stesso Antonio Bartoccetti a smentire categoricamente qualunque forma di collaborazione.

Sta di fatto che dopo lo scioglimento dei Lydia e gli Hellua Xenium nel 1974, il binomio “Lattuada-Complex” riappare nuovamente tre anni dopo nell’unico disco degli Scorpyo “Destinazione Infinito” / ”Visioni”: stessi autori, stesso sound, stessa mistica, stesso anonimato.
“Visioni” è un rock dal sapore decisamente underground in cui una convulsa base ritmica fa da supporto ad un organo in stile Alluminogeni e una non meglio identificata voce sopranile che a questo punto potrebbe essere Lydia, la Norton o chissà chi (VEDI COMMENTS). Un brano tutt’altro che memorabile comunque.

Molto meglio strutturata e decisamente notevole è invece “Destinazione Infinito”: un prog-rock molto pesante caratterizzato da diversi stacchi che dividono alternativamente una strofa dal sapore acido e cadenzato da un’inciso liquido e visionario. Ci sono si riferimenti al Kraut, ma complessivamente il brano vive di vita propria possedendo una sua aprezzabile originalità.
Qui le voci sono due, una maschile e una femminile che finiscono per mescolarsi generando un sound particolare asessuato ed inquietante.
Un brano che insomma, si distacca completamente dal panorama dell’epoca e il cui particolare approccio gotico gli conferisce, al di là delle venditeche furono pressoché inesistenti, un notevole valore aggiunto

Ancora oggi, trovare notizie su questo gruppo è tanto complicato quanto reperirne il disco per cui, se qualcuno sapesse qualcosa in più, si faccia avanti.
Classic Rock ha risolto tanti misteri e chissà mai che non risolva anche questo.

Claudio Lolli: Ho visto anche degli zingari felici (1976)

Nella seconda metà degli anni Settanta , quelli che il milanese Gianfranco Manfredi definì “zombi proletari”, erano invece per il cantautore bolognese Claudio Lolli, “zingari felici” Due modi cioè per evocare gli stessi soggetti politici ma con un taglio completamente diverso. Cupo e rassegnato per Manfredi che duramente provato dalla pesante débacle del Parco Lambro, celebrò in Zombie di tutto il mondo unitevi la morte dei Movimenti storici e dei suoi protagonisti; lucido e possibilista per Lolli che in quel cambio della guardia tra vecchie e nuove pratiche alternative vi lesse nuove prospettive rivoluzionarie, condensate appunto nel suo storico Lp Ho visto anche degli zingari felici. 

E non fu una contraddizione perché, mentre nella città più industrializzata d’Italia la riconversione padronale aveva violentemente azzerato la lotta di classe costringendo il contropotere all’arrocco o alla clandestinità, nella Bologna di metà decennio sbocciava invece un modello associativo del tutto nuovo, il Movimento del ’77: vivace miscuglio di spontaneismo freak, dogmatismo post-operaista e ribellismo sottoproletario con ampie componenti anarco-nichiliste. Un’orda antagonista il cui spirito dissacratorio centrifugava senza troppi complimenti Tristan Tzara, Majakovskij e il Punk, ma pur sempre nella consapevolezza di svilupparsi in una delle città più rosse d’Italia. 

Con queste premesse, è logico che la produzione culturale della Bologna post-76 fu quantomai articolata e mista: Radio Alice, il rock demenziale degli Skiantos, il Punk puro dei Gaznevada e quello emiliano-romagnolo dei CCCP, i violenti scontri del marzo 77 e gli strali dei Raf Punk contro il concerto gratuito dei Clash in Piazza Maggiore tre anni dopo. Il tutto passando per un’infinita serie di dibattiti, iniziative e disobbedienze diversificate. 

FOTO: Angelo Aldo Filippin

Tutto ciò che avvenne però dopo la pubblicazione di Ho visto anche degli zingari felici (titolo mutuato da un film jugoslavo del 67), l'allora ventiseienne Claudio Lolli non poteva saperlo. Al limite poteva solo immaginare che quello strampalato coacervo di gente che si "rotolava per terra, faceva l’amore e si ubriacava di luna", avrebbe comunque prodotto qualcosa di buono. 
Ne fu anzi convinto, e da quella situazione ricavò il suo capolavoro: registrato ai Sax Studios di Milano, pubblicato dalla EMI italiana il 7 aprile del 1976, e venduto al prezzo politico di 3.500 lire contro le 5.000 standard. 

Accanto a Claudio, quattro membri del Collettivo Autonomo Musicisti Bologna: il chitarrista Roberto Soldati, il fiatista Danilo Tomassetta, il bassista Roberto Costa e l’ex batterista dei Tubi Lungimiranti Adriano Pedini, questi ultimi due futuri Orchestra Njervudarov.

l nuovo album di Lolli arrivava a due anni di distanza da Canzoni di Rabbia, ma a differenza del suo predecessore predilesse una dimensione musicale collettiva e più moderna, tanto che qualcuno vi scorgerà frammenti di jazz e persino di progressive.

In più, si espansero anche le tematiche: prima imperniate su un solo sentimento (la rabbia, appunto), e ora estese consapevolmente ad analisi politiche e alla critica storica: la strage dell’Italicus (Agosto), la necessità dell’opposizione totale all’ipocrisia dei potenti (Piazza bella piazza, La morte della mosca), nonché di una nuova cultura che fosse organizzazione e comunicazione ancor prima che ideologia (Anna di Francia). 

BOLOGNA, MARZO 1977

Ma fu la title track il vero gioiello del disco: undici minuti di versi e musica divisi in due parti (Introduzione e conclusione) che racchiudevano l’intero Lp a mo’ di concept album. 
Un brano formidabile che non visse solo del suo phatos poetico , ma catapulterà nel futuro almeno trent’anni di antimperialismo. 

 "É vero che abbiamo bevuto il sangue dei nostri padri e non risciamo a vedere la luce /. È vero che non riusciamo a parlare o parliamo troppo / Ma è anche vero che non vogliamo pagare le colpe di chi non ha colpa e preferiamo morire piuttosto che abbassare la faccia / [Quindi], riprendiamoci la vita, la terra, la luna e l'abbondanza". 

Questo cantava Lolli nella primavera del 1976, madido evidentemente di speranze e fiducia. 

La storia però andò diversamente, e dopo tre anni in cui, pur se tra problemi di organizzazione e compattamento, Bologna fu l’epicentro della creatività italiana, il 2 agosto 1980 una nuova strage colpì vigliaccamente la sua stazione ferroviaria e l’Italia democratica tutta, spostando nuovamente il conflitto sul piano militare.  
Ma quella volta, le "mosche" che sopravvissero, avrebbero venduto cara la pelle..

NT Atomic System: Tempi dispari (1974)

Se passate per Genova, fate un giretto in Via Canevari, proprio dietro alla stazione Brignole. Andate verso Marassi e portatevi all’altezza del n° 47. Fermatevi un momento e osservate quell’area. 

 Oggi vedrete solo case, uffici e parcheggi ma, fino a pochi anni fa, prima della ristrutturazione urbanistica, là c’era l’Alcione, uno storico cinema–teatro che aprì nel 1948 col nome di Colosseo e che chiuse i battenti come sala a luci rosse oltre mezzo secolo dopo. 

Negli anni ‘60 fu uno dei templi del teatro di rivista e di avanspettacolo, mentre dal 1978 divenne per qualche anno sede della popolarissima Compagnia della Tosse che a Genova è praticamente un istituzione. 

 Negli anni ’70 però, l’Alcione visse la sua stagione più intensa ospitando oltre a eccellenti spettacoli d’avanguardia (“Ubu Re”, “Recitarcantando”, “Opera buffa”), anche i più blasonati gruppi Prog del momento: i Van der Graaf per esempio vi si esibirono il 30 maggio del 1972 alle ore 16 (ingresso: 1.500 lire, gruppo spalla: i ”Latte e Miele”) e i Genesis il 22 agosto dello stesso anno. Nel 1973 fu la volta dei Gentle Giant (2 gennaio), di Peter Hammill (14 dicembre) , nonchè dei New Trolls Atomic System che vi registrarono il loro secondo album “Tempi Dispari”. 

 Come sappiamo, gli NT Atomic System erano uno dei due tronconi generati dalla scissione dei New Trolls che nel 1973, pubblicarono il loro primo 33 giri provocando reazioni discordanti. Di fatto, la prima fatica della formazione di De Scalzi e D’Adamo era apparsa piuttosto dispersiva e a parte quel gioiello che era “Quando l’erba rivestiva la terra”, la band avrebbe dovuto probabilmente dimostrare una maggiore compattezza stilistica. 

Soluzione: il gruppo non solo decise di pubblicare un album dal vivo che li ritraesse all’apice della loro espressività collettiva, ma di inserirvi in perfetto stile Prog, unicamente due lunghe suites graniticamente intitolate ciascuna con i loro rispettivi valori metrici :”Sette quarti” e “Tredici ottavi”. La mossa in se non era del tutto sbagliata in termini di marketing, ma qualcosa non funzionò e al di là del fiasco commerciale, le critiche furono talmente ingenerose da convincere De Scalzi a non tentare una terza chance, sciogliendo definitivamente il gruppo. 

 Cosa successe? Il primo fattore che spiazzò il pubblico, fu probabilmente il groove jazz-fusion di cui era permeato tutto l’album.

Infatti, siccome il concerto di “Tempi Dispari” fu registrato durante la tourneè promozionale del primo disco, è plausibile pensare che il pubblico si aspettasse un tipo di scaletta molto più abbordabile. Cosa che invece non accadde. 

In secondo luogo, è ormai risaputo che ciò che si ascolta su disco non fu la vera presa diretta del concerto che risultò tecnicamente inaccettabile, ma la sua replica in studio sulla quale venne sovrapposto l’ambient originale. Il tutto però, senza darne comunicazione alcuna e anzi, mantenendo la scritta “Teatro Alcione” sulla copertina. 

Se a ciò aggiungiamo che sulla front sleeve era riportato il nome New Trolls (cosa che tra l’altro De Scalzi non avrebbe potuto fare), ma che nella realtà si trattava della stessa formazione che incise “NT Atomic System”, il depistaggio poteva dirsi completo. 

 Musicalmente, sin dalle prime misure di “Sette ottavi”, si capisce che la matrice del disco è smaccatamente jazz. Dopo un breve fill ritmico di D’Adamo e un paio di minuti di riscaldamento, il gruppo espone il tema e i rispettivi ruoli dei musicisti cominciano a compenetrarsi e alternare gli assoli secondo il classico schema jazz del “call and answer”. In questo frangente, emergono soprattutto i fiati di Baiocco che costituiranno non solo l’ossatura del pezzo, ma faranno da collante tra i vari ambienti.  

Tuttavia, pur non discutendo l’indubbio valore degli strumentisti, una buona parte della critica non solo reputò l’esecuzione fredda e distaccata, ma neppure particolarmente originale. 

 I più maligni la accostarono al periodo meno risoluto dei Soft Machine di “Six” e “Seven” e gli osservatori più smaliziati reputarono troppo dispersivi i vari solismi nelle parti più fusion. 

 Migliore venne giudicato il lato B dove nell’introduzione di “Tredici ottavi”, il De Scalzi prima dimostrò tutto il suo genio barocco e poi si permise anche di scherzare sulle note di “Concerto grosso n°1”. 

Il resto, purtroppo, si rivelò anch’esso confusionario, pur suonando molto più genuinamente rock. In sintesi, malgrado l’affezione che legò molti ammiratori a questo lavoro, “Tempi dispari” non si staccò mai dalla pista di decollo e gli NT Atomic System terminarono la loro parentesi. La formazione originale dei New Trolls si sarebbe ricomposta di lì a pochi mesi, nel momento in cui anche gli Ibis di Nico di Palo patirono la stessa indifferenza di pubblico e di critica.

O MÆ VITTÖIO ( = Il mio Vittorio)

Come qualcuno forse gia sa, io ho vissuto molti anni della mia infanzia / adolescenza a Genova, ed proprio per quella curiosa magia che stregò tra gli altri Mary Shelley, Charles Dickens e George Byron, che non ho mai smesso di amarla, né di trovarmi a mio agio ogni volta che ci vado. 

Amo la sua gente, ispida ma generosa, il cibo con particolare adorazione per la focaccia al formaggio, le sue architetture che come diceva Fossati sono ancora più affascinanti se viste da una nave, ma soprattutto per quello splendido clima che si resipra ogni volta che ci si inoltra nella città, o si passeggia in riva al mare. 

E anche se oggi non sono più così tanti come un tempo, i miei grandi amici genovesi con cui sono ancora in contatto, sono tuttora come fratelli e sorelle. 

E già molto tempo fa, tra questi c'era la Paola, futura eccellente pianista classica che conobbi ai Bagni Scogliera di Nervi quando ero ancora bambino, suo marito Vittorio, esimio avvocato che invece incrociai anni dopo quando si sposarono, e non ultimo il fratello di Paola, Giulio, in gioventù accanito collezionista di gadget della Coca-Cola.

Ovviamente da ragazzo andavo spessissimo a trovarli, ma anche a soggiornare per settimane nelle loro case sulle alture di Quarto. 

A volte ci passai addirittura estati intere perché, quando qualcuna rimaneva disabitata, io andavo a fargli volentieri la guardia. Stesso vale per mia madre e mio padre che ovviamente ricambiavano quando Paola chiedeva asilo a Milano. Insomma, una grande amicizia tra due famiglie che dura ancora oggi.

Ma perchè vi parlo di questo? Si chiederà giustamente qualcuno...

  

A me moæ (=mia mamma)

... perché il vicino di casa della Paola e del Giulio, era nientemeno che il Vitöio dei New Trolls, che io non ho mai conosciuto di persona, ma di cui mi parlavano tutti.

 Per cui, non solo venni sempre a sapere notizie esclusive sul gruppo (in particolare sulla salute di Nico ai tempi dell'incidente per esempio), ma ogni tanto mi capitò pure di sentire qualche anteprima esclusiva attraverso le mura del salotto di casa che, guarda un po', confinavano col suo pianoforte. 

Ovviamente cercai sempre di farci una chiaccherata in qualche modo, ma chissà perché non ci fu mai l'occasione. Un pò per pigrizia, forse per timore reverenziale (parliamo veramente di molti anni fa), un po' perché ad un certo punto mi stabilii definitivamente a Milano, o più realisticamente perché lui era davvero imprendibile. 

"Paola, ma è a casa Vittorio?" "Belin no, adesso è in Giappone / in tournéè / in studio / sta provando / sta dormendo / aspetta che lo chiamo / Belin non risponde, eccetera."

Lo conobbe persino mia mamma Lisy quando un giorno, mentre riposava nel giardino di casa, sentì una voce arrivare dall'altra parte della siepe: 

"Scia me scûse sciâ Lisy... ma lei quanto resterebbe ancora qui?" Era ovviamente il Vittorio, ma lei che pur avendolo visto spesso, non lo conosceva bene, abbozzò qualcosa tipo: "mah guardi, due settimane, poi tornano i ragazzi".

"Ecco appunto" precisò cautamente lui : "perché... siccome io domani andrei in tournée, non è che gentilmente potrebbe annaffiarmi le piante?. Le lascio le chiavi, poi quando tornano Paola e Giulio ci pensano loro...". Stand-by.

"Ma si figuri sciô Vitöio, vada pure tranquillo", e lui raggiante si produsse in infiniti ringraziamenti seguiti da un presente che non ho mai capito cosa fu (spero non un disco degli Alphataurus perché mia madre sarebbe stata capacissima di regalarlo), e da un'amicizia che li vide protagonisti di tante telefonate.

"Però... mi scusi Vittorio. Una cosa sola. Lei ... cosa suona esattamente?" "Ah un po' di tutto. Comunque faccio parte di questo gruppo che si chiama New Trolls, non so se ne ha mai sentito parlare".

"Ah si? Ma che bello ...   grazie". 

E fu per questo che da quel giorno, Lisy e Vittorio continuarono a sentirsi, e tutte le volte che mia madre vedeva i New Trolls (che nemmeno conosceva prima) in televisione, veniva giù mezza casa. "Belin, venite, venite , C'è il Vitöio che canta!!!!".

E noi giù tutti davanti alla televisione a fare il tifo...

 

Faccia di cane.

Autunno 1884. Avevo 21 anni appena compiuti. 

E mentre  tutta Genova e tutta Italia non si erano ancora riprese dallo shock di Creuza de mä, il capolavoro di Fabrizio De Andrè pubblicato due stagioni prima, i poveri New Trolls tentavano caparbiamente di riprendersi dopo due album non proprio memorabili (F.S. e America Ok). E lo fecero proprio coinvolgendo l'amico Fabrizio che ben volentieri scrisse loro i testi di Faccia di Cane, brano poi ammesso alla finale della kermesse sanremese.

Ora, tralasciando che la canzone faceva davvero schifo e si piazzò ventiduesima su ventidue, è buffo pensare che, durante i miei fugaci incontri autunnali con Paola, impegnata al Teatro alla Scala, lei mi parlasse sempre di un motivo che sentiva frequentemente provenire da casa De Scalzi. 

"E com'è, bello?" le chiedevo io. "Belin, non so se è bello o no perché non è ancora completo. Però deve essere importante perché se lo aggiusta quasi tutti i giorni...".  

Era sicuramente "Faccia di Cane" in embrione... e infatti quando gli NT lo portarono a Sanremo, Paola la conosceva già a memoria, e  sapeva pure suonarla perfettamente al piano ancora prima che apparissero in TV.

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E questo, dear Sis and Bros, è stato O mæ Vitöio, che vi ho raccontato un po' per entertainment  e un po' per ricordare una delle figure più generose, competenti ed importanti della nostra musica contemporanea. Passando Dal beat al progressivo, e dal hard al pop con una dignità straordinaria propria solo dei grandissimi.

Di quelle figure che se non fossero esistite avremmo dovuto inventarle.

Buon Viaggio caro Vittorio. Da tutti noi.

New Trolls: Senza orario, senza bandiera (1968)

NEI COMMENTS: INTERVENTO DI UGO MANNERINI

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Le origini dei New Trolls si perdono nel lontano 1965 quando il pianista livornese Pino Scarpettini, trasferitosi a Genova per completare gli studi di composizione e orchestrazione presso il conservatorio Niccolò Paganini, conosce nel quartiere di Sturla il chitarrista Vittorio De Scalzi, figlio del suo albergatore.  

Pino chiama Vittorio a suonare nel suo gruppo "Gli Astratti" ma dopo poco tempo i due musicisti formeranno una band a sé che si chiamerà prima "The Goldfingers" (dal nome del film di James Bond uscito l'anno prima) e infine "The Trolls", ispirandosi al nome di un pupazzo raffigurante il mitico gnomo nordico, notato per caso in un negozio nei vicoli di Genova.

 Dopo due anni di successi ("1° Torneo Rapallo Davoli" e "Complessi per l'Estate"), tre singoli e numerose apparizioni pubbliche, i Trolls si sciolgono e il solo Vittorio prosegue la carriera chiamando accanto a se il chitarritsta-vocalist Sergio Blandini (poi sostituito da Nico di Palo), il tastierista Renato Rosset (poi sostituito da Mauro Chiarugi), il bassista Giogio D'Adamo, il batterista Gianni Belleno e dando ad una nuova formazione il nome di New Trolls. La diceria secondo la quale il gruppo fosse stato assemblato attraverso una classifica dei migliori strumentisti genovesi del '67, è stata ripetutamente smentita dallo stesso De Scalzi.  

Esattamente com'era successo per i Trolls, anche i New Trolls iniziano immediatamente a mietere consensi ed affascinare il pubblico con il loro beat-psichedelico: pubblicano 3 singoli di successo, vincono il Festival di Rieti, partecipano con "Visioni" al "Disco per l'Estate 1968" vendendo oltre 200.000 copie e vengono scritturati come gruppo spalla nella tournèe italiana dei Rolling Stones.  

Finalmente, il 23 ottobre del 1968 arriva anche il loro primo album col quale riusciranno mirabilmente ad amalgamare il loro sound con la più raffinata musica d'autore.  

Pubblicato dalla Fonit-Cetra e dotato di un'azzeccata veste grafica (il disegno di copertina è opera del pescatore, pittore e poeta dialettale "Bunny"), il disco porta il nome di "Senza orario, senza bandiera" e può essere a tutti gli effetti considerato il primo "concept-album" italiano laddove senza soluzione di continuità, tutti i brani sviluppano un solo tema portante: la visione del mondo agli occhi di un poeta. Un viaggio che potrà compiersi solo attraverso l'osservazione ragionata delle cose, ma senza che queste vengano travisate dalla fede. 

  Ad occuparsi dei testi ci sono due figure di spicco: il poeta libertario Riccardo Mannerini e il cantautore Fabrizio de Andrè che all'epoca ha già al suo attivo almeno sette singoli e quattro Lp. A parte per soli tre brani ("Susy Forrester" di De Andrè, "Padre O'Brien" di De Andrè-Leva e "Al bar dell'angolo" di D'Adamo) tutti i testi sono tratti da bozzetti originali del Mannerini che Fabrizio adatta alle musiche di De Scalzi e Di Palo, con la sola eccezione di "Signore io sono Irish", al cui arrangiamento metrico colabora il M° Gian Piero Reverberi. 

 Il risultato finale è una straordinaria "antologia" di luoghi, eventi e persone in cui ciascuno dei 10 brani è allo stesso tempo un'esortazione alla vita e alla libertà di pensiero. Tecnica, esecuzione, incisione, arrangiamenti e produzione sono assolutamente impeccabili.

 Dopo l'introduttiva "Ho veduto" che ben fotografa la concezione del viaggio come percorso mentale (i luoghi geografici sono solo un pretesto), ecco che appaiono in sequenza tutti i personaggi della storia, sospesi tra desiderio e realtà e restituiti con lo stesso concetto che De Andrè trasporrà nel contrasto vita-morte in "Non al denaro, non all'amore ne al cielo". 'è il newyorkese William che sogna di comprarsi una strada, Irish che prega Dio perché gli doni la fede pur sapendo che questa non potrà mai sollevarlo dalla dura realtà, Susy Forrester la cui bellezza viene poco a poco scalfita dalle ingiurie del tempo, Joe che ricorda la guerra ripudiandola, Padre O'Brien che invoca la pietà pur sapendo che anch'essa ha bisogno di denaro per realizzarsi e infine Tom Flaherty, l'eterno innamorato che però non avrà mai il coraggio di dichiararsi.  

Se la poetica del disco è sublime, la musica non è da meno: ci sono sì riferimenti ai Beatles e larghi e ieratici arrangiamenti di stampo barocco ma, coma fa notare Dario Piccotti, "semplici ma mai banali nella loro costruzione armonica". Grazie soprattutto al lavoro De Andrè', persino le allusioni politiche traspaiono sempre in forma traslata e senza mai aggredire l'ascoltatore, aumentando alfine quella conflittualità che premierà l'album con un'enorme mole di consensi nel mondo giovanile. 

  A conti fatti, probabilmente gli unici che non riuscirono a catturare l'eredità intellettuale di questo capolavoro furono proprio i New Trolls, ma la loro operazione culturale e i concetti espressi in "Senza Orario, senza bandiera" posero le basi del nascente Progressive Italiano.

New Trolls: La prima goccia bagna il viso (1971)

  Prima  pubblicazione 20 marzo 2017

“"La prima goccia bagna il viso" è un pezzo lunghissimo che occupa tutte e due le facciate di questo 45 giri dei "New Trolls", che è una conferma delle capacità del complesso che nonostante i continui attacchi di altre formazioni pur preparate, seguita a recitare, nel nostro modo musicale, una sua parte determinate.

Sicuramente i "New Trolls" sono tra i pochi complessi, venuti ultimamente alla ribalta, che sono riusciti a dire qualcosa di nuovo e rimanere attaccati alla loro dimensione musicale ritoccando solo di tanto in tanto le loro "idee", e quelli che sono i cardini del loro suono, senza saccheggiare a piene mani "sound" estranei ma estraendo dalle esperienze altrui le novità per ritoccarle e ripresentarle sotto una nuova veste: la loro”. 

Con questa tortuosa scheda pubblicata sul Ciao 2001, e che ho fedelmente riportato “virgolette” incluse, Fabrizio Cerqua recensiva nel settembre del 1971 il nuovo 45 giri dei New Trolls targato Cetra SP 1460. Singolo che seguiva a corto muso Adagio/Allegro, estratto qualche mese prima dall'album Concerto Grosso.

Ma se in quell'occasione il gruppo si divise tra romanticismo e digressioni blues-psichedeliche, La prima goccia bagna il viso disvelò la loro indole più progressiva: atmosfere e testi evocativi, tecnicismi, intarsi, stacchi, e gigantismo sonoro con tanto di gong e tuoni registrati dal vivo.. 
Insomma, un brano perfettamente in linea con quell’avanguardia musicale che nel 71 cominciava a dare il meglio di sé: Premiata Forneria Marconi, Orme, Trip, Osanna e Nuova Idea. Ma non è tutto. 

Il disco si presentava infatti con un design essenziale ad opera dello studio grafico Gian Carlo Greguoli, raramente utilizzato in Italia, e che rimandava al miglior minimalismo grafico degli anni Sessanta: nome del gruppo, titolo del brano, casa discografica, numero di catalogo, e in 'corpo quattro' una menzione d'onore alla tipolitografia Silvestrelli e Cappelletto.

Quasi un invito insomma a concentrarsi esclusivamente sulla musica, che a sua volta sorprendeva l’ascoltatore con i suoi otto minuti e mezzo spalmati su due lati. 
Una soluzione inevitabile data la lunghezza della composizione, ma che conferivano al brano un fascino transnazionale, magnificato peraltro dal nuovissimo sintetizzatore Arp 2600 che De Scalzi sfruttò senza alcun timore reverenziale. 

 “Abbiamo fatto una cosa che non ha mai fatto nessuno, e siamo stati anche diversi da altri gruppi tipo i Pooh che battevano il ferro finch'era caldo”, dirà Nico in un’intervista a Radio Luxembourg. “Loro facevano una canzone guida e tutte le altre sullo stesso stile. Noi no: eravamo curiosi, cambiavamo improvvisamente genere. Il pubblico magari non recepiva subito il messaggio, ma poi alla fine lo acclamava”. 

Ma anche le liriche furono particolari. Brevissime. Appena 300 battute sospese tra un’invocazione in stile beat e una rivendicazione disperata e concreta: quella di una contadino che, preoccupato per una lunga siccità non solo fisica ma spirituale, prega l’Onnipotente di mandargli una pioggia riparatrice. Che lo sollevi dal suo spleen, e soprattutto rigeneri il suo campo quasi bruciato. 

Il temporale arriverà, farà da spartiacque tra i due lati del disco, trasformando ogni nota del lato cadetto in una celebrazione della vita, della natura e di Dio. 
E a questo punto aveva ragione Nico: mai in Italia si era sentita una cosa simile. 

Unica nota blasfema: quando i New Trolls la presentarono al Festival di Venezia, proprio a Nico si ruppe la cintura dei pantaloni. Per la precisione dei bellissimi jeans rotti e strappati. Rimediò con una corda trovata nel backstage.
I New Trolls portarono a termine l’esibizione, e poco importa se vinsero la sciantosa Milva e gli svenevoli Middle of the Road.

Il prog italiano era ormai una luminosa certezza.

New Trolls: Concerto grosso (1971)

Prima Pubblicazione: 10/10/2014

Ecco una pietra miliare del Pop Italiano. Uno di quegli album che per popolarità, forza d'urto e novità, fu l'apripista di una nuova stagione musicale: il "Pop Italiano".

Forti della loro visibilità e dei loro successi a 45 giri (per non citare lo splendido album "Senza orario, senza bandiera" in collaborazione con De Andrè), i New Trolls decidono nel 1971 di intraprendere strade musicali più impervie.
Ed è proprio in quell'anno che al Festival d'Avanguardia di Viareggio, i nostri presentano "Concerto Grosso", primo tentativo Italiano veramente riuscito di fondere in un solo album musica classica, popolare e rock.
Il successo fu enorme; e non solo perchè gli esecutori erano già all'epoca famosissimi, ma in quanto l'operazione fu realmente ben curata, sia strutturalmente che negli arrangiamenti.

Ovvio, ripeto e insisto, non fu una mossa originale al 100%. Già altri avevano sperimentato una simile contaminazione (dai Beatles ai Nice), ma i New Trolls riuscirono ad importarla in Italia con grande professionalità e dignità stilistica.

Mente geniale dell'operazione fu il maestro Luis Bacalov a cui venne in mente di iniettare nella struttura seicentesca del "Concerto Grosso" (una specie di "botta e risposta" tra solisti ed orchestra) strumenti contemporanei quali chitarra ed organo elettrico.
Nico di Palo e soci si trasformarono così da un gruppo autonomo di autori-compositori quali erano, in un team di perfetti esecutori che, per almeno 11 minuti, si posero al servizio del grande maestro.

Il risultato dei dialoghi fu eccellente e così esente di forzature, da far risultare "Concerto grosso" privo di qualunque astrattezza.
E questo era il lato A del disco.

Il lato B restituiva invece i soli "New Trolls" nei loro abituali momenti di improvvisazione che erano soliti portare ai concerti.
Un perfetto bilanciamento quindi tra presente e futuro.
Tra classico e rock. Un pezzo di storia, insomma.

Dicono alcuni critici: "riascoltato oggi, si capisce che il feeling presente in questo disco è esattamente ciò che manca da anni alla musica Italiana.
Personalmente condivido pienamente. Ed è un vero peccato.
Se siamo stati capaci di tali capolavori in passato, perchè non riprovarci?
Magari con altri mezzi e nuove contaminazioni?"

New Trolls: Concerto grosso n°2 (1976)

Prima  edizione: 4/10/2010

  “Per scrivere qualcosa, bisogna prima avere qualcosa da scrivere”. Così - parafrasando Primo Levi - mi disse un giorno un amico mentre ascoltavamo per la prima volta “Concerto grosso n° 2” dei ricostituiti New Trolls. Ancora oggi penso che avesse ragione: per produrre un'opera attendibile non basta avere un’idea "qualsiasi" o "riciclata", perchè non ne sortiranno che "opere qualunque" o "brutte copie" dell'originale. Certo, non tutti hanno il genio di un Picasso, di un Dalì o di Miles Davis, ma quando ci si trova davanti all’agognata reunion di uno dei più autorevoli gruppi Rock italiani, non ci si immagina neppure lontanamente che ne venga fuori il pallido sequel di un successo precedente.  

Sempre andando avanti per citazioni, ricordo di aver letto da qualche parte anche le parole che il grande crooner spagnolo Julio Iglesias (che probabilmente aveva ben assimilato le teorie di Norbert Wiener sulla memoria umana) disse a suo figlio Enrique prima del suo esordio nel mondo dello show business: “Ricorda: uno spettacolo deve cominciare con un botto e finire con un botto. In mezzo, mettici quello che ti pare”. Stesso concetto venne fuori dalla saggezza di Antonio Carlos Jobim quando Chico Buarque e Caetano Veloso (allora esuli rispettivamente a Roma e a Londra) gli chiesero come avrebbero dovuto comportarsi una volta tornati in Brasile. “Non tornate in sordina.” consigliò loro Tom, “Arrivate con già pronti uno spettacolo e un disco nuovo. Fate una tournèe nazionale, andate in TV, date interviste dappertutto e fate casino. Tutti devono rivedervi e ascoltarvi”. Va da sè che sia Chico che Caetano fecero così, e la loro carriera proseguì verso il luminoso successo che tutti conosciamo. 

I New Trolls evidentemente avevano in testa tutta un'altra strategia o forse non ebbero consulenti del calibro di Iglesias o Jobim. Finalmente riunitisi nel nucleo originale (Di Palo, De Scalzi, D’Adamo e Belleno) dopo anni di litigi e di altalenanti prove discografiche (Atomic System, Ibis, Tritons), i quattro reclutano con mossa astuta l’ex chitarrista prodigio dei Nuova Idea Ricky Belloni e preparano meticolosamente l’esordio nella loro seconda fase artistica.  

Tuttavia, la grande attesa viene tradita da una manovra discografica che non solo si rivelerà poco originale ma addirittura disarmante, mettendo nuovamente il gruppo in crisi e spingendolo inesorabilmente verso il pop melodico. Intelligente e raffinato, ma pur sempre melodico. Ma cosa successe effettivamente? 

L’azzardo che commisero i New Trolls fu sostanzialmente pensare che il riproporsi al pubblico con un vecchio clichè di successo (remake classico + gruppo rock + grande arrangiatore), potesse essere allo stesso tempo comunicativo, attraente, redditizio e confermare contemporaneamente il raggiungimento di una nuova identità stabile. 

Ma non fu così. Come abbiamo spesso detto sulle pagine di Classic Rock, i tempi erano cambiati e specialmente nel 1976 i nuovi soggetti sociali emergenti avevano già da tempo messo in crisi il modello “romantico-trasgressivo” del Progressive. Quindi, riciclare quello stesso linguaggio quasi cinque anni dopo, con gli stessi artefici, ma a fronte di una società completamente trasformata, equivalse sostanzialmente a un grave errore di valutazione. 

 La conseguenza fu che vista l’impossibilità di proseguire sulla strada del “repechage”, i cinque musicisti scelsero l’alternativa a loro più congeniale, ossia l’implementazione di quella "forma canzone" che già era apparsa in molti lavori pregressi e nello stesso “Concerto Grosso n°2”. Tutto questo non è per dire che il nuovo album del ’76 non fosse dignitoso dal punto di vista musicale o esecutivo, tutt'altro, ma che purtroppo la pochezza della sua “sostanza teorica” ebbe il sopravvento su qualunque altro tipo di encomio. 

Ecco allora che la maestria del gruppo nel rileggere Haendel, nel rifare Becaud (“Let it be me”), nel cimentarsi agilmente in tempi complessi ( l’11/8 di “Moderato”), nell’intessere ardite trame orchestrali (“Vivace” e “Adagio”) e nel rimaneggiare la positività del freak in “Quiet sun”, venne di colpo bypassata da un impietoso assunto pratico: “Se un’idea non funziona, non funziona nemmeno la sua realizzazione”. Un vero peccato perchè si suppone che la band genovese ce l’avesse messa tutta per restituire un’opera che celebrasse in grande stile la rinnovata amicizia del suo nucleo storico.  

Belloni poi fu un acquisto davvero azzeccato, vista soprattutto la sua brillante performance in tutto il corso dell’album. In ogni caso, ci vollero diversi mesi affinchè quello straordinario kernel di strumentisti capisse che doveva necessariamente (e forse a malincuore) cambiare rotta. 

Tempo ancora un brutto album dal vivo nel 1977 e finalmente la buona stella di Adebaran avrebbe guidato i nostri marinai verso l'eldorado. Una svolta che certamente non piacque a tutti ma, come nella vita di tutti i giorni, capita che a volte non si possa più tornare indietro.

Goblin: Il Fantastico Viaggio del "Bagarozzo" Mark (1978)

  Il 1978 fu un anno-chiave sia per la società che per la musica italiana. Volsero al termine le lotte politico-produttive e iniziarono quelle per il controllo del consenso e la conquista degli spazi urbani.

La Controcultura si era ormai dissolta sotto il peso delle sue diversità, l'Autonomia stentava anch'essa ad arginare personalismi, spontaneismi, e un'ormai cronica confusione ideologica, però si affermavano senza sosta le occupazioni a scopo abitativo o culturale. Spazi liberati e autogestiti nel cuore delle grandi città che, pur se pcontinuamente minacciati dalla cosiddetta eroina di stato "spacciata a quintali per minare una generazione", diceva Finardi, sarebbero diventati le roccaforti del contropotere anni Ottanta. 

Il cambiamento insomma era nuovamente d'obbligo, e anche le storiche leve del Prog dovettero prenderne atto.

Il Banco ad esempio, lo fece inglobando classica e fusion in un disco magistrale ma molto diverso dal passato, la PFM si appoggiò su Manfredi e Lanzetti per rinverdire un parco idee ormai fermo dal 74, Le Orme regredirono alla musica da camera, mentre gli Area si congedarono da tutto e tutti con un capolavoro di dignità e coerenza. 

 

E mentre le nuove leve irrompevano devastanti (Faust'O, Chrisma, i neo punk italiani ecc....) e gli autori si affidavano a una comunicatività più diretta (da Sorrenti a Cattaneo, da Finardi alla Nannini), anche i Goblin, gruppo storicamente legato alle colonne sonore, decisero di cimentarsi con un altro lavoro a sé stante.

Nella fattispecie, un concept album interamente cantato in italiano in cui un abitante della terra di Goblin [tale Mark, personificato da uno scarafaggio] riusciva a redimersi da vizi e droghe anche grazie al rock. Titolo: Il Fantastico Viaggio del 'Bagarozzo' Mark.

 

 Trainato dal compianto Massimo Morante, per l'occasione trasformatosi in autore e cantante, la band iniziò a lavorarci su nell'estate 1977 non appena terminata la colonna sonora del film La Via della Droga di Enzo Castellari. Lo registrò poi in autunno nei nuovissimi studi Trafalgar della Cinevox sotto la guida del fonico Giorgio Agazzi, e dopo aver onorato una marea di impegni inclusa la residua promozione di Suspiria, lo concluse finalmente il 5 aprile 1978, data ufficiale del master mixato da Gaetano Ria. 

  Eppure, malgrado i Goblin fossero entusiasti del loro lavoro al punto di allestire una nuova e costosissima tournée a base di effetti spettacolari e un impianto da mille e una notte, una volta messo in commercio, l'album fece miseramente cilecca: vendette poco, fu snobbato da radio e Tv, e a parte qualche critica benevola come quella di Piergiuseppe Caporale sul Ciao 2001, ottenne un riscontro così deprimente da provocare lo scioglimento della band.  Ma perché? 

 

DISCORING con Bagarozzo -  28.5.1978

 Perché malgrado la tecnica sopraffina, il sound prodigioso, e un'energia invidiabile [e chi non ci credesse si ascolti "La Danza" con tanto di ostinato à la Baba O' Ryley, o anche il finale di "...e suono Rock" che sembra condensare il meglio del Rovescio della Medaglia in neppure tre minuti], il “Bagarozzo” conteneva tante di quelle tare da trasformarlo in un monumento alla supponenza.

 

E anche se non tutti se ne accorsero, di sicuro lo fece la stampa specializzata che, per rispetto o per scelta, si comportò addirittura  come se il disco non fosse mai esistito.
 

Ma vediamo nei dettagli cosa accadde, e come influì sulle sorti del gruppo.
 

Promozione. Stando alle parole dello stesso Simonetti, la Cinevox, specializzata esclusivamente in colonne sonore, non si occupò abbastanza della band nella sua dimensione autonoma. E questo condannò il disco all'anonimato.
 

 Immagine. Il pubblico non era abituato a considerare i Goblin come gruppo a sé stante, tantomeno in una dimensione narrativa come quella del concept album. E siccome già Roller non convinse a sufficienza, è chiaro che “Mark” avrebbe avuto bisogno di un maggiore sostegno.
 

 Autarchia. Ma il problema maggiore fu che, pur se oberato di lavoro, il gruppo volle fare tutto da sé. Declinò dapprima l'offerta di collaborazione da parte di Giovanni Tommaso del Perigeo che si offrì di aiutarli negli negli arrangiamenti, e anziché avvalersi di un autore professionista si affidò al solo Morante che, con tutto rispetto, non si dimostrò all'altezza.
 

Dialettica. In sostanza, proprio come fece l'anno prima Battisti con Images, anche i Goblin sottovalutarono l'importanza dei testi, e sciaguratamente lo fecero proprio nel momento in cui la comunicazione verbale era all'apice del suo potere conflittuale. In un periodo cioè, in cui il pubblico soppesava ogni singola parola alla ricerca di un significato o di un messaggio e le banalità o le inadeguatezze venivano severamente punite.
 

Titolo. Allo stesso modo, virgolettare in copertina un termine come 'bagarozzo' nel momento in cui si tentava di reintegrare i termini dialettali nella lingua italiana [vedi Gino Paoli del 1975 con Ciao Salutimme Zena del 1975, RepubblicA di Gianco nel 1976 e il primo Pino Daniele] sembrò uno snobbismo del tutto fuori luogo.
 

Narratio. Curiosamente, i cinque brani che narrano la storia di Mark, non sono né contigui né in ordine narrativo.
Tecnicamente la sequenza corretta avrebbe dovuto essere 1) Mark Il Bagarozzo 2) Terra Di Goblin 3) Notte 4) La Danza e 5) Un Ragazzo D'Argento, mentre fuori contesto c'erano Opera Magnifica, Viridiana ed "...e suono Rock". 

Invece le componenti del concept che gli outsider vennero mischiate tra loro senza alcuna logica, facendo perdere all'album continuità, senso e coerenza stilistica.

Un esempio per tutti; l'estatica "Terra Di Goblin" compressa tra il funky un po' guascone di "Un ragazzo d'Argento" e la pomposa psichedelia di "Viridiana". 

 

Grafica. Colpo di grazia, la trama ci parla di un reietto marginale con problemi di droga (che visti i tempi era quasi sicuramente eroina, sostanza dall'effetto notoriamente devastante), mentre il bagarozzo che lo rappresenta sembra quanto di più sano, simpatico e felice possa esserci al mondo. Era Mark che si era redento? Chissà.
 

I Goblin insomma pretesero di avere una coerenza espressiva che scoprirono di non avere, i già labili rapporti interni si incrinarono ancora di più, come se non bastasse, tra maggio e luglio Morante e Simonetti furono colpiti da due lutti familiari, e dopo un concerto al Teatro Ariston di Sanremo, il Morante se ne andà. sostituito da Carlo Pennisi.

Per chi volesse sapere tutto, ma proprio tutto sui Goblin, vi consiglio i siti:

SETTE NOTE IN ROSSO del mio amico Fabio Capuzzo, 

e il dettagliatissimo TERRA DI GOBLIN.

 

Per coloro che invece volessero leggersi una delle biografie più complete e dettagliate della band romana, scrivete a Fabio goblinsettenoteinrosso@gmail.com e dite che vi manda JJ.